Critica d’arte, giornalista e curatore indipendente.
Ideatrice e promotrice di eventi e iniziative dedicate alle nuove tendenze dell’arte contemporanea, dai New Media alla Street Art.
Dall’inizio della sua attività professionale ad oggi ha ricoperto incarichi di direzione e coordinamento, maturando una notevole esperienza nella ideazione e curatela di mostre e manifestazioni a carattere pubblico e istituzionale, collaborando con Musei, Comuni, Fondazioni, istituzioni pubbliche ed enti privati.
Nel suo percorso critico ha dedicato particolare attenzione ai nuovi linguaggi e ai nuovi media dell’arte, con particolare enfasi sulla fotografia e sulle tecnologie digitali ed interattive. In questi ultimi anni si è occupata di ricerche sulla Street Art, l’Urban Art e l'arte di strada, con l’ideazione di progetti di riqualificazione e rigenerazione urbana.
Art critic, journalist and independent curator based in Milan.
She is the creator and promoter of events and initiatives dedicated to new trends in contemporary art, from New Media to Street Art.
As an independent curator, she has curated a number of exhibitions with emerging artists and dedicated to new trends in contemporary art for private galleries and public spaces. In her critical path she has paid particular attention to new languages and new media art, with an emphasis on photography, new media and digital technologies. In recent years she has devoted to research on Street Art and Urban Art, with ideation of urban redevelopment and regeneration projects.
PIERLUIGI SLIS DADDY SHAKE A cura di Chiara Canali Promossa da CubEArt in collaborazione con Comune di Milano, Viafarini e Papà Separati di Milano
Fabbrica del Vapore 22 maggio dalle ore 18.00
In occasione della mostra “Address Unknown – Città, limiti, confini”, promossa dal Comune di Milano e dall’Archivio Viafarini, in programma alla Fabbrica del Vapore dal 17 maggio al 15 giugno 2024, CubEArt produce per il Piazzale della Fabbrica l’azione performativa e relazionale “Daddy Shake”, a cura di Chiara Canali.
La performance di Pierluigi Slis (Wuppertal, Germania, 1974), prevista per mercoledì 22 maggio dalle ore 18.00, rientra nelle iniziative dell’Associazione CubEArt, fondata da Ana María Pedroso Guerrero, di proporre l’arte come linguaggio capace di suscitare considerazioni profonde sui temi delle pari opportunità e dello scambio interculturale.
Tramite la messa in scena di un gioco di ruolo (simile al calcio), “Daddy Shake” affronta la tematica del bilanciamento dei ruoli genitoriali post-separazione nella famiglia contemporanea (madre-padre, individuo-collettivo, genitore-condividente) e si sofferma a riflettere sulle dinamiche e sui risvolti sociali da esso innescati.
“Daddy Shake” consiste principalmente in un “gioco” di squadra non competitivo, improntato alla collaborazione, ambientato in un contesto informale e non convenzionale, che favorisce l’interazione e la condivisione tra i partecipanti.
Il maschio-padre-separato diventa attore-giocatore-protagonista di un esperimento sociale nato dall’esperienza personale e diretta dell’artista. La vita reale diventa la rappresentazione di sé stessa e, prendendo in prestito alcuni elementi della dinamica calcistica, mira a sollevare attenzione su una problematica maschile (ma che riguarda anche il mondo femminile): la condizione attuale della genitorialità separata.
L’azione si propone di essere un dispositivo sperimentale, un laboratorio partecipativo volto a condensare delle suggestioni, dei nuclei di senso, delle particelle di emozioni e, infine, del materiale utile all’indagine, che verrà poi rielaborato a livello registico da Pierluigi Slis e restituito in un video documentario.
Descrizione della performance
Il progetto, già presentato a Vittorio Veneto e durante la Bolzano Art Week, consiste in un’azione collettiva svolta da genitori separati selezionati mediante una call diretta oppure online.
La partita avrà una durata di 70 minuti e si gioca in abiti civili di lavoro o di vita. Avrà luogo in un playground momentaneo tracciato nel Piazzale della Fabbrica del Vapore di Milano.
Sono previsti un arbitro, due guardialinee, due direttrici di gioco, dei video maker.
L’azione è finalizzata alla produzione di un video e di materiale fotografico volti a cogliere lo stato emotivo, gli interventi e le testimonianze dei giocatori.
In occasione della tappa milanese, è coinvolto anche l’ente Papà Separati di Milano onlus, Associazione nazionale per la tutela dei diritti dei figli nella separazione, da più di 30 anni a fianco dei padri e dei loro figli.
Pierluigi Slis
La ricerca di Slis esplora tematiche connesse ai processi psicologici e sociali che permeano l’esistenza e l’azione umana. Utilizzando strumenti come la pittura, la composizione ambientale, l’azione sociale o il video, dà vita a opere aperte, a volte effimere, caratterizzate da una certa insofferenza verso norme, estetismi e formalismi. Il suo fine è evocare una risonanza emotiva, un punto di domanda che inviti l’individuo a riscoprire la consapevolezza di sé.
Pierluigi Slis, nato nel 1974 a Wuppertal, in Germania, vive e lavora a Revine Lago.
Espone dal 2009 in Italia e all’estero in mostre personali e installazioni Site Specific: Somewhere in Berlin – Teatro Verdi e Teatro Zancanaro, Pordenone – Christine Frechard Gallery, Pittsburgh (USA) – Parlamento Europeo, Bruxelles (B) – Festival Comodamente, Vittorio Veneto – Einfarth freihalten, 16 Alfieri, Torino – Kunstraum B, Kiel (D) – Vergrabene Wünsche, Gängeviertels, Amburgo (D) – Menchen. Baustellen. Vergrabene Wünsche, Quartier 925, Brema (D) – Zoll/1, Verona Reload, Verona -Il gatto e la volpe, Kunstart, Bolzano – Die Babylonischen Horizonte, Stabsgebaude, Cuxhaven (D) – Mostra personale a Montecarlo (MC) – Stabsgebaude, Cuxhaven (D) – All work and no play makes…, Asolo Film Festival, Teatro Duse.
PIERLUIGI SLIS
DADDY SHAKE
A cura di Chiara Canali
Promossa da CubEArt in collaborazione con Comune di Milano, Viafarini e Papà Separati di Milano
Fabbrica del Vapore
22 maggio dalle ore 18.00
(Ritrovo dei partecipanti dalle ore 17.00)
Info:
info@cubeart.org
Siti:
https://pierluigislis.com
www.viafarini.org
Drop settimanali delle opere nella gallery a cura ArtCompany su Ninfa.io da giugno a luglio 2023. www.ninfa.io/gallery/@ArtCompany
NFT MONKY CONTAMINATION è il progetto artistico digitale e collaborativo promosso da Renzo Nucara, a cura di Chiara Canali, con il coinvolgimento di oltre 20 artisti del panorama contemporaneo e NFT italiano.
Gli artisti digitali che hanno aderito al progetto sono: Alessandro Brunello (Loopo.tv), Andrea Crespi, Arianna Bonucci (ManoMorta), Badassdog, Barbara Tosti, Black7even, Bruno Cerboni, Desiderio (Desixart), Edaxer, Federico Bebber, Giò Roman, Insightbart, Luigi Quarta, Matermanto, Niro Perrone, Rebecca Fiaschi (La Visionnaire sur la lune), Reinhard Schmid, SimOndee, Svccy, Undeadlu, Valerie Biet, Yes8Richie.
Quando si parla di Arte Digitale, oggi, si fa riferimento a un insieme di opere e pratiche artistiche che “sfruttano” la tecnologia come parte cardine e indispensabile dell’intero processo creativo ed espositivo. Si usa la definizione di Crypto Art per quella branca di arte digitale intrinsecamente legata al mondo degli NFT e della Blockchain. Negli ultimi anni è emerso in rete un vero e proprio movimento artistico costituito da artisti che realizzano opere digitali valorizzando gli aspetti di collaborazione, scambio, contaminazione e community.
Secondo Jason Bailey (AKA Artnome) la miglior definizione di Crypto Arte è “quello che succede quando tutti possono partecipare”.
Come dichiara Chiara Canali, “il progetto NFT MONKY CONTAMINATION, ideato da Renzo Nucara, parte da questo assunto di ‘partecipazione’ che è anche uno dei pilastri fondamentali della comunità degli NFT artists: la condivisione e la relazionalità tra i membri, che ha permesso la nascita e la diffusione di questo movimento artistico globale, in continua espansione, senza limiti geografici o temporali.
Gli artisti e i creativi di tutto il mondo possono essere collegati fra loro istantaneamente, in maniera fluida e ubiqua, reinventando totalmente l’idea di comunità dell’arte ed espandendo i confini della creatività oltre qualsiasi limite di spazio e tempo”.
Renzo Nucara, cofondatore della Cracking Art nel 1993 e Cryptoartist dal 2018 su SuperRare, racconta che tutto è nato da un messaggio di apprezzamento del suo lavoro inviatogli spontaneamente dall’artista Niro Perrone. All’invito, da parte di Nucara, di realizzare un NFT assieme, Perrone ha risposto positivamente, dunque la proposta è stata estesa ad altri autori e si è allargata a un gruppo di circa trenta artisti.
Nucara ha inviato ai colleghi artisti una sua opera digitale della serie Time Machine (Infinite Monkey) – riconoscibile per la presenza come protagonista della scimmia Monky e di una serie di ingranaggi che girano su sé stessi incessantemente – e ha chiesto loro di intervenire a piacimento, con il proprio stile e la propria tecnica, per contaminare il lavoro iniziale. Una volta ricevuto il contributo personale dei singoli autori, Nucara ha unito in un unico file il lavoro originale con quello contaminato, in modo da ottenere una visione simultanea della variazione subita e dell’integrazione dei linguaggi.
Come Time Machine (Infinite Monkey) è un’opera in divenire, che costituisce la cellula iniziale di un potenziale lavoro infinito costruito in una struttura modulare, così NFT MONKY CONTAMINATION si sviluppa grazie alla collaborazione, alla partecipazione e all’interazione attiva di tutti gli artisti che hanno risposto all’invito e può crescere solo grazie al contributo collettivo della comunità condivisa e allargata della Crypto Art.
Il progetto, presentato attraverso un Panel in occasione del Metaforum di Milano, ha anche preso vita nel virtuale, all’interno di una esposizione digitale (visibile fino al 30 Giugno 2023) realizzata nel Metaverso di The Nemesis, la piattaforma svizzera di intrattenimento che offre esperienze di realtà virtuale e aumentata per mass market, e che è prima nella classifica globale Top 20 Web3 Virtual Worlds.
Infine, il lancio delle opere avverrà attraverso Drop settimanali nella gallery Art Company su Ninfa.io da giugno a luglio 2023.
Scheda tecnica:
Nft Monky CONTAMINATION
Un progetto di Renzo Nucara
A cura di Chiara Canali
Con la partecipazione di:
Alessandro Brunello (Loopo.tv), Andrea Crespi, Arianna Bonucci (ManoMorta), Badassdog, Barbara Tosti, Black7even, Bruno Cerboni, Desiderio (Desixart), Edaxer, Federico Bebber, Giò Roman, Insightbart, Luigi Quarta, Matermanto, Niro Perrone, Rebecca Fiaschi (La Visionnaire sur la lune), Reinhard Schmid, SimOndee, Svccy, Undeadlu, Valerie Biet, Yes8Richie.
15 ANNI DI DIALOGO INTERCULTURALE NEL SEGNO DELL’ARTE, DELLA POESIA E DELLA PASSIONE
L’Associazione culturale CUBEART festeggia 15 anni di scambio culturale e promozione artistica con il progetto “Sesamo e Sale (Poetry is my passion)”
Acquario Civico di Milano
Viale G. Gadio 2
Mercoledì 21 settembre 2022, dalle ore 18
ORE 18 –APERTURA SERATA CON INTERVENTI DI Assessore alla cultura del Comune di Milano; Alejandro Betancourt Peña, Addetto Culturale dell’Ambasciata di Cuba; Bianca Aravecchia, Responsabile Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano; Chiara Canali, Critica d’arte; Teresa Iniesta, Direttrice Instituto Cervantes di Milano; Giovanni Giovannetti, Direttore Effigie Edizioni; Emanuele Patti, Direttore artistico Milano il mondo presso Sinitah.
ORE 19 – INCONTRO CON GLI AUTORI DI “SESAMO E SALE”
Sono trascorsi 15 anni dalla nascita dell’Associazione Cubeart, che da sempre propone l’arte come linguaggio universale, capace di promuovere il dialogo interculturale.
Dalla poesia alla letteratura, dalla danza alle arti visive, dalla cultura alla musica. Cubeart lavora per sviluppare progetti e iniziative volte a fare dell’arte – in ogni sua declinazione – uno strumento privilegiato di dialogo fra culture differenti e di partecipazione alla vita sociale e culturale del territorio.
In quindici anni sono stati molti i riconoscimenti che la città di Milano ha riservato a Cubeart, offrendo ogni volta un sostegno concreto a tutte le iniziative dal forte valore poetico e dal respiro internazionale che ha promosso, incentrate sul dialogo interculturale e sul valore dell’inclusione.
In occasione dei primi 15 anni di attività, Mercoledì 21 settembre 2022 dalle ore 18 presso l’Acquario Civico di Milano verrà presentata l’iniziativa editoriale“SESAMO E SALE” (Effigie Edizioni, 2022), l’evento sarà realizzato con il contributo di Fondazione Cariplo e promosso con il Patrocinio del Comune di Milano, la Oficina Cultural dell’Ambasciata di Cuba in Italia e l’Instituto Cervantes de Milán.
L’opera letteraria “Sesamo e Sale” è il frutto della collaborazione tra artisti e poeti di diversa provenienza residenti a Milano ma interpreti di culture straniereche hanno coniugato la loro creatività, i loro linguaggi e i loro stili.
La giornata di mercoledì 21 si svolgerà in due momenti:
Alle ore 18 una tavola rotonda alla quale parteciperanno importanti personalità dell’arte e della cultura milanese: Assessore alla cultura del Comune di Milano; Alejandro Betancourt Peña, Addetto Culturale dell’Ambasciata di Cuba; Bianca Aravecchia, Responsabile Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano; Chiara Canali, Critica d’arte, presidente di Art Company; Teresa Iniesta, Direttrice Instituto Cervantes di Milano; Giovanni Giovannetti, Direttore Effigie edzioni; Emanuele Patti, Direttore artistico Milano il mondo presso Sinitah.
Moderatore dell’incontro lo scrittore Pap Khouma.
A seguire, dalle ore 19, l’incontro con gli autori del libro “Sesamo e sale” – Betty Gilmore, USA; Rufin Doh, Costa d’Avorio; Ana María Pedroso Guerrero, Cuba; Salih Selimović, Bosnia: Antje Stehn, Germania. Lettura dei testi in in italiano Luigi Cannillo.
La lettura in lingua dei versi del libro sarà accompagnata da interventi performativi e musicali ispirati alle poesie evocate con la direzione artistica della Compagnia Interrogante Spettacolo.
Artisti: Mavis Castellanos, Madeleine Mbitanna, Kalua Rodríguez, Yudel Collazo, oltre a Donat Munzila, Abdoullay Traore, Stefano Corradi (Africa&Jazz Trio).
Moderatore il giornalista Paolo Massari.
Ana María Pedroso Guerrero, Presidente Associazione Cubeart: “Milano è una metropoli contemporanea, internazionale, multiculturale, inclusiva. Con Cubeart cerchiamo di valorizzare al meglio questa peculiarità e lo facciamo attraverso l’arte e la cultura. ‘Sesamo e sale’ sottolinea la forza lirica della poesia, capace di ribadire, partendo proprio dalla lingua, l’identità di un Paese e della sua gente”.
L’iniziativa editoriale “SESAMO E SALE (POETRY IS MY PASSION)” nata nel 2018 intende valorizzare le molteplici culture inserite nel tessuto cosmopolita di Milano, stimolando attraverso la poesia – in relazione con diverse espressioni artistiche e culturali – il dialogo tra le comunità transnazionali presenti sul territorio milanese.
Si ringraziano inoltre per la consulenza Laura Pandolfini e Alma Ramos, Marco Antonio Ribeiro Vieira Lima, per il coordinamento Alejandro Baró Gil e per la grafica Chiara Crosti.
CUBEART 2007-2022
L’Associazione Culturale Cubeart celebra quest’anno 15 anni di promozione e di scambio culturale e artistico. Nata a Innsbruck, (Austria) con sede a Milano, (Italia), è stata creata a Cuba con il sostegno e la collaborazione di artisti e intellettuali dell’isola e le sue istituzioni, grazie allo scambio di esperienze ed alle competenze acquisite durante i lavori realizzati nel corso degli ultimi anni, il progetto dell’Associazione Cubeart è diventato sempre più ampio. Dal 2011 infatti Cubeart si è posta come strumento creatore di reti di interscambio culturali, artistiche e sociali fra Cuba, America Latina, Italia ed Europa, legate allo sviluppo, alla realizzazione e alla produzione di eventi e progetti di cooperazione garantendo la partecipazione degli attori chiave per la formazione radicati nelle diverse regioni e ha promosso lo scambio di informazioni, spazi e individui riguardo i temi dell’arte, cultura e società, che sono rilevanti per il progresso sociale e umano.
La stagione culturale di Parma si prepara a ospitare la sesta edizione di PARMA 360 Festivaldella creatività contemporanea, evento dedicato alle massime espressioni delle arti visive contemporanee e del pensiero creativo, la cui direzione artistica è a cura di Chiara Canali e Camilla Mineo.
Promosso e prodotto dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, PARMA 360 Festival ha ricevuto il patrocinio e il contributo del Comune di Parma, il contributo della Regione Emilia-Romagna e di Fondazione Cariparma ed è sostenuto da un’ampia rete di partner pubblici e privati.
Un’edizione speciale, in programma tra il 10 settembre e il 30 ottobre 2022, che presenta i percorsi di alcuni protagonisti del sistema artistico contemporaneo le cui opere saranno in dialogo con gli spazi espositivi della città, in un percorso multimediale e sinestetico dedicato al tema PASSAGGI / PAESAGGI.
In questo inizio di secolo si parla con sempre maggiore insistenza di “paesaggio”, attribuendo spesso a questo termine significati diversi. Ma il paesaggio è ormai un continuum spazio-temporale che riunisce nella propria compagine caratteri opposti e dicotomici: l’uomo e la natura, lo spazio interno e quello esterno, il confine e l’apertura, l’esistenza concreta e quella immaginaria, il reale e il virtuale. Gli uni e gli altri sono, in realtà, condizioni di passaggio, di transizione, di evoluzione che il variegato programma del festival si proporrà di indagare attraverso i protagonisti coinvolti in questa sesta edizione.
Non solo mostre e progetti espositivi ma anche talk e incontri che confermano la natura partecipativa e relazionale di PARMA 360, nonché la sua vocazione a incoraggiare e diffondere l’arte contemporanea e gli artisti emergenti, attraverso la valorizzazione del patrimonio artistico parmense trasformato in un vero e proprio museo diffuso sul territorio. Anche in questa edizione, infatti, luoghi sia istituzionali che privati come palazzi storici, torri medioevali, spazi di archeologia industriale riconquistano il loro valore aggregativo e si arricchiscono di nuove valenze semantiche.
Ideata appositamente per PARMA 360 Festival e presentata a Palazzo del Governatore è l’opera poli-autoriale ánemos di Edoardo Tresoldi, Studio Azzurro e Max Magaldi. ánemosè un progetto corale che unisce linguaggi espressivi differenti: i tre artisti hanno concepito un organismo unico che si snoda attraverso la dimensione scultorea di Tresoldi, le proiezioni video di Studio Azzurro e la sonorizzazione di Max Magaldi. Insieme narrano un fenomeno semplice come il soffio leggero dell’evolversi di una giornata nel suo passaggio / paesaggio – il suo anemos – sintetizzandolo in un ambiente chiuso in cui agiscono dinamiche antropiche. Nel fare questo l’opera cerca di intercettare la relazione tra uomo e natura, legata fondamentalmente al caso, traslandola in una dimensione in bilico tra reale e virtuale.
Se l’architettura di Tresoldi detta le ritmiche spaziali dell’installazione, il suo contraltare è quello di essere Materia Assente che respira ed è resa mutevole dai racconti visivi di Studio Azzurro e dalle suggestioni sonore di Magaldi. L’opera di Studio Azzurro, nata come Cieli d’Italia, un grande affresco animato che simula ad “occhi in su” un viaggio lungo un’Italia immaginaria, mostra il sospiro di un cielo, il suo svolgersi e il suo mutare nell’arco di una giornata, dall’alba alla notte attraverso il mezzogiorno e il tramonto. A questa narrazione immaginifica si lega l’ecosistema sonoro ideato da Max Magaldi, composto da variazioni di suoni, momenti di climax e di pausa. Ogni visitatore, attraverso il proprio device, è in grado di aggiungere e amplificare gli elementi sonori nello spazio. ánemossi configura come un ambiente contemplativo, un percorso di ascolto e di scoperta in cui la percezione temporale è sospesa.
L’installazione sarà accompagnata da due percorsi paralleli che ne permetteranno un’ulteriore lettura: la mostra fotografica di Vito Frangione, un’esplorazione autoriale del lavoro di Tresoldi con un testo critico di Bianca Felicori, e i block notes di Studio Azzurro, un racconto dei loro processi e delle loro visioni artistiche.
Nell’ambito della macro-opera realizzata dall’autore israeliano Yuval Avital con il titolo Bestiario della Terra, progetto dell’anno di Reggio Parma Festival 2022, che si snoda nel corso dei mesi con un palinsesto composto da esposizioni monografiche, installazioni e grandi eventi, Persona è la terza mostra e rappresenta l’indagine sulla maturità, dopo le due precedenti svolte sull’infanzia, con Anatomie squisite (Musei Civici di Reggio Emilia), e sull’adolescenza, con Lessico Animale. Prologo (APE Museo di Parma).
In questa tappa, che si svolge nel settecentesco edificio di Palazzo Marchi, sono in mostra le celebri maschere sonore di Yuval Avital. Persona in passato significava maschera in quanto il termine italiano proviene dal verbo latino personare, formato da per = attraverso + sonare = risuonare, con riferimento agli attori del teatro classico che “parlavano attraverso” la maschera lignea che indossavano in scena.
La maschera permette a ciascuno, nascondendolo, di esprimere le verità più profonde, il vero proprio “io” e di conseguenza l’anima primordiale, ancestrale, istintiva, ovvero animalesca, racchiusa in ciascuno di noi e che finalmente può aprirsi una strada di comunicazione verso il mondo. Realizzate dall’artista in collaborazione con eccellenze artigianali toscane (nel 2019 in occasione della mostra monografica Nephilìm, al Museo Marino Marini di Firenze, e presentate nel 2021 a Milano nell’installazione site-specific Mikvé, ai Bagni Misteriosi di Milano), le maschere sonore di Avital racchiudono un forte significato simbolico sotteso da cui trapelano mistero, artificio e rito. Assieme alle maschere sonore sarà presente la video installazione Firedance, una riflessione nata davanti ai tradizionali fuochi di San Giuseppe di Matera, in cui l’ombra di un bambino che alimenta il fuoco va inteso come messaggio spirituale e purificatore. Infine, River Icons un lavoro iconografico in cui il fiume allude al flusso dei migranti che abbandonano le loro terre e in cui i partecipanti, composti da rifugiati e richiedenti asilo, diventano co-creatori dell’opera, innestando un processo di ri-umanizzazione dell’individuo de-umanizzato.
Il Torrione Visconteo, Torre medievale che sorge in via dei Farnese, di fronte al palazzo della Pilotta, ospita il progetto site-specific Camminando contaminandodell’artista Francesca Pasquali, autrice riconosciuta nel campo dell’arte contemporanea nazionale e internazionale per la sua ricerca legata alle materie plastiche. A partire dall’osservazione delle trame compositive con cui la natura crea le sue forme, l’artista cerca di riprodurne le strutture e i pattern attraverso la materia del proprio tempo. Pasquali trasforma e riconnota i materiali plastici e industriali, spesso di riuso, in ambienti di grande complessità e lenta elaborazione; seppur si tratti di materie proprie della quotidianità (plastica, polistirolo, ragnatori, setole) l’artista utilizza tecniche antiche quanto l’uomo, quali la tessitura, l’accumulo, l’intreccio.
Partendo dalla fascinazione che questi materiali esercitano nella sua prassi creatrice, stimolata dalla peculiare tipologia degli ambienti propri del Torrione Visconteo e sollecitata dalla volontà di interagire con il pubblico, l’artista realizza un articolato allestimento che si dipana per i vari piani della torre, lavorando sul dialogo tra ambiente e materia, pubblico e opera d’arte. Al pian terreno l’omonima installazione Camminando contaminando, realizzata in collaborazione con Termoblok, prevede la creazione di uno spazio immersivo, costituito da truciolato di polistirolo – lo stesso usato nel packaging – che verrà interamente percorso dallo spettatore.
L’armonia è uno degli elementi peculiari della sua ricerca, intesa quale pratica processuale e manuale che dà vita a opere di grande visionarietà, mutevoli, policrome e sensualmente attraenti per lo spettatore. L’ambiente accoglie la materia sintetica e instaura un rapporto simbiotico con essa, creando un dialogo rispettoso tra contenitore e contenuto in completo equilibrio. La materia plastica rivaluta così la sua essenza stimolando un rapporto interattivo e ammaliante con essa.
Lo Spazio Vetreria di Italia Veloce, sede e laboratorio di “Italia Veloce”, storica officina di Parma all’avanguardia nella realizzazione di biciclette di lusso e design, a partire dal 30 settembre 2022, ospita CINEMATICA illustrazione in movimento, mostra curata dalla galleria torinese Caracol e Camilla Mineo, dedicata a quattro grandi illustratori e illustratrici tra i più affermati del panorama italiano: Riccardo Guasco, Fabio Consoli, Marina Marcolin, Ilaria Urbinati.
Le due realtà, quella della bicicletta e dell’illustrazione si incontrano e dialogano fra loro grazie alle linee semplici e ai colori di Riccardo Guasco, la bicicletta è forse il luogo dove nascono le idee di questo geniale illustratore, che espone in Via Dalmazia una selezione dei suoi lavori più dinamici e scattanti; Fabio Consoli, illustratore di Acitrezza di fama internazionale, grande viaggiatore, utilizza la bici per i suoi viaggi in giro per il mondo tenendo un diario illustrato che è poi diventato un blog.Le sue illustrazioni, concettuali e poetiche sembrano sospese nel tempo e nello spazio. Gli acquerelli di Marina Marcolin, sprigionano mistero, sogno e raccontano del dialogo fra uomo e natura e mescolano presente, passato, la realtà e profonde sensazioni. Ilaria Urbinati, illustratrice torinese, mette al centro dei suoi lavori la figura femminile, le sue protagoniste sono donne, ragazze che esplorano e sperimentano il paesaggio e il mondo naturale intorno a loro.
Come ogni anno, anche in questa sesta edizione del festival, l’Edicola liberty di Piazza della Steccata viene rivestita con un progetto dedicato all’illustrazione contemporanea, realizzato in collaborazione con illustation.it e con il supporto di Servizievole.
Questa edizione di PARMA 360 Festival prevede anche una serie di talk, incontri e workshop con gli autori protagonisti delle mostre e alcuni relatori, critici d’arte, curatori, giornalisti, operatori culturali in dialogo con loro, in un programma moderato da Andrea Dusio, curatore, giornalista e saggista che si occupa di temi legati all’arte antica e contemporanea per le pagine culturali di quotidiani, periodici e testate web.
Il Festival abbraccia attivamente tutta la città e si arricchisce del CIRCUITO OFF realizzato grazie al supporto de La Galleria per coinvolgere il pubblico in un percorso nei negozi con l’obiettivo di rilanciare e promuovere la fervida cultura artistica già presente sul territorio e supportare le attività commerciali. All’appello sono chiamati gli spazi creativi della città: ristoranti, negozi, esercizi vari. Cuore del Circuito off sarà quest’anno La Galleria, con i suoi negozi, ristoranti, librerie, che saranno protagonisti di una mostra diffusa nelle vetrine degli esercizi commerciali in collaborazione con Illustation.it che proporrà mostre di illustratori di fama nazionale e internazionale, per una ricca e curiosa offerta espositiva. Un grande evento sarà ospitato negli spazi de La Galleria, con mostre, performance, live painting, talk presentazioni di libri, musica per una serata artistica 360 gradi.
Lorenzo Lavagetto, Assessore alla Cultura del Comune di Parma: “La sesta edizione del Festival porta a Parma opere di grandi artisti contemporanei capaci di reinterpretare, con originalità, alcuni dei più suggestivi spazi culturali e luoghi del patrimonio artistico cittadino offrendo occasioni di scoperta e arricchimento, non solo per appassionati d’arte e intenditori, ma anche per tutti coloro, adulti e bambini, che con curiosità si avvicinano all’arte contemporanea per la prima volta. Con piacere apriamo le porte di Palazzo del Governatore a Edoardo Tresoldi che, insieme alle proiezioni video di Studio Azzurro e grazie alla sonorizzazione di Max Magaldi, coinvolgerà il pubblico in una narrazione immaginifica in cui la percezione temporale è sospesa”.
PARMA 360 Festival della creatività contemporanea, che vede la direzione artistica e la curatela di Chiara Canali, Camilla Mineo e di Silvano Orlandini come Direttore di produzione, è organizzato dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, con il contributo del Comune di Parma, della Regione Emilia-Romagna, di Fondazione Cariparma e un’ampia rete di partner pubblici e privati, tra cui Termoblok, Gruppo Zatti, Studio Livatino, Studio Athena, Eulip, Bruno Casoli Trasporti, Gruppo INCHotels di Parma, Servizievole, De Simoni.
Info festival:
Parma 360 Festival della creatività contemporanea
VI Edizione
PASSAGGI / PAESAGGI
Spazio e Tempo nel contemporaneo
Direzione artistica
Chiara Canali, Camilla Mineo
Parma, sedi varie
Dal 10 settembre al 30 Ottobre 2022
DISEGNARE IL TERRITORIO FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE Seconda edizione Domodossola, 18 giugno – 3 luglio 2022
Sei illustratori in arrivo. Sei creativi che presentano, in un’edizione che si riconferma unica nel suo genere, la propria personale visione sul mondo. Ale Puro, Alena Tkach, Davide Bonazzi, Elisa Vendramin, Ilaria Urbinati, Matteo Ufo5 Capobianco sono i sei artisti che animeranno la seconda edizione del Festival dell’illustrazione Di-Se a Domodossola (VB), quest’anno dedicata al tema “Passare le Alpi“.
Due settimane, da sabato 18 giugno a domenica 3 luglio, per riempirsi gli occhi di colori e disegni, forme e intuizioni, e per conoscere da vicino il lavoro, non solo quello finito, ma anche i passaggi intermedi dall’idea alla realizzazione, di professionisti dell’illustrazione e della creazione di immagini. Sei artisti poliedrici e curiosi, abituati a giocare con il disegno per veicolare messaggi e parole, creatori di micro(e macro)cosmi visivi.
Disegnare il territorio – Festival dell’illustrazionepropone un ricchissimo calendario di eventi, tutti gratuiti, con un obiettivo preciso: avvicinare il pubblico all’illustrazione e ai grandi illustratori del panorama nazionale. È una realtà in espansione, quella del disegno, che si rivolge non solo a bambini e ragazzi, ma anche agli adulti. Una grande festa che coinvolge l’intera città di Domodossola con incontri, mostre, laboratori, workshop, attività didattiche, performance, street sketch, disegni dal vivo, sorprese e aperitivi con gli autori. Il programma con tutti gli appuntamenti e le informazioni complete può essere scaricato qui: ProgrammaFestivalDiSe2
Le sale dell’Artoteca Di-Se presso il Collegio Rosmini ospiteranno la mostra collettiva di cinque degli artisti invitati, insieme alla personale dell’illustratrice ucraina Alena Tkach, ospite speciale di questa edizione. La Tkach ci fa immergere nel suo universo magico e giocoso con Your Friend Forever. Le sue storie sono legate da un comune intento educativo, narrate da personaggi animali antropizzati che vivono immersi negli ambienti naturali propri dell’immaginario fiabesco. Esposta anche l’ironica serie di stickers animati “Hipster Llama”. Ale Puro presenta Siamo come montagne, percorso che si ispira al titolo di una sua opera in cui i volti di due bambini fuoriescono dalle cime di due montagne indissolubilmente unite tra loro. Una serie di opere pittoriche e disegni che creano un mondo poetico e sognante, passando attraverso lo sguardo dei più piccoli. Uno stile piatto fatto di linee semplici e campiture ampie, capace di catturare attimi quotidiani tra il pop e il surreale. Davide Bonazzi sceglie come filo conduttore per In viaggio – On the Roadil tema dell’esplorazione e della scoperta. Il viaggio porta con sé aspettative e ostacoli, sogni da realizzare e difficoltà da lasciarsi alle spalle, o, semplicemente, voglia di rilassarsi e guardare altrove. Le opere sono una selezione di lavori realizzati per finalità e contesti eterogenei, da copertine di libri a campagne pubblicitarie, da illustrazioni editoriali a progetti personali. Ancora, Elisa Vendramin ci porta Altrovecon le sue opere realizzate attraverso il collage digitale. Racchiude intuizioni e memorie in immagini dal sapore astratto e personale, gioca con il delicato equilibrio che si instaura tra la complessità della composizione e lo spazio vuoto del foglio. La raccolta di collage e serigrafie esplora diversi luoghi, alcuni reali e vissuti, altri solo immaginati, ma sempre raccontati da un punto di vista personale e unico. Ilaria Urbinati riflette su quanto, nell’immaginario comune, la Montagna sia il regno incontrastato del Montanaro, figura eroica che scala montagne, esplora vette sconosciute e affronta impavida mille avventure. E la Montanara? Che cosa fa? Queste domande provocatorie insieme ad alcune idee stereotipate sono il punto di partenza per i disegni di Wild Girls. Sono le donne, le ragazze e le bambine ad affrontare il mondo naturale: lo esplorano e sperimentano, con tutte le possibilità aperte davanti a sé. Matteo Ufo5 Capobianco presenta con Fabula le tavole originali disegnate per “Fabula Deck for Kids”, mazzo di 34 carte che stimola l’immaginazione dei ragazzi attraverso l’invenzione di un numero infinito di storie. Ogni carta è disegnata a mano a china e poi digitalizzata per la colorazione. Gli stimoli visivi ed espressivi sono il risultato dello studio di diversi autori, tra cui Gianni Rodari, che hanno sviluppato processi per ispirare la creatività dei ragazzi.
Alcune opere in mostra andranno a confluire nella sempre più corposa raccolta dell’Artoteca Di-Se e saranno disponibili per il prestito domestico | artotecadise.it
Pre-apertura venerdì 17 giugno alle ore 21 con un appuntamento speciale: il live painting di Antonello Ruggieri presso il Teatro del Collegio Rosmini. Artista, archeologo e docente, dialoga e interagisce con lo spettacolo teatrale della compagnia parigina Brave Monkey. Ruggieri ne ha disegnato scenografie, maschere e costumi, seguendo la sua personale ricerca che lo porta a prediligere la contaminazione tra discipline estetiche. Una performance estremamente corporea, con incursioni nella danza contemporanea, un’opera visiva di grande impatto e accessibile a tutti. Con sorpresa finale.
Tanti i laboratori con artista aperti al pubblico che raccolgono la sfida di mettere in gioco i partecipanti, dall’idea all’esecuzione. Ale Puro propone A metà: si disegna solo una parte di figura, la rimanente sarà completata da quella colorata da un altro partecipante in un gioco di accostamenti casuali per ottenere i risultati più curiosi e diversi. Gli sticker. Come crearli e dare loro vita con Alena Tkach: realizzare la propria esclusiva e personale collezione di adesivi per comunicare stati d’animo ed emozioni. Davide Bonazzi ci invita a Disegnare le parole. Workshop di illustrazione sulle poesie di Anna Baker. Come il poeta sceglie accuratamente le parole per il suo componimento, così l’illustratore è chiamato allo stesso sforzo di sintesi per comunicare un messaggio nello spazio limitato di una tavola. In Montagna Collage, Elisa Vendramin guida alla costruzione di composizioni montuose sorprendenti partendo da materiale cartaceo di riciclo come vecchie mappe, fotografie, ritagli di giornale, carte regalo. Ilaria Urbinati si apre al mondo del Carnet de voyage, una modalità informale e diaristica di appuntare in modo creativo il paesaggio osservato, i viaggi, la vita quotidiana. Matteo Ufo5 Capobianco costruisce nel suo Laboratorio fantastico per giovani raccontastorieuna narrazione e una illustrazione che la rispecchia, attraverso l’aiuto delle sue carte da gioco. Tutti i laboratori sono gratuiti, è gradita la prenotazione all’indirizzo email museiossola@libero.it o al numero 3478510850. La Libreria Grossi organizza, sempre al Collegio Rosmini, una mostra mercato dell’editoria legata all’illustrazione.
Paolo Lampugnani, Presidente di Associazione Musei Ossola, commenta: “La seconda edizione del Festival si pone come momento centrale in un anno ricco di eventi. L’abbiamo iniziato con la mostra dedicata ad Attilio Cassinelli, particolarmente gradita al pubblico dei più piccoli, siamo andati avanti con i lavori di Marco Goran Romano e il suo calendario Epson. L’anno si concluderà con la grande personale di Elisa Seitzinger”.
Il Festival si inserisce nel grande progetto Interreg Italia-Svizzera “Di-Se – DiSegnare il territorio”, tre anni all’insegna del disegno e dell’arte che vede coinvolti Associazione Musei d’Ossola, Museumzentrum La Caverna di Naters, Associazione Asilo Bianco. A cura di Chiara Canali e Camilla Mineo, è organizzato in collaborazione con Associazione Culturale Art Company. Si ringrazia per il sostegno Fondazione CRT e il partner tecnico Opificio Arte Stampata.
Anche quest’anno, dal 30 luglio al 28 agosto, il festival si sposta sul territorio a Macugnaga e in Formazza con la mostra itinerante a cielo aperto Passare le Alpi. Gli artisti coinvolti hanno lavorato sul tema del muoversi in montagna, con particolare attenzione a vie di comunicazione, passi, mezzi di trasporto, viaggiatori tra Italia (Val d’Ossola) e Svizzera (Canton Vallese). La mostra arriverà sul lago d’Orta a settembre, e successivamente, in Canton Vallese, in Svizzera. Infine, tra agosto e settembre, passeggiate in montagna con artista, accompagnati da guide escursionistiche tra i passi e le valli dell’Ossola e del Canton Vallese.
Programma completo della seconda edizione di DISEGNARE IL TERRITORIO – FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE: ProgrammaFestivalDiSe2
MOSTRE Artoteca Di-Se “Il Refettorio” Collegio Mellerio Rosmini, via Rosmini 24, Domodossola (VB) Ingresso libero amossola.it 18 giugno-3 luglio Inaugurazione | sabato 18 giugno ore 11 Aperture | martedì-venerdì 16-19 | sabato-domenica 10-12 e 15-19 Sabato 25 giugno | apertura straordinaria serale in compagnia degli artisti 21-23 Sabato 2 luglio | apertura straordinaria serale con visita guidata 21-23
Per informazioni e per seguire tutte le attività, gli eventi e le iniziative di Di-Se: amossola.it | asilobianco.it | artcompanyitalia.com IG Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco | ArtCompanyita FB Di-Se | Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco | ArtCompanyItalia
BIO DEGLI ARTISTI OSPITI
ALE PURO
Ale Puro vive e lavora a Vigevano. La sua carriera artistica inizia da adolescente quando si approccia al mondo del writing e della street art. Dopo gli studi all’Accademia di Brera vive in Messico e India, luoghi che sono stati fondamentali per la sua crescita lavorativa. Ritornato in Italia, la sua arte sarà caratterizzata costantemente da personaggi, quasi sempre dalle fattezze fanciullesche, che lo renderanno famoso al pubblico nazionale e internazionale. Nel 2017 viene invitato al Museo a cielo aperto di Camo, dove realizza un’opera permanente; nello stesso anno dipinge un murales di 14 metri di altezza nella città di Vigevano. Nel 2018 un suo murales, In quel fiore ci nascondevo il mondo, entra a far parte del progetto MAUA Museo di Arte Urbana Aumentata di Milano.
Ha collaborato con Poste Italiane per il progetto P.A.I.N.T., realizzando il calendario del 2018 e con Ferrovie dello Stato per la riqualificazione degli spazi urbani. Nel 2019 intraprende un’importante collaborazione per il progetto ‘Frontiere Urbane’ di CreAttivi con il comune di Novara. Ha preso inoltre parte, come illustratore, a tre progetti editoriali, il primo nel 2016, intitolato “Il giardino in tasca”, il secondo nel 2019, scritto e illustrato da lui, intitolato “Mani illustrate” e il terzo ‘‘Grande Come’’ nel 2020 edito da Lavieri Edizioni.
ALENA TKACH
Alena Tkach è un’illustratrice e designer freelance ucraina. Dopo gli studi in Arti Grafiche presso la State Academy of Design and Art di Kharkiv, realizza illustrazioni per libri d’infanzia, giochi da tavolo, giocattoli, app educative e videogiochi ispirandosi al mondo della natura e degli animali. Il suo primo libro illustrato è edito nel 2014, stesso anno nel quale Alena ha ricevuto il premio Cut Out The Darkness, riconoscimento di Panasonic per Behance Japan Tokyo Community. Ha lavorato, tra gli altri, per Facebook, McDonald’s, Janod, Marcobic, Penguin Random House, Fleurus, Yoyo Books, American Greetings, International Academic Alliance.
DAVIDE BONAZZI
Davide Bonazzi nasce nel 1984 a Bologna, città dove vive e lavora. Dopo la maturità classica e una laurea in Lettere moderne all’Università di Bologna si diploma in illustrazione allo IED di Milano e successivamente presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna. Dal 2010 realizza illustrazioni per progetti editoriali, campagne pubblicitarie e istituzionali in tutto il mondo. Fra i suoi clienti figurano The New York Times, The Wall Street Journal, Nike, Gatorade, Roche, Ogilvy, UNESCO, Emergency, Einaudi e molti altri.
Il suo lavoro ha ricevuto riconoscimenti dalla Society of Illustrators di New York, Communication Arts ("Best in Show" award 2022), American Illustration, 3x3 ProShow, Bologna Children’s Book Fair.
ELISA VENDRAMIN
Elisa Vendramin, originaria di Sacile (PN) e residente a Trieste, è un’illustratrice e grafica che collabora con istituzioni e agenzie internazionali. Dopo aver conseguito un Master in Communication Design presso il Central Saint Martins College of Art and Design di Londra, si trasferisce a Reykjavik dove viene selezionata per alcune residenze d’artista, tra cui SÍM International Residency e NES Artist Residency. Tra le ultime mostre a cui ha partecipato: ‘Beyond Form - Solo exhibition’ (Atelier Olschinsky Art Store, Vienna, 2015), ‘Les Rencontres d’Arles’ (Divonne Studio, Arles, 2017), ‘Blu Oltremare - Solo Exhibition’ (Saadabad Gallery, Tehran & Spazio Nour, Milano, 2018).
ILARIA URBINATI
Ilaria Urbinati è un’illustratrice italiana. È nata a Torino dove ha studiato Illustrazione allo IED. Attualmente vive a Bologna. Lavora come freelance da dieci anni, durante i quali ha pubblicato più di quaranta libri, sia in Italia che all’estero, realizzando volumi dedicati sia ai bambini e ai ragazzi sia a un pubblico più adulto, con incursioni nel mondo della graphic novel, dei quotidiani e della pubblicità. Ha lavorato tra gli altri con Disney, McDonald’s, Unilever, Armando Testa, Science Magazine, Barilla, Bao Publishing, Littlebee Books, Dargaud, Gallimard jeunesse, Mondadori, DeAgostini, Fabbri Editore, Il Corriere della Sera, PIEMME, Giunti, Loecher, Pearson, Erickson, Giralangolo, Librì, Il Castoro. Come docente ha collaborato con la Scuola Holden e IAAD dove ha curato personalmente il corso di Progettazione Grafica dell’Immagine dal 2018 al 2021. Da quattro anni illustra ogni Domenica la rubrica delle lettere dei lettori “L’Amore Moderno” per il quotidiano La Stampa. Ha sempre amato “le figure dei libri” e non ha mai viaggiato senza una scatola di acquarelli nello zaino. Ora lavora in digitale, ma le sue illustrazioni rispecchiano ancora le sue antiche passioni, mischiando gesti e sfumature delle tecniche tradizionali, e pennelli e pigmenti sono sempre nello zaino.
MATTEO UFO5 CAPOBIANCO
Matteo Capobianco (aka Ufocinque) nasce a Novara nel 1981. Originariamente attivo nella scena dei graffiti e della Street Art italiana, in seguito sperimenta una definizione più completa di arte parallelamente agli studi di Design al Politecnico di Milano. Dopo aver lavorato come set designer per vari teatri italiani, inizia a creare installazioni artistiche, mixando il metodo del design alla scenografia classica, usando la carta ritagliata a mano come materiale peculiare. Prosegue così la sua ricerca artistica alternando la pratica del disegno al muralismo, le sculture in ceramica alle installazioni in carta o altri materiali.
Recentemente ha interamente creato le scenografie dell’opera teatrale “C’era due volte Gianni Rodari”, serata celebrativa in onore del famoso scrittore omegnese dove ha lavorato a fianco di Neri Marcorè e del violinista Rodrigo D’Erasmo. Inoltre ha disegnato le carte di “Fabula for Kids”, un gioco progettato per stimolare la creatività dei più piccoli attraverso lo storytelling.
Mentre dalla Biennale di Venezia giunge notizia della morte di Hermann Nitsch, l’artista tra i fondatori dell’Azionismo Viennese, proprio in concomitanza dell’apertura della sua 20. Malaktion alle Oficine 800 della Giudecca, al Museo Giuseppe Scalvini di Desio (MB) inaugura la prima mostra in Italia di una sua allieva, Petra Holasek.
Curata da Cristiano Plicato, Direttore del Museo e Angelina Liakova, gallerista della Gallery ArtWizard di Sofia, la personale si intitola Pensieri dell’Etere. L’anima del mondo si sta formando si colloca nel contesto di un percorso di ricerca che ha come tappe fondamentali la trasformazione, la creazione e la rinascita.
Su invito del Museo Giuseppe Scalvini, l’artista nata a Graz presenta circa una trentina di dipinti e installazioni di diversi formati suddivisi per varie fasi pittoriche nelle quattro sale del Museo.
Nella prima sala si trova l’opera Federmeer (Mare di piume). Le piume bianche sono un mezzo espressivo molto amato dall’artista in quanto rappresentano per lei “purezza e calore e, a dispetto della loro leggerezza, hanno un’enorme presenza”. La piuma, come simbolo di leggerezza, affonda le sue radici in numerose culture antiche. Per i celti, i romani e gli egiziani, rappresenta l’incarnazione della fugacità e della volatilità dell’anima. Tuttavia, la piuma è anche simbolo di coraggio, potenza e forza.
La seconda sala è dedicata alla fase in cui è influenzata dalla poetica di Hermann Nitsch (2005 – 2013). Qui si possono ammirare, tra gli altri, Tor zu einer anderen Welt (Porta verso un altro mondo) (2010), un’opera realizzata nel periodo trascorso a contatto con il suo mentore (2018 – 2022). In quanto allieva di Nitsch, dieHolasek è affascinata dal sangue e anzi compie un passo ulteriore: sperimenta con il suo stesso sangue. Il sangue scorre da una piccola ferita sull’unghia del pollice e l’artista utilizza il suo dito come pennello per dipingere la tela. Il flusso del sangue viene continuamente stimolato dall’atto stesso del dipingere, continuando a rinnovare la ferita del dito.
Nella terza sala sono collocate le opere della fase figurativa (2016 – 2022) e nella quarta le opere con motivi floreali, create in un periodo di 17 anni.
La pittura di Petra Holasek si inserisce nel solco della tradizione della pittura astratta e informale, dell’Action Painting e della Jungen Wilden.
Come ricorda lo storico dell’arte Hartwig Knck, l’artista, che vive tra Vienna e Graz e deve la sua formazione artistica a grandi nomi come il già ricordato Hermann Nitsch, Alois Mosbacher, Giselbert Hoke, Ona B e Tone Fink, è riuscita a sviluppare uno stile personale all’interno del filone dell’espressionismo astratto. Nel suo caso, le sperimentazioni cromatiche conducono a un linguaggio del tutto peculiare.
DieHolasek dà vita ad un’opera coerente dal punto di vista formale e contenutistico, caratterizzata da emozione, humour e spontaneità, che si snoda tra astrazione, narrazione nascosta e puntuale oggettività. Il suo lavoro è complesso e frutto di lunghi processi. I suoi dipinti, realizzati solitamente con colori pastosi, sono raramente frutto di calcoli, bensì il gesto pittorico e il messaggio espressivo sono il risultato diretto del processo creativo.
Il suo linguaggio visivo è caratterizzato da colori eterogenei e dirompenti, che talvolta si combinano dialetticamente con integrazioni scritte o battute di spirito.
I suoi dipinti sono inoltre contraddistinti da strati di colore sovrapposti, che creano combinazioni multiformi e spostano lo sguardo dalla superficie alla profondità dello spazio pittorico. Con spatola, pennelli o direttamente con le dita, attingendo i colori acrilici puri a mani nude, l’artista dà forma a strutture visive in cui possono immergersi gli osservatori.
DieHolasek. Pensieri dell’Etere A cura di Cristiano Plicato e Angelina Liakova
Presentazione critica di Chiara Canali
Inaugurazione Sabato, 23 aprile 2022, 17:30
Dal 23 aprile al 15 maggio 2022 Orari di apertura
gio, ven, sab, dom
10:30 – 12:30 / 15:30 – 18:30
Ingresso libero con Green Pass
Museo Giuseppe Scalvini Villa Cusani Tittoni Traversi
Via Lampugnani, 66 Desio (MB) / Milano
Cristiano Plicato cristiano.plicato@libero.it
Art Company è lieta di partecipare alla seconda edizione di Trento Art Festival, il primo Festival d’arte contemporanea in Italia nativo digitale, in programma dal 2 al 6 marzo 2022.
Per questa edizione verrà presentato il progetto collettivo NATURAL BORN DREAMERS, a cura di Chiara Canali, realizzato in collaborazione con l’associazione Sm-art.org, che riunisce le opere di cinque artisti che lavorano con le arti digitali: Desiderio, Arianna Bonucci, Loopo, Marcondiro, Aldo Salucci.
La mostra sarà ospitata all’interno di uno spazio espositivo virtuale e sarà visibile sulla piattaforma www.kunstmatrix.com (fino all’8 aprile 2022).
Il titolo del progetto espositivo Natural Born Dreamers riprende quello del film Assassini nati – Natural Born Killers diretto da Oliver Stone nel 1994. La sceneggiatura originaria del film venne scritta da Quentin Tarantino, ma venne modificata radicalmente da Oliver Stone, che preferì incentrare l’oggetto del film sul rapporto tra i media e la violenza, che si alimentano vicendevolmente secondo un meccanismo perverso.
Questa mostra, invece, sottolinea la vocazione innata, da sognatori e visionari, di un gruppo di artisti che ha scelto di lavorare principalmente con il medium esclusivo del digitale, realizzando opere attraverso tecniche diverse: dalla pittura digitale alla fotografia rielaborata in post-produzione, dall’animazione 3D al Gif.
L’immaginario degli artisti Natural Born Dreamers è onirico, visionario o surreale ed esplora temi retrò, futuristici oppure fantascientifici, distopici e post-atomici.
La tavolozza cromatica dei lavori tende all’utilizzo di colori freddi e acidi, dal rosa al viola, dall’azzurro al verde petrolio, rafforzando un’estetica radicata nella tecno-nostalgia.
Queste opere, veicolate spesso come NFT (Non fungible token) su piattaforme della Blockchain, stanno effettivamente contribuendo a modificare la cultura artistica e visiva della nostra epoca.
Biografie artisti Desiderio (Sanzi)
Desiderio Sanzi è nato nel 1978 a Milano. Vive e lavora in provincia di Terni.
Vincitore del Premio Italian Factory 2008 e finalista in diversi premi tra cui Premio Cairo 2012, SESIFF The 3rd Seoul International Extreme-Short Image & Film Festival (KOREA), AZYL film festival One World One Minute (Slovakia, Czech Republic, Hungary) e altri.
Per molti anni viaggia tra l’Italia e Cuba e partecipa alla 54° Biennale di Venezia (2011) nel Padiglione Cuba e due edizioni della Biennale dell’Avana (2012; 2015) e alla 4° Bienal del Fin del Mundo a Valparaiso (Cile) nel 2015. Ha realizzato mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Berlino, Hubei Museum Cina, Hitabashi Art Museum, Tokyo, ecc) e nel 2009 ha partecipato alla mostra collettiva Apocalipse Wow! presso il Macro Future di Roma. Il suo lavoro interdisciplinare si contamina di molteplici linguaggi, l’interazione performativa e un particolare interesse per il video e la regia, tanto che è stato definito “un regista che dipinge”. Nel 2017 chiude il ciclo Beauty Hazard prima al Museo CAOS (Terni) e lo stesso anno alla Fabbrica del Vapore di Milano, in collaborazione con il Comune di Milano, con la mostra Nirvana, a cura di Chiara Canali. Nel 2019 realizza Malebolge all’interno dell’ex chiesa San Michele Arcangelo ad Amelia, progetto dedicato all’Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri che anticipa il 700°anniversario della sua morte (1321 – 2021). Nel 2021 partecipa alla mostra A riveder le stelle presso i Musei Civici Eremitani di Padova, in collaborazione con la Collezione The Bank Contemporary Art Collection.
Le sue opere NFT sono disponibili sulle piattaforme Foundation e Tokenance Art.
Arianna Bonucci
Nata a Siena in Toscana nel 1996, diplomata all’Istituto Europeo di Design (IED) nel 2019 in fotografia e comunicazione.
Professionista nel settore della fotografia di moda, advertising, food e beauty. Creatrice di contenuti con un approccio eclettico, unendo la cultura visiva alle competenze artigianali per proporre immagini dove non c’è confine tra arte e commerciale.
Tra le esibizioni collettive, nel 2017 “La Luna è una lampadina”, La Triennale Milano; nel 2019 “Ex Voto / per arte ricevuta”, GRANDART, Milano e Firenze.
Attualmente rappresentata da Tokenance Art per la sfera degli NFT.
Loopo
Alessandro Brunello, in arte LOOPO, è un artista digitale italiano con sede a Milano.
Ha studiato come designer e ha lavorato per molti anni nel campo espositivo, tenendo sempre aperta la porta alla sperimentazione di software 3D per fare arte digitale. Durante il blocco della pandemia, Loopo ha esplorato questa passione e scopre i social media e il Metaverso. Così inizia a creare i suoi infiniti ambienti che non sono solo esercizi estetici ma anche un inizio per pensare ai nostri stereotipi e guardare oltre. Il suo Metaverso è un mondo infinito e sognante che evoca relax, piacere e soddisfazione.
Ha partecipato alle seguenti mostre: nel 2021 Aldilà. Beyond the obvious Hyperaesthesia Onerica International Contemporary Art exhibition, a Milano e Fuerteventura; nel 2022 Artscloud, Art in the Metaverse, Republic of Korea e Cryptic Art, Crypto Art Show, Milano.
Le sue opere NFT sono disponibili sulla piattaforma Foundation.
Marcondiro
MARCONDIRO è un progetto musicale ideato e prodotto nel 2009 da Marco Borrelli, dopo diverse esperienze discografiche come produttore (“Sottovoce”dei Konsentia, 2001 CNI) e musicista in numerose band e spettacoli musicali itineranti (RadioConcerto, un tributo alla Storia della Radio in Italia, presentato in Italia e all’Estero). Nelle intenzioni del suo fondatore, il progetto Marcondiro unisce la tradizione cantautorale italiana, alle sonorità folk e rock della storia musicale nazionale. Una vocazione che nasce dagli ascolti e dalle ispirazioni dell’infanzia di Marco, durante la quale gli strumenti erano i giocattoli delle sue giornate e le melodie erano parte dei suoi giochi da bambino.
Sono sperimentatori dell’arte popolare colta e con il loro ultimo progetto musicale DATA accompagneranno gli spettatori in un viaggio dove l’arte non appartiene più a chi la crea, ma viene data in pasto al popolo, quello di internet. E proprio con questo spirito, i MARCONDIRO sono stati la prima band in Italia ad aver pubblicato un videoclip di un progetto musicale in NFT.
Nel 2021 hanno vinto il Primo Premio “Vertical Song” al VERTICAL MOVIE 2021
per il VideoClip “Captcha Cha” dei MARCONDIRO, regia di Marco Borrelli.
I MARCONDIRO hanno ricevuto il Primo Premio “Vertical Song” con la canzone “CAPTCHA CHA” al prestigioso Festival Internazionale VERTICAL MOVIE 2021 che si è svolto Sabato 17 Settembre presso la Casa del Cinema di Roma.
Aldo Salucci
Aldo Salucci, nato a Roma, vive e lavora a Milano.
Dopo studi specialistici in Farmacia intraprende l’attività artistica. Ai primi esperimenti pittorici si sostituisce presto un interesse esclusivo nei confronti della fotografia. I fondali marini sono il primo soggetto della sua ricerca fotografica.
Il successivo ciclo Distopia, tuttora in progress, si concentra invece sul rapporto tra la preservazione della bellezza e l’azione spesso distruttiva dell’uomo. Monumenti celebri appaiono così sommersi dalle acque, generando visioni apocalittiche ma non prive della speranza di una rinascita.
Il suo curriculum comprende mostre personali in gallerie private e spazi istituzionali, tra cui: nel 2022 solo show ad Investec Cape Town Fair, South Africa; nel 2021 e nel 2019 solo show presso MIA Photo Fair, Milano; nel 2018 Distopia, Galleria Statuto 13, Milano; sempre nel 2018 Underworld, The Iranian Artist Forum, Teheran, Iran; nel 2017 Mud, Galleria Statuto 13, Milano; nel 2016 Room mate, Hotel Giulia, Milano.
Biografie organizzatori Art Company
Art Company, associazione culturale nata a Milano nel 2007, si occupa della ideazione, realizzazione e organizzazione di eventi artistici ed espositivi sul territorio nazionale e internazionale.
Obiettivi sono la promozione e lo sviluppo di iniziative culturali attraverso la valorizzazione del lavoro di artisti contemporanei: dall’organizzazione di mostre personali e collettive, alla creazione di eventi e progetti speciali loro dedicati, alla pubblicazione di monografie, cataloghi, libri d’arte.
A partire dai linguaggi tradizionali – dalla pittura alla scultura – Art Company si è direzionata ai nuovi media e alle nuove tecniche dell’arte, con particolare enfasi sulla Fotografia, sui New Media e sulle nuove Tecnologie Digitali. Focus principale è quello di coinvolgere e sensibilizzare il pubblico con una riflessione sfaccettata sulle problematiche e le “emergenze” della nostra realtà contemporanea attraverso la multimedialità e la multidisciplinarità dei linguaggi dell’arte contemporanea. www.artcompanyitalia.com
Sm-Art.org
SM-ART.ORG è un’associazione che nasce per generare un impatto sul mondo della Blockchain e degli NFT attraverso un approccio ragionato, tecnologico, artistico e culturale. L’associazione sta creando una Community in cui artisti, galleristi, collezionisti e amanti delle nuove tecnologie possono trovare terreno fertile per scambi di valore e per sviluppare nuovi scenari e opportunità.
Grande attenzione è attualmente posta al paradigma blockchain e alle sue applicazioni; tra le più famose, al momento, possiamo annoverare quella legata agli NFT (Non-Fungible-Token), un mondo ricco di opportunità ma in gran parte inesplorato e con molti temi da approfondire. https://www.sm-art.org/
DISEGNARE IL TERRITORIO FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE Prima edizione
Domodossola, 24 luglio-1 agosto 2021
Un’occasione unica per conoscere da vicino il mondo dell’illustrazione e per vedere all’opera alcuni professionisti dell’immagine, ognuno con il proprio tratto e stile unici. Uno spaccato su un mondo creativo incredibile che negli ultimi anni sta facendo sempre più parlare di sé.
La prima edizione di Disegnare il territorio – Festival dell’illustrazione, in programma a Domodossola dal 24 luglio al 1 agosto, vuole essere una grande festa dedicata al disegno e all’arte. Una settimana di incontri, mostre, laboratori, workshop, talk, performance, street sketch e disegni dal vivo, ma anche di momenti più conviviali come aperitivi e cene con l’autore, accompagnati da alcuni degli illustratori più interessanti del panorama nazionale, conosciuti, apprezzati e premiati anche a livello internazionale. Una settimana di iniziative che ha come centro la città di Domodossola, in Piemonte e la Val d’Ossola nel suo complesso.
I sei artisti coinvolti in questa prima edizione sono Massimo Caccia, Cecilia Campironi, Gianluca Folì, Il Borse, Giulia Neri, SeaCreative. Gli illustratori saranno presenti durante le giornate di festival all’interno di un programma davvero ricchissimo che ha come tema di partenza quello delle fortificazioni alpine. La brochure completa può essere scaricata a questo link: https://bit.ly/programmafestivaldise
Da una parte mostre, tutte visitabili gratuitamente nelle sale di Artoteca Di-Se, il nuovo spazio nato all’interno del Collegio Rosmini di Domodossola e lanciato ad aprile di quest’anno per promuovere il prestito domestico di opere d’arte originali, dall’altra incontri e laboratori.
Ogni autore presenta una selezione di una ventina di opere, tra stampe e tavole originali: ci sono le “Storie di animali” di Massimo Caccia, collaboratore del Corriere della Sera per cui realizza le illustrazioni del supplemento laLettura, artista poliedrico e curioso che mette in scena uno spaesato mondo animale colto all’interno di improbabili situazioni di vita quotidiana. In “A mano a mano”, Cecilia Campironi,da sempre ispirata da ciò che la circonda, ama collezionare illustrazioni a tema, declinare visivamente concetti e giocare con il rapporto tra immagine e parola, ironizzando sul significato letterale o stravolgendone il senso.I particolareggiati disegni de Il Borse, dal meticoloso e fitto tratto a matita e penna, rappresentano per “In die illa tremenda” città volanti, immaginarie e fantastiche, trattenute da fili invisibili, che richiamano le storie delle città galleggianti di Jules Verne. E ancora Giulia Neri che con “Le abilità emotive” crea immagini che sono delle vere e proprie metafore visive, intime, poetiche, dai colori tenui e dai simboli ricorrenti: case, libri, nuvole. Infine SeaCreative,street artist che da sempre trova nelle sue opere un modo per riqualificare spazi e luoghi, con “Arabeschi fitomorfi” rappresenta un microcosmo di personaggi i cui volti, dalle espressioni stupite, assenti e attonite, ci rimandano a un universo fantastico e visionario.
Ma anche “Passaggio in Ossola. Appunti di viaggio su carta di Gianluca Folì”, un’esclusiva per il festival, un vero e proprio diario di viaggio che mette su carta le impressioni dell’artista nel corso del suo soggiorno ossolano.Folì torna in mostra anche nella serra della Casa del Profumo di Santa Maria Maggiore (VB), in Valle Vigezzo, con le 12 tavole del calendario Epson 2021, “Colorseeker. L’origine dei colori”, a partire dal 23 lugliofino alla fine di agosto, in collaborazione con Fondazione Scuola di Belle Arti Rossetti Valentini.
I laboratori (alcuni per tutti, altri pensati in particolare per i bambini) saranno quelli di Cecilia Campironi che in Segno dopo segno guiderà i partecipanti in un racconto del territorio attraverso l’uso sperimentale di forme e segni; Giulia Neri in Disegnare una copertina spiegherà come nasce “la faccia” di un libro, dall’idea alla realizzazione; SeaCreative in Gli spiriti della montagna creerà mostri ispirati al mondo alpino con rulli e pennelli e, ancora, Massimo Caccia con Gruppo di animali in un esterno giocherà con animali, oggetti e colori in una sessione di live painting. Anche i laboratori sono gratuiti ma è richiesta la prenotazione all’indirizzo email museiossola@libero.it o al numero 3478510850. Lo stesso è richiesto per le cene con gli artisti (a pagamento), tenute in diversi ristoranti della città.
Durante le giornate di festival sarà possibile trovare il portfolio “Castelli del feudo borromaico”, cinque tavole (più una) in tiratura limitata di 50 copie con firma originale degli artisti ospiti che hanno illustrato, ognuno a modo suo, i castelli di Arona, Angera, Cannero e Vogogna. Si tratta di un cofanetto creato in esclusiva per questa prima edizione e realizzato da Opificio Arte Stampata su carta certificata Hahnemühle. Ancora, Opificio Arte Stampata sarà presente con una postazione di stampa on demand delle opere esposte e ci sarà anche una mostra mercato di libri legati al tema dell’illustrazione e del disegno a cura di Libreria Grossi di Domodossola.
Così Paolo Lampugnani, Presidente di Associazione Musei Ossola: “Il festival nasce sull’onda del ritrovato interesse nei confronti dell’illustrazione, una spinta che è il motore di tutto il progetto Di-Se. Quello del disegno è un linguaggio che arriva e colpisce in modo diretto le persone e che interessa un po’ tutti, anche i più giovani. Ce lo dimostrano le felici esperienze della collettiva “Herbarium vagans” e della personale “Ostinato sguardo” di Gianluca Folì. Il festival va in questa direzione: avvicinare il pubblico all’illustrazione e ai grandi illustratori del panorama nazionale, uno sforzo e una sfida che parte da questa prima edizione e che vuole proseguire oltre i tre anni del progetto Interreg all’interno del quale è nato. Crediamo fermamente di essere sulla buona strada”.
Il Festival dell’illustrazione è organizzato in collaborazione con Associazione Culturale Art Company e si inserisce nel grande progetto Interreg Italia-Svizzera “Di-Se – DiSegnare il territorio”, tre anni all’insegna del disegno e dell’arte che vede coinvolti Associazione Musei d’Ossola, Museumzentrum La Caverna di Naters e Associazione Asilo Bianco.
Dal 1 al 29 agosto il festival si sposta sul territorio con la mostra itinerante open air “Difendersi dall’alto”, una grande collettiva a cielo aperto che porta avanti il lavoro iniziato nell’estate 2020 con “Herbarium vagans”. Quest’anno gli artisti sono stati invitati a lavorare su castelli, fortificazioni e strutture difensive presenti in Ossola, Cusio e Canton Vallese. La sezione che comprende 27 artisti e illustratori contemporanei è allestita nel centro storico di Vogogna, mentre nella Torre di Battiggio di Vanzone con San Carlo e nelle vie di Ceppo Morelli sono in mostra le riproduzioni delle opere realizzate negli anni ’50 dal padre rosminiano Luigi Arioli, grande studioso di fortificazioni locali.
Espongono le loro opere: ATEZ, Enzo Bersezio, BR1, Vittorio Bustaffa, Riccardo Corciolani, Sylvie Durouvenoz, Lisa Gelli, Riccardo Guasco, Marco Latagliata, Lufo, Marina Marcolin, Antonio Marinoni, Virginia Mori, Erjon Nazeraj, Andrea Oberosler, Mikayel Ohanjanyan, Eleonora Perretta, Carlo Più, Alannah Robins, Antonello Ruggieri, Rustlehare, Lucio Schiavon, Flavia Sorrentino, Karl Walden, Secil Yaylali, Metin Yergin, Loic Zanfagna. La mostra arriverà sul lago d’Orta a partire dall’11 settembre, e successivamente, in Canton Vallese in Svizzera.
Il programma completo della prima edizione di DISEGNARE IL TERRITORIO – FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE può essere scaricato qui:
All’Acquario Civico di Milano apre il progetto espositivo dell’artista Luca Bertasso, intitolato Pop Aquarium, a cura di Chiara Canali e Antonella Mazza, organizzato da Art Company. La mostra, promossa da Comune di Milano – Cultura e Acquario Civico, presenta una serie inedita di 100 tempere su carta dedicate al tema dell’acquario e allestite all’Acquario Civico di Milano, splendido edificio liberty situato all’entrata di Parco Sempione, tra il Castello Sforzesco e l’Arena, terzo Acquario più antico d’Europa.
Gli “Acquari”, realizzati a partire dal 2012, costituiscono un vero e proprio repertorio visivo enciclopedico, che parte dalla lettera A e arriva alla Z per ricominciare dal numero 1 ed arrivare attualmente al 60. Pur essendo densi di numerosi riferimenti letterari e storici, dai fregi dell’antica Mesopotamia ai bestiari della letteratura medievale, dalle decorazioni scultoree di mostri scolpiti nelle cattedrali alle ibridazioni fantastiche dei fumetti, gli “Acquari” ci parlano del nostro presente, denunciano la nostra frenetica condizione, la profonda crisi di valori cui assistiamo indifferenti.
Luca Bertasso è un pittore che fonde il classico col contemporaneo, un moderno amanuense, immerso nello sfrenato consumismo di questi nostri tempi. Gli “Acquari” di Luca Bertasso sono schermi di TV Pop che mettono in onda mondi fantastici popolati da pesci antropomorfi su fondi blu mare. Variopinti e grotteschi caleidoscopi, magici giochi alchemici, compilazioni enciclopediche barocche dipinte con maestria e coraggiosi accostamenti di colore. Uno stile bizantino, per la grande precisione formale, fondata sull’uso di ripetute stesure di colore e meticolose dorature e argentature dei contorni.
Un universo liquido, scandito da atmosfere noir o surreali, brulicante di creature ibride, con sembianze greche ed egiziane, che ricordano le fantasie fiamminghe di Hieronymus Bosch e gli incubi innocui di Heinrich Füssli, e che dichiarano il loro debito con gli studi di Jurgis Baltrušaitis e con le fantasie di Jorge Luis Borges.
La dichiarazione best before o expiry date, ci ricorda che tutto è vacuità e dimostra quanto sia necessaria e urgente una presa di coscienza sul modo in cui operiamo nel nostro ambiente di vita e nella nostra folle corsa metropolitana quotidiana. Pesci surreali con tratti molto umani, stracarichi di elementi e di particolari, in un horror vacui che riflette i meccanismi di accumulo e straniamento della nostra società contemporanea e ci suggerisce profonde riflessioni sull’arte del vivere.
Così dichiara Chiara Canali nel suo testo critico: “Come Warhol, con la sua ottica fredda e distaccata, assume il modulo non solo a livello compositivo ma anche antropologico, così Bertasso utilizza l’elemento del modulo e lo rende un elemento multiplo e infinito, per descrivere una variegata fauna antropomorfa dove l’individuo si trasforma in uomo-massa, in uomo moltiplicato, intrappolato dal sistema produttivo all’interno di una condizione ormai stereotipata”.
Continua Antonella Mazza: “Gli Acquari sono radiografie della nostra interiorità, della nostra mente, della nostra anima, con tutti i vari personaggi che la popolano. Ed anche foto istantanee della nostra quotidianità, che denunciano il nostro vivere sfrenato e ci portano a riflettere sul futuro del nostro pianeta. L’allestimento con gli Acquari sottovuoto vuole lanciare un messaggio di difesa dell’ambiente e denunciare l’uso indiscriminato della plastica: lasciamola all’arte e togliamola dalla Natura.”
Energie rinnovabili e riduzione delle emissioni sono temi che condividiamo con passione con Fondazione SOS Planet di Amedeo Clavarino, impegnata al risveglio delle coscienze sulla necessità di diventare net CO2 neutrali entro il 2030 per salvare l’umanità dal surriscaldamento climatico.
La mostra sarà accompagnata da un catalogo edito da EMMEGI Contemporary, con prefazione di Filippo Del Corno, assessore alla cultura, Domenico Piraina, direttore dei musei scientifici di Milano e testi critici di Chiara Canali e Antonella Mazza.
Tutti i dettagli sul programma, le informazioni, i giorni e gli orari di apertura e le modalità d’accesso per i visitatori sono pubblicati sul sito web istituzionale: http://www.acquariodimilano.it
BIOGRAFIA Luca Bertasso è nato a Torino nel 1968. Trasferitosi a Milano studia prima al Liceo Classico e poi all’Accademia di Belle Arti di Brera. Ha esordito giovanissimo a Milano nel 1989 con una Personale presso la prestigiosa Compagnia del Disegno (Galleria dove terrà altre tre Personali con relativi cataloghi nel 1993, 2005 e 2010) presentato in catalogo da Giovanni Testori e Chiara Canali. Nel 1995 vince il concorso che gli consente di realizzare un’importante personale con monogra-fia presso il Musée Municipal de Saint Paul de Vence. In seguito prende parte a diverse esposi-zioni personali e collettive e si trasferisce a New York. Dove, a fine anni Novanta, nasce l’idea dell’opera con data di scadenza a vista (“Expiry date” o “Best before” e successivamente una data collocata in un futuro del tutto casuale) come spiega anche Marco Meneguzzo in un brillan-te articolo pubblicato nel 2002 su “Abitare”. Idea che il pittore continua a portare avanti come personale e inossidabile “marchio di fabbrica”. Finalista del Premio Celeste 2005, tra le numerose mostre personali si ricordano: Metrosexual, 2007, con introduzione in catalogo di Marco Meneguzzo presso la Galleria delle Battaglie di Bre-scia, Full Optional, 2008, nella Galleria milanese Bianca Maria Rizzi con prefazione in catalogo di Stefano Castelli e nel 2012, con catalogo a cura di Mauro Corradini, L’Acquario e gli archetipi di Luca Bertasso, presso la Galleria bresciana I Monaci sotto le stelle Arte Contemporanea. Tra le numerosissime mostre collettive: nel 1997 presso la Casa dei Carraresi di Treviso Ritratti a Testori con catalogo a cura di Marco Goldin, nel 2008 al Liu Haisu Art Museum di Shanghai Masters of Brera con ampio catalogo a cura di Rolando Bellini, in collaborazione con la Galleria Bianca Maria Rizzi di Milano, le due collettive Senza mani! (2001) e Christmas Rodeo (2010) presso Antonio Colombo Arte Contemporanea di Milano. Nel 2012, infine Artquake – l’Arte della solidarietà, mostra collettiva a scopo benefico svoltasi a Reggio Emilia in favore delle popolazio-ni terremotate. Artista ormai riconosciuto e affermato sulla scena artistica italiana, viene considerato come una delle promesse dell’ultima generazione di pittori usciti negli anni Novanta. Colto, raffinato ed elegante, ma schivo e lontano dai clamori dei vernissage, lavora con coerenza nel suo studio per produrre complesse serie di lavori che utilizzano un linguaggio Pop riconoscibile per caratteri tecnici e tematici, dai colori acidi alle stesure uniformi, dalle relazioni cromatiche a contrasto ai profili netti, fino alla disseminazione di elementi numerici e di forme poetiche ibride. I suoi soggetti sono delineati con pochi tratti decisi ed essenziali, con campiture accese e bidi-mensionali, secondo un predominante utilizzo del colore molto caratteristico del suo lavoro. Il disegno delle silhouette si affida a una linea di contorno importante, che ha origine formale nelle trame di Fernand Leger, portata ai suoi massimi risultati espressivi da Keith Haring e declinata qui in maniera molto originale grazie all’intervento, oltre al nero, di tinte squillanti, che diventa-no il profilo portante dell’opera. Nella ricerca artistica di Luca Bertasso sono riscontrabili due linee espressive: da un lato la tipiz-zazione del soggetto, secondo i canoni espressamente Pop, dall’altra il gioco surreale magrittia-no della sovrapposizione di diversi elementi, scritte, oggetti, numeri. Personaggi totalmente re-inventati, connotati dall’apparire di strani e sorprendenti elementi, dove l’umano si coniuga all’animale e l’inanimato assume aspetto antropomorfo in una continua metamorfosi surreale di forme e fisionomie, come nella serie “Acquari” che l’artista ha realizzato dal 2009 ad oggi. Hanno scritto su di lui, tra gli altri: Emilio Tadini, Flavio Arensi, Marco Meneguzzo, Mimmo Di Marzio, Gianluca Marziani, Chiara Ca-nali, Francesca Baboni, Viviana Siviero, Alessandro Riva, Simona, Bartolena, Marina Mojana. Vive tra Milano e New York.
Coordinate mostra: Titolo POP AQUARIUM Artista LUCA BERTASSO a cura di Chiara Canali e Antonella Mazza Sede Acquario Civico di Milano – Viale G. Gadio 2, Milano – M2 Lanza tel 02 88 46 57 50 Apertura dal 4 giugno al 4 luglio 2021
Biglietti d’ingresso 5.00 euro intero, 3.00 euro ridotto, la visita alla mostra è compresa nel biglietto d’ingresso all’Acquario. Orari martedì – domenica ore 10 – 17.30 (ultimo ingresso ore 17, con bigliet-to). Chiusura biglietteria ore 16:30. Lunedì chiuso
La prenotazione non è obbligatoria, ma fortemente consigliata per evi-tare attese. A causa dei limiti di capienza e del maggiore afflusso, il sabato, la domenica e nei giorni festivi, l’ingresso ai visitatori non preno-tati non può essere garantito.
Nella città eletta Capitale italiana della Cultura 2021, ha preso il via la quinta edizione di PARMA 360 Festival della creatività contemporanea, a cura di Chiara Canali e Camilla Mineo, evento dedicato alle massime espressioni delle arti visive contemporanee e alla creatività giovanile.
Il ricco programma di mostre e progetti espositivi è ora fruibile anche online sulla puattaforma Lieu.City, il primo social network VR per eventi d’arte online, che permette di visitare ambienti espositivi in realtà virtuale, senza il bisogno di app o complesse tecnologie.
Tra i progetti di questa edizione del festival, le mostre MAPPING THE STARS di Vincenzo Marsiglia, realizzata in collaborazione con Arteam Cup e con la mediapartnership di Espoarte e LIGHT AND SHADOW di David Cesaria, realizzata in collaborazione con Galleria Area/B di Milano.
La texture stellata, tipica delle opere di Vincenzo Marsiglia, è presente nello spazio virtuale di Lieu.City attraverso l’installazione Wrap #5, una struttura geometrica costituita da nastri in tessuto acrilico illuminati a luce di wood per far esaltarne il colore fluorescente e l’immersione in un ambiente dal riverbero cangiante e dall’atmosfera color blu. La trama luminosa dei fili avvolge l’interlocutore in un reticolo fluorescente, il cui disegno parte dall’essenza della ricerca stilistica che l’artista segue da anni: il segno della stella a quattro punte. Il progetto virtuale è reso possibile grazie alla collaborazione con Xonne Solutions di Parma.
A metà strada tra la tradizione del Salento e le atmosfere di Las Vegas, le luminarie per la mostra LIGHT AND SHADOW di David Cesaria approdano a un immaginario fatto di gesti scaramantici, superstizioni popolari e ossessioni contemporanee. In particolare la recente produzione dell’artista ha stigmatizzato con colori sgargianti e atmosfere chiassose le fragilità e le paure generate dal clima di incertezza e sfiducia dovuto all’emergere della pandemia Covid-19.
EXTERNAL LANDSCAPE dell’artista e fotografo Matteo Mezzadri è un progetto realizzato in Islanda nel 2010 durante un viaggio in cui l’artista ha circumnavigato l’intera isola in senso orario. L’obiettivo dell’artista si sofferma sulla pelle esterna del paesaggio, apre l’obiettivo sulle lande sconfinate dell’Islanda o ne cattura dettagli più ravvicinati, restituendone complessivamente una visione d’insieme nella proiezione a due canali che associa le immagini a campo largo alle texture che caratterizzano quell’ecosistema ambientale (roccia, terra, lava, erba e mare).
DINAMICA8 illustratori 8 dinamiche creative è uno spaccato dell’illustrazione italiana contemporanea, è una mostra collettiva che presenta otto tra i migliori e più affermati illustratori italiani a cura del giovane brand torinese Illustation: Davide Bonazzi, Francesco Bongiorni, Federica Bordoni, Fernando Cobelo, Camilla Falsini, Chiara Ghigliazza, Giordano Poloni e Shut Up Claudia.
Ognuno degli otto autori presenta una collezione di dieci tavole, riprodotte in diversi formati, sintesi del loro percorso artistico, cercando di declinare attraverso il loro universo creativo il concetto di “dinamismo” attraverso illustrazioni concettuali, paesaggi, forme geometriche essenziali, bianco e nero.
PARMA 360 FESTIVAL DELLA CREATIVITÀ CONTEMPORANEA
PARMA 360 Festival della creatività contemporanea è il festival dedicato alla creatività contemporanea italiana e alla scena artistica emergente. Nella città eletta Capitale italiana della Cultura per il 2020, festeggia cinque anni e interpreta, attraverso mostre, eventi e incontri, il nuovo ritmo della città proiettandosi al futuro.
PARMA 360 festival si pone ancora una volta l’obiettivo di promuovere e divulgare l’arte contemporanea e la creatività giovanile con iniziative che favoriscono la partecipazione e il coinvolgimento di un pubblico ampio ed eterogeneo, con particolare attenzione alle nuove generazioni e alle famiglie.
Alla base della progettualità di PARMA 360 ci sono inoltre i concetti di rigenerazione urbana e di rifunzionalizzazione degli spazi cittadini per un coinvolgimento attivo della cittadinanza. Il Festival, infatti, mette in rete e promuove il patrimonio artistico già esistente in un vero e proprio museo diffuso sul territorio, valorizzando attraverso l’arte contemporanea chiese sconsacrate, palazzi storici e spazi di archeologia industriale non sempre conosciuti dagli abitanti della città.
L’iniziativa, che vede la direzione artistica e la curatela di Camilla Mineo e Chiara Canali, è organizzata dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, con il sostegno del Comune di Parma e di un’ampia rete di partner pubblici e privati.
Lieu.City
Lieu.city SRL è una start-up innovativa, con sedi a Cagliari e Milano, specializzata nella realizzazioni di esperienze in realtà virtuale nel campo delle esposizioni d’arte.
Fondata nel 2020 da Deodato Salafia, ha superato la fase di R&D e si trova ora nel primo lancio beta (fase MVP) con un team di sviluppo di 15 persone. Lieu.City, insieme ad Art Rights, è stata inoltre validata come soluzione culturale innovativa all’interno del progetto “Artathlon 2021”, promosso dal MiC (Ministero della Cultura), Ernst&Young e Invitalia.
Info festival:
Parma 360 Festival della creatività contemporanea
Parma, sedi varie
Fino all’8 agosto 2021
Art Company Italia 