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Illustrazione

DI-SE Disegnare il territorio. Seconda edizione del Festival dell’illustrazione di Domodossola

DISEGNARE IL TERRITORIO
FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE
Seconda edizione
Domodossola, 18 giugno – 3 luglio 2022

Sei illustratori in arrivo. Sei creativi che presentano, in un’edizione che si riconferma unica nel suo genere, la propria personale visione sul mondo. Ale Puro, Alena Tkach, Davide Bonazzi, Elisa Vendramin, Ilaria Urbinati, Matteo Ufo5 Capobianco sono i sei artisti che animeranno la seconda edizione del Festival dell’illustrazione Di-Se a Domodossola (VB), quest’anno dedicata al tema “Passare le Alpi“.

Due settimane, da sabato 18 giugno a domenica 3 luglio, per riempirsi gli occhi di colori e disegni, forme e intuizioni, e per conoscere da vicino il lavoro, non solo quello finito, ma anche i passaggi intermedi dall’idea alla realizzazione, di professionisti dell’illustrazione e della creazione di immagini. Sei artisti poliedrici e curiosi, abituati a giocare con il disegno per veicolare messaggi e parole, creatori di micro(e macro)cosmi visivi.

Disegnare il territorio – Festival dell’illustrazione propone un ricchissimo calendario di eventi, tutti gratuiti, con un obiettivo preciso: avvicinare il pubblico all’illustrazione e ai grandi illustratori del panorama nazionale. È una realtà in espansione, quella del disegno, che si rivolge non solo a bambini e ragazzi, ma anche agli adulti.
Una grande festa che coinvolge l’intera città di Domodossola con incontri, mostre, laboratori, workshop, attività didattiche, performance, street sketch, disegni dal vivo, sorprese e aperitivi con gli autori. Il programma con tutti gli appuntamenti e le informazioni complete può essere scaricato qui: ProgrammaFestivalDiSe2

Le sale dell’Artoteca Di-Se presso il Collegio Rosmini ospiteranno la mostra collettiva di cinque degli artisti invitati, insieme alla personale dell’illustratrice ucraina Alena Tkach, ospite speciale di questa edizione.
La Tkach ci fa immergere nel suo universo magico e giocoso con Your Friend Forever. Le sue storie sono legate da un comune intento educativo, narrate da personaggi animali antropizzati che vivono immersi negli ambienti naturali propri dell’immaginario fiabesco. Esposta anche l’ironica serie di stickers animati “Hipster Llama”.
Ale Puro presenta Siamo come montagne, percorso che si ispira al titolo di una sua opera in cui i volti di due bambini fuoriescono dalle cime di due montagne indissolubilmente unite tra loro. Una serie di opere pittoriche e disegni che creano un mondo poetico e sognante, passando attraverso lo sguardo dei più piccoli. Uno stile piatto fatto di linee semplici e campiture ampie, capace di catturare attimi quotidiani tra il pop e il surreale.
Davide Bonazzi sceglie come filo conduttore per In viaggio – On the Road il tema dell’esplorazione e della scoperta. Il viaggio porta con sé aspettative e ostacoli, sogni da realizzare e difficoltà da lasciarsi alle spalle, o, semplicemente, voglia di rilassarsi e guardare altrove. Le opere sono una selezione di lavori realizzati per finalità e contesti eterogenei, da copertine di libri a campagne pubblicitarie, da illustrazioni editoriali a progetti personali.
Ancora, Elisa Vendramin ci porta Altrove con le sue opere realizzate attraverso il collage digitale. Racchiude intuizioni e memorie in immagini dal sapore astratto e personale, gioca con il delicato equilibrio che si instaura tra la complessità della composizione e lo spazio vuoto del foglio. La raccolta di collage e serigrafie esplora diversi luoghi, alcuni reali e vissuti, altri solo immaginati, ma sempre raccontati da un punto di vista personale e unico.
Ilaria Urbinati riflette su quanto, nell’immaginario comune, la Montagna sia il regno incontrastato del Montanaro, figura eroica che scala montagne, esplora vette sconosciute e affronta impavida mille avventure. E la Montanara? Che cosa fa? Queste domande provocatorie insieme ad alcune idee stereotipate sono il punto di partenza per i disegni di Wild Girls. Sono le donne, le ragazze e le bambine ad affrontare il mondo naturale: lo esplorano e sperimentano, con tutte le possibilità aperte davanti a sé.
Matteo Ufo5 Capobianco presenta con Fabula le tavole originali disegnate per “Fabula Deck for Kids”, mazzo di 34 carte che stimola l’immaginazione dei ragazzi attraverso l’invenzione di un numero infinito di storie. Ogni carta è disegnata a mano a china e poi digitalizzata per la colorazione. Gli stimoli visivi ed espressivi sono il risultato dello studio di diversi autori, tra cui Gianni Rodari, che hanno sviluppato processi per ispirare la creatività dei ragazzi.

Alcune opere in mostra andranno a confluire nella sempre più corposa raccolta dell’Artoteca Di-Se e saranno disponibili per il prestito domestico | artotecadise.it

Pre-apertura venerdì 17 giugno alle ore 21 con un appuntamento speciale: il live painting di Antonello Ruggieri presso il Teatro del Collegio Rosmini. Artista, archeologo e docente, dialoga e interagisce con lo spettacolo teatrale della compagnia parigina Brave Monkey. Ruggieri ne ha disegnato scenografie, maschere e costumi, seguendo la sua personale ricerca che lo porta a prediligere la contaminazione tra discipline estetiche. Una performance estremamente corporea, con incursioni nella danza contemporanea, un’opera visiva di grande impatto e accessibile a tutti. Con sorpresa finale.

Tanti i laboratori con artista aperti al pubblico che raccolgono la sfida di mettere in gioco i partecipanti, dall’idea all’esecuzione. Ale Puro propone A metà: si disegna solo una parte di figura, la rimanente sarà completata da quella colorata da un altro partecipante in un gioco di accostamenti casuali per ottenere i risultati più curiosi e diversi. Gli sticker. Come crearli e dare loro vita con Alena Tkach: realizzare la propria esclusiva e personale collezione di adesivi per comunicare stati d’animo ed emozioni. Davide Bonazzi ci invita a Disegnare le parole. Workshop di illustrazione sulle poesie di Anna Baker. Come il poeta sceglie accuratamente le parole per il suo componimento, così l’illustratore è chiamato allo stesso sforzo di sintesi per comunicare un messaggio nello spazio limitato di una tavola. In Montagna Collage, Elisa Vendramin guida alla costruzione di composizioni montuose sorprendenti partendo da materiale cartaceo di riciclo come vecchie mappe, fotografie, ritagli di giornale, carte regalo. Ilaria Urbinati si apre al mondo del Carnet de voyage, una modalità informale e diaristica di appuntare in modo creativo il paesaggio osservato, i viaggi, la vita quotidiana. Matteo Ufo5 Capobianco costruisce nel suo Laboratorio fantastico per giovani raccontastorie una narrazione e una illustrazione che la rispecchia, attraverso l’aiuto delle sue carte da gioco.
Tutti i laboratori sono gratuiti, è gradita la prenotazione all’indirizzo email museiossola@libero.it o al numero 3478510850.
La Libreria Grossi organizza, sempre al Collegio Rosmini, una mostra mercato dell’editoria legata all’illustrazione.

Paolo Lampugnani, Presidente di Associazione Musei Ossola, commenta: “La seconda edizione del Festival si pone come momento centrale in un anno ricco di eventi. L’abbiamo iniziato con la mostra dedicata ad Attilio Cassinelli, particolarmente gradita al pubblico dei più piccoli, siamo andati avanti con i lavori di Marco Goran Romano e il suo calendario Epson. L’anno si concluderà con la grande personale di Elisa Seitzinger”.

Il Festival si inserisce nel grande progetto Interreg Italia-Svizzera “Di-Se – DiSegnare il territorio”, tre anni all’insegna del disegno e dell’arte che vede coinvolti Associazione Musei d’Ossola, Museumzentrum La Caverna di Naters, Associazione Asilo Bianco. A cura di Chiara Canali e Camilla Mineo, è organizzato in collaborazione con Associazione Culturale Art Company. Si ringrazia per il sostegno Fondazione CRT e il partner tecnico Opificio Arte Stampata.

Anche quest’anno, dal 30 luglio al 28 agosto, il festival si sposta sul territorio a Macugnaga e in Formazza con la mostra itinerante a cielo aperto Passare le Alpi. Gli artisti coinvolti hanno lavorato sul tema del muoversi in montagna, con particolare attenzione a vie di comunicazione, passi, mezzi di trasporto, viaggiatori tra Italia (Val d’Ossola) e Svizzera (Canton Vallese). La mostra arriverà sul lago d’Orta a settembre, e successivamente, in Canton Vallese, in Svizzera.
Infine, tra agosto e settembre, passeggiate in montagna con artista, accompagnati da guide escursionistiche tra i passi e le valli dell’Ossola e del Canton Vallese.

Programma completo della seconda edizione di DISEGNARE IL TERRITORIO – FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE:
ProgrammaFestivalDiSe2

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MOSTRE
Artoteca Di-Se “Il Refettorio”
Collegio Mellerio Rosmini, via Rosmini 24, Domodossola (VB)
Ingresso libero
amossola.it
18 giugno-3 luglio
Inaugurazione | sabato 18 giugno ore 11
Aperture | martedì-venerdì 16-19 | sabato-domenica 10-12 e 15-19
Sabato 25 giugno | apertura straordinaria serale in compagnia degli artisti 21-23
Sabato 2 luglio | apertura straordinaria serale con visita guidata 21-23

Per informazioni e per seguire tutte le attività, gli eventi e le iniziative di Di-Se:
amossola.it | asilobianco.it | artcompanyitalia.com
IG Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco | ArtCompanyita
FB Di-Se | Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco | ArtCompanyItalia

BIO DEGLI ARTISTI OSPITI
ALE PURO
Ale Puro vive e lavora a Vigevano. La sua carriera artistica inizia da adolescente quando si approccia al mondo del writing e della street art. Dopo gli studi all’Accademia di Brera vive in Messico e India, luoghi che sono stati fondamentali per la sua crescita lavorativa. Ritornato in Italia, la sua arte sarà caratterizzata costantemente da personaggi, quasi sempre dalle fattezze fanciullesche, che lo renderanno famoso al pubblico nazionale e internazionale. Nel 2017 viene invitato al Museo a cielo aperto di Camo, dove realizza un’opera permanente; nello stesso anno dipinge un murales di 14 metri di altezza nella città di Vigevano. Nel 2018 un suo murales, In quel fiore ci nascondevo il mondo, entra a far parte del progetto MAUA Museo di Arte Urbana Aumentata di Milano.
Ha collaborato con Poste Italiane per il progetto P.A.I.N.T., realizzando il calendario del 2018 e con Ferrovie dello Stato per la riqualificazione degli spazi urbani. Nel 2019 intraprende un’importante collaborazione per il progetto ‘Frontiere Urbane’ di CreAttivi con il comune di Novara. Ha preso inoltre parte, come illustratore, a tre progetti editoriali, il primo nel 2016, intitolato “Il giardino in tasca”, il secondo nel 2019, scritto e illustrato da lui, intitolato “Mani illustrate” e il terzo ‘‘Grande Come’’ nel 2020 edito da Lavieri Edizioni.

ALENA TKACH
Alena Tkach è un’illustratrice e designer freelance ucraina. Dopo gli studi in Arti Grafiche presso la State Academy of Design and Art di Kharkiv, realizza illustrazioni per libri d’infanzia, giochi da tavolo, giocattoli, app educative e videogiochi ispirandosi al mondo della natura e degli animali. Il suo primo libro illustrato è edito nel 2014, stesso anno nel quale Alena ha ricevuto il premio Cut Out The Darkness, riconoscimento di Panasonic per Behance Japan Tokyo Community. Ha lavorato, tra gli altri, per Facebook, McDonald’s, Janod, Marcobic, Penguin Random House, Fleurus, Yoyo Books, American Greetings, International Academic Alliance.

DAVIDE BONAZZI
Davide Bonazzi nasce nel 1984 a Bologna, città dove vive e lavora. Dopo la maturità classica e una laurea in Lettere moderne all’Università di Bologna si diploma in illustrazione allo IED di Milano e successivamente presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna. Dal 2010 realizza illustrazioni per progetti editoriali, campagne pubblicitarie e istituzionali in tutto il mondo. Fra i suoi clienti figurano The New York Times, The Wall Street Journal, Nike, Gatorade, Roche, Ogilvy, UNESCO, Emergency, Einaudi e molti altri.
Il suo lavoro ha ricevuto riconoscimenti dalla Society of Illustrators di New York, Communication Arts ("Best in Show" award 2022), American Illustration, 3x3 ProShow, Bologna Children’s Book Fair.

ELISA VENDRAMIN
Elisa Vendramin, originaria di Sacile (PN) e residente a Trieste, è un’illustratrice e grafica che collabora con istituzioni e agenzie internazionali. Dopo aver conseguito un Master in Communication Design presso il Central Saint Martins College of Art and Design di Londra, si trasferisce a Reykjavik dove viene selezionata per alcune residenze d’artista, tra cui SÍM International Residency e NES Artist Residency. Tra le ultime mostre a cui ha partecipato: ‘Beyond Form - Solo exhibition’ (Atelier Olschinsky Art Store, Vienna, 2015), ‘Les Rencontres d’Arles’ (Divonne Studio, Arles, 2017), ‘Blu Oltremare - Solo Exhibition’ (Saadabad Gallery, Tehran & Spazio Nour, Milano, 2018).

ILARIA URBINATI
Ilaria Urbinati è un’illustratrice italiana. È nata a Torino dove ha studiato Illustrazione allo IED. Attualmente vive a Bologna. Lavora come freelance da dieci anni, durante i quali ha pubblicato più di quaranta libri, sia in Italia che all’estero, realizzando volumi dedicati sia ai bambini e ai ragazzi sia a un pubblico più adulto, con incursioni nel mondo della graphic novel, dei quotidiani e della pubblicità. Ha lavorato tra gli altri con Disney, McDonald’s, Unilever, Armando Testa, Science Magazine, Barilla, Bao Publishing, Littlebee Books, Dargaud, Gallimard jeunesse, Mondadori, DeAgostini, Fabbri Editore, Il Corriere della Sera, PIEMME, Giunti, Loecher, Pearson, Erickson, Giralangolo, Librì, Il Castoro. Come docente ha collaborato con la Scuola Holden e IAAD dove ha curato personalmente il corso di Progettazione Grafica dell’Immagine dal 2018 al 2021. Da quattro anni illustra ogni Domenica la rubrica delle lettere dei lettori “L’Amore Moderno” per il quotidiano La Stampa. Ha sempre amato “le figure dei libri” e non ha mai viaggiato senza una scatola di acquarelli nello zaino. Ora lavora in digitale, ma le sue illustrazioni rispecchiano ancora le sue antiche passioni, mischiando gesti e sfumature delle tecniche tradizionali, e pennelli e pigmenti sono sempre nello zaino.

MATTEO UFO5 CAPOBIANCO
Matteo Capobianco (aka Ufocinque) nasce a Novara nel 1981. Originariamente attivo nella scena dei graffiti e della Street Art italiana, in seguito sperimenta una definizione più completa di arte parallelamente agli studi di Design al Politecnico di Milano. Dopo aver lavorato come set designer per vari teatri italiani, inizia a creare installazioni artistiche, mixando il metodo del design alla scenografia classica, usando la carta ritagliata a mano come materiale peculiare. Prosegue così la sua ricerca artistica alternando la pratica del disegno al muralismo, le sculture in ceramica alle installazioni in carta o altri materiali.
Recentemente ha interamente creato le scenografie dell’opera teatrale “C’era due volte Gianni Rodari”, serata celebrativa in onore del famoso scrittore omegnese dove ha lavorato a fianco di Neri Marcorè e del violinista Rodrigo D’Erasmo. Inoltre ha disegnato le carte di “Fabula for Kids”, un gioco progettato per stimolare la creatività dei più piccoli attraverso lo storytelling.

Ufficio stampa: Paola Fornara (Di-Se | Asilo Bianco) | 346 3002931 | paola.fornara@gmail.com

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DieHolasek, allieva di Hermann Nitsch, in mostra al Museo Scalvini di Desio

Mentre dalla Biennale di Venezia giunge notizia della morte di Hermann Nitsch, l’artista tra i fondatori dell’Azionismo Viennese, proprio in concomitanza dell’apertura della sua 20. Malaktion alle Oficine 800 della Giudecca, al Museo Giuseppe Scalvini di Desio (MB) inaugura la prima mostra in Italia di una sua allieva, Petra Holasek.

Curata da Cristiano Plicato, Direttore del Museo e Angelina Liakova, gallerista della Gallery ArtWizard di Sofia, la personale si intitola Pensieri dell’Etere. L’anima del mondo si sta formando si colloca nel contesto di un percorso di ricerca che ha come tappe fondamentali la trasformazione, la creazione e la rinascita.

Su invito del Museo Giuseppe Scalvini, l’artista nata a Graz presenta circa una trentina di dipinti e installazioni di diversi formati suddivisi per varie fasi pittoriche nelle quattro sale del Museo.

Nella prima sala si trova l’opera Federmeer (Mare di piume). Le piume bianche sono un mezzo espressivo molto amato dall’artista in quanto rappresentano per lei “purezza e calore e, a dispetto della loro leggerezza, hanno un’enorme presenza”. La piuma, come simbolo di leggerezza, affonda le sue radici in numerose culture antiche. Per i celti, i romani e gli egiziani, rappresenta l’incarnazione della fugacità e della volatilità dell’anima. Tuttavia, la piuma è anche simbolo di coraggio, potenza e forza.

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La seconda sala è dedicata alla fase in cui è influenzata dalla poetica di Hermann Nitsch (2005 – 2013). Qui si possono ammirare, tra gli altri, Tor zu einer anderen Welt (Porta verso un altro mondo) (2010), un’opera realizzata nel periodo trascorso a contatto con il suo mentore (2018 – 2022). In quanto allieva di Nitsch, dieHolasek è affascinata dal sangue e anzi compie un passo ulteriore: sperimenta con il suo stesso sangue. Il sangue scorre da una piccola ferita sull’unghia del pollice e l’artista utilizza il suo dito come pennello per dipingere la tela. Il flusso del sangue viene continuamente stimolato dall’atto stesso del dipingere, continuando a rinnovare la ferita del dito.

Nella terza sala sono collocate le opere della fase figurativa (2016 – 2022) e nella quarta le opere con motivi floreali, create in un periodo di 17 anni.

La pittura di Petra Holasek si inserisce nel solco della tradizione della pittura astratta e informale, dell’Action Painting e della Jungen Wilden.
Come ricorda lo storico dell’arte Hartwig Knck, l’artista, che vive tra Vienna e Graz e deve la sua formazione artistica a grandi nomi come il già ricordato Hermann Nitsch, Alois Mosbacher, Giselbert Hoke, Ona B e Tone Fink, è riuscita a sviluppare uno stile personale all’interno del filone dell’espressionismo astratto. Nel suo caso, le sperimentazioni cromatiche conducono a un linguaggio del tutto peculiare.

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DieHolasek dà vita ad un’opera coerente dal punto di vista formale e contenutistico, caratterizzata da emozione, humour e spontaneità, che si snoda tra astrazione, narrazione nascosta e puntuale oggettività. Il suo lavoro è complesso e frutto di lunghi processi. I suoi dipinti, realizzati solitamente con colori pastosi, sono raramente frutto di calcoli, bensì il gesto pittorico e il messaggio espressivo sono il risultato diretto del processo creativo.

Il suo linguaggio visivo è caratterizzato da colori eterogenei e dirompenti, che talvolta si combinano dialetticamente con integrazioni scritte o battute di spirito.
I suoi dipinti sono inoltre contraddistinti da strati di colore sovrapposti, che creano combinazioni multiformi e spostano lo sguardo dalla superficie alla profondità dello spazio pittorico. Con spatola, pennelli o direttamente con le dita, attingendo i colori acrilici puri a mani nude, l’artista dà forma a strutture visive in cui possono immergersi gli osservatori.

DieHolasek. Pensieri dell’Etere
A cura di Cristiano Plicato e Angelina Liakova

Presentazione critica di Chiara Canali

Inaugurazione Sabato, 23 aprile 2022, 17:30
Dal 23 aprile al 15 maggio 2022
Orari di apertura
gio, ven, sab, dom
10:30 – 12:30 / 15:30 – 18:30
Ingresso libero con Green Pass

Museo Giuseppe Scalvini
Villa Cusani Tittoni Traversi
Via Lampugnani, 66 Desio (MB) / Milano
Cristiano Plicato cristiano.plicato@libero.it

Gallery ArtWizard
Angelina Liakova aliakova@artwizard.eu

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Digitale VR project

Natural Born Dreamers per la seconda edizione di Trento Art Festival

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Art Company è lieta di partecipare alla seconda edizione di Trento Art Festival, il primo Festival d’arte contemporanea in Italia nativo digitale, in programma dal 2 al 6 marzo 2022.

Per questa edizione verrà presentato il progetto collettivo NATURAL BORN DREAMERS, a cura di Chiara Canali, realizzato in collaborazione con l’associazione Sm-art.org, che riunisce le opere di cinque artisti che lavorano con le arti digitali: Desiderio, Arianna Bonucci, Loopo, Marcondiro, Aldo Salucci.

La mostra sarà ospitata all’interno di uno spazio espositivo virtuale e sarà visibile sulla piattaforma www.kunstmatrix.com (fino all’8 aprile 2022).

Il titolo del progetto espositivo Natural Born Dreamers riprende quello del film Assassini nati – Natural Born Killers diretto da Oliver Stone nel 1994. La sceneggiatura originaria del film venne scritta da Quentin Tarantino, ma venne modificata radicalmente da Oliver Stone, che preferì incentrare l’oggetto del film sul rapporto tra i media e la violenza, che si alimentano vicendevolmente secondo un meccanismo perverso.

Questa mostra, invece, sottolinea la vocazione innata, da sognatori e visionari, di un gruppo di artisti che ha scelto di lavorare principalmente con il medium esclusivo del digitale, realizzando opere attraverso tecniche diverse: dalla pittura digitale alla fotografia rielaborata in post-produzione, dall’animazione 3D al Gif.

L’immaginario degli artisti Natural Born Dreamers è onirico, visionario o surreale ed esplora temi retrò, futuristici oppure fantascientifici, distopici e post-atomici.
La tavolozza cromatica dei lavori tende all’utilizzo di colori freddi e acidi, dal rosa al viola, dall’azzurro al verde petrolio, rafforzando un’estetica radicata nella tecno-nostalgia.

Queste opere, veicolate spesso come NFT (Non fungible token) su piattaforme della Blockchain, stanno effettivamente contribuendo a modificare la cultura artistica e visiva della nostra epoca.

Biografie artisti
Desiderio (Sanzi)
Desiderio Sanzi è nato nel 1978 a Milano. Vive e lavora in provincia di Terni.
Vincitore del Premio Italian Factory 2008 e finalista in diversi premi tra cui Premio Cairo 2012, SESIFF The 3rd Seoul International Extreme-Short Image & Film Festival (KOREA), AZYL film festival One World One Minute (Slovakia, Czech Republic, Hungary) e altri.
Per molti anni viaggia tra l’Italia e Cuba e partecipa alla 54° Biennale di Venezia (2011) nel Padiglione Cuba e due edizioni della Biennale dell’Avana (2012; 2015) e alla 4° Bienal del Fin del Mundo a Valparaiso (Cile) nel 2015. Ha realizzato mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Berlino, Hubei Museum Cina, Hitabashi Art Museum, Tokyo, ecc) e nel 2009 ha partecipato alla mostra collettiva Apocalipse Wow! presso il Macro Future di Roma. Il suo lavoro interdisciplinare si contamina di molteplici linguaggi, l’interazione performativa e un particolare interesse per il video e la regia, tanto che è stato definito “un regista che dipinge”. Nel 2017 chiude il ciclo Beauty Hazard prima al Museo CAOS (Terni) e lo stesso anno alla Fabbrica del Vapore di Milano, in collaborazione con il Comune di Milano, con la mostra Nirvana, a cura di Chiara Canali. Nel 2019 realizza Malebolge all’interno dell’ex chiesa San Michele Arcangelo ad Amelia, progetto dedicato all’Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri che anticipa il 700°anniversario della sua morte (1321 – 2021). Nel 2021 partecipa alla mostra A riveder le stelle presso i Musei Civici Eremitani di Padova, in collaborazione con la Collezione The Bank Contemporary Art Collection.
Le sue opere NFT sono disponibili sulle piattaforme Foundation e Tokenance Art.

Arianna Bonucci
Nata a Siena in Toscana nel 1996, diplomata all’Istituto Europeo di Design (IED) nel 2019 in fotografia e comunicazione.
Professionista nel settore della fotografia di moda, advertising, food e beauty. Creatrice di contenuti con un approccio eclettico, unendo la cultura visiva alle competenze artigianali per proporre immagini dove non c’è confine tra arte e commerciale.
Tra le esibizioni collettive, nel 2017 “La Luna è una lampadina”, La Triennale Milano; nel 2019 “Ex Voto / per arte ricevuta”, GRANDART, Milano e Firenze.
Attualmente rappresentata da Tokenance Art per la sfera degli NFT.

Loopo
Alessandro Brunello, in arte LOOPO, è un artista digitale italiano con sede a Milano.
Ha studiato come designer e ha lavorato per molti anni nel campo espositivo, tenendo sempre aperta la porta alla sperimentazione di software 3D per fare arte digitale. Durante il blocco della pandemia, Loopo ha esplorato questa passione e scopre i social media e il Metaverso. Così inizia a creare i suoi infiniti ambienti che non sono solo esercizi estetici ma anche un inizio per pensare ai nostri stereotipi e guardare oltre. Il suo Metaverso è un mondo infinito e sognante che evoca relax, piacere e soddisfazione.
Ha partecipato alle seguenti mostre: nel 2021 Aldilà. Beyond the obvious Hyperaesthesia Onerica International Contemporary Art exhibition, a Milano e Fuerteventura; nel 2022 Artscloud, Art in the Metaverse, Republic of Korea e Cryptic Art, Crypto Art Show, Milano.
Le sue opere NFT sono disponibili sulla piattaforma Foundation.

Marcondiro
MARCONDIRO è un progetto musicale ideato e prodotto nel 2009 da Marco Borrelli, dopo diverse esperienze discografiche come produttore (“Sottovoce”dei Konsentia, 2001 CNI) e musicista in numerose band e spettacoli musicali itineranti (RadioConcerto, un tributo alla Storia della Radio in Italia, presentato in Italia e all’Estero). Nelle intenzioni del suo fondatore, il progetto Marcondiro unisce la tradizione cantautorale italiana, alle sonorità folk e rock della storia musicale nazionale. Una vocazione che nasce dagli ascolti e dalle ispirazioni dell’infanzia di Marco, durante la quale gli strumenti erano i giocattoli delle sue giornate e le melodie erano parte dei suoi giochi da bambino.
Sono sperimentatori dell’arte popolare colta e con il loro ultimo progetto musicale DATA accompagneranno gli spettatori in un viaggio dove l’arte non appartiene più a chi la crea, ma viene data in pasto al popolo, quello di internet. E proprio con questo spirito, i MARCONDIRO sono stati la prima band in Italia ad aver pubblicato un videoclip di un progetto musicale in NFT.
Nel 2021 hanno vinto il Primo Premio “Vertical Song” al VERTICAL MOVIE 2021
per il VideoClip “Captcha Cha” dei MARCONDIRO, regia di Marco Borrelli.
I MARCONDIRO hanno ricevuto il Primo Premio “Vertical Song” con la canzone “CAPTCHA CHA” al prestigioso Festival Internazionale VERTICAL MOVIE 2021 che si è svolto Sabato 17 Settembre presso la Casa del Cinema di Roma.

Aldo Salucci
Aldo Salucci, nato a Roma, vive e lavora a Milano.
Dopo studi specialistici in Farmacia intraprende l’attività artistica. Ai primi esperimenti pittorici si sostituisce presto un interesse esclusivo nei confronti della fotografia. I fondali marini sono il primo soggetto della sua ricerca fotografica.
Il successivo ciclo Distopia, tuttora in progress, si concentra invece sul rapporto tra la preservazione della bellezza e l’azione spesso distruttiva dell’uomo. Monumenti celebri appaiono così sommersi dalle acque, generando visioni apocalittiche ma non prive della speranza di una rinascita.
Il suo curriculum comprende mostre personali in gallerie private e spazi istituzionali, tra cui: nel 2022 solo show ad Investec Cape Town Fair, South Africa; nel 2021 e nel 2019 solo show presso MIA Photo Fair, Milano; nel 2018 Distopia, Galleria Statuto 13, Milano; sempre nel 2018 Underworld, The Iranian Artist Forum, Teheran, Iran; nel 2017 Mud, Galleria Statuto 13, Milano; nel 2016 Room mate, Hotel Giulia, Milano.

Biografie organizzatori
Art Company
Art Company, associazione culturale nata a Milano nel 2007, si occupa della ideazione, realizzazione e organizzazione di eventi artistici ed espositivi sul territorio nazionale e internazionale.
Obiettivi sono la promozione e lo sviluppo di iniziative culturali attraverso la valorizzazione del lavoro di artisti contemporanei: dall’organizzazione di mostre personali e collettive, alla creazione di eventi e progetti speciali loro dedicati, alla pubblicazione di monografie, cataloghi, libri d’arte.
A partire dai linguaggi tradizionali – dalla pittura alla scultura – Art Company si è direzionata ai nuovi media e alle nuove tecniche dell’arte, con particolare enfasi sulla Fotografia, sui New Media e sulle nuove Tecnologie Digitali. Focus principale è quello di coinvolgere e sensibilizzare il pubblico con una riflessione sfaccettata sulle problematiche e le “emergenze” della nostra realtà contemporanea attraverso la multimedialità e la multidisciplinarità dei linguaggi dell’arte contemporanea.
www.artcompanyitalia.com

Sm-Art.org
SM-ART.ORG è un’associazione che nasce per generare un impatto sul mondo della Blockchain e degli NFT attraverso un approccio ragionato, tecnologico, artistico e culturale. L’associazione sta creando una Community in cui artisti, galleristi, collezionisti e amanti delle nuove tecnologie possono trovare terreno fertile per scambi di valore e per sviluppare nuovi scenari e opportunità.
Grande attenzione è attualmente posta al paradigma blockchain e alle sue applicazioni; tra le più famose, al momento, possiamo annoverare quella legata agli NFT (Non-Fungible-Token), un mondo ricco di opportunità ma in gran parte inesplorato e con molti temi da approfondire.
https://www.sm-art.org/

NATURAL BORN DREAMERS
a cura di Chiara Canali

DESIDERIO | ARIANNA BONUCCI | LOOPO | MARCONDIRO | ALDO SALUCCI

TRENTO ART FESTIVAL
2 | 6 marzo 2022

On view on:
www.kunstmatrix.com
Info:
Art Company
http://www.artcompanyitalia.com
artcompanyitalia@gmail.com

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Festival Illustrazione

DI-SE Disegnare il territorio. Prima edizione del Festival dell’illustrazione di Domodossola

DISEGNARE IL TERRITORIO
FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE
Prima edizione

Domodossola, 24 luglio-1 agosto 2021

Un’occasione unica per conoscere da vicino il mondo dell’illustrazione e per vedere all’opera alcuni professionisti dell’immagine, ognuno con il proprio tratto e stile unici. Uno spaccato su un mondo creativo incredibile che negli ultimi anni sta facendo sempre più parlare di sé.

La prima edizione di Disegnare il territorio – Festival dell’illustrazione, in programma a Domodossola dal 24 luglio al 1 agosto, vuole essere una grande festa dedicata al disegno e all’arte. Una settimana di incontri, mostre, laboratori, workshop, talk, performance, street sketch e disegni dal vivo, ma anche di momenti più conviviali come aperitivi e cene con l’autore, accompagnati da alcuni degli illustratori più interessanti del panorama nazionale, conosciuti, apprezzati e premiati anche a livello internazionale. Una settimana di iniziative che ha come centro la città di Domodossola, in Piemonte e la Val d’Ossola nel suo complesso.

I sei artisti coinvolti in questa prima edizione sono Massimo Caccia, Cecilia Campironi, Gianluca Folì, Il Borse, Giulia Neri, SeaCreative. Gli illustratori saranno presenti durante le giornate di festival all’interno di un programma davvero ricchissimo che ha come tema di partenza quello delle fortificazioni alpine. La brochure completa può essere scaricata a questo link: https://bit.ly/programmafestivaldise

Da una parte mostre, tutte visitabili gratuitamente nelle sale di Artoteca Di-Se, il nuovo spazio nato all’interno del Collegio Rosmini di Domodossola e lanciato ad aprile di quest’anno per promuovere il prestito domestico di opere d’arte originali, dall’altra incontri e laboratori.

Ogni autore presenta una selezione di una ventina di opere, tra stampe e tavole originali: ci sono le “Storie di animali” di Massimo Caccia, collaboratore del Corriere della Sera per cui realizza le illustrazioni del supplemento laLettura, artista poliedrico e curioso che mette in scena uno spaesato mondo animale colto all’interno di improbabili situazioni di vita quotidiana. In “A mano a mano”, Cecilia Campironi,da sempre ispirata da ciò che la circonda, ama collezionare illustrazioni a tema, declinare visivamente concetti e giocare con il rapporto tra immagine e parola, ironizzando sul significato letterale o stravolgendone il senso.I particolareggiati disegni de Il Borse, dal meticoloso e fitto tratto a matita e penna, rappresentano per “In die illa tremenda” città volanti, immaginarie e fantastiche, trattenute da fili invisibili, che richiamano le storie delle città galleggianti di Jules Verne. E ancora Giulia Neri che con “Le abilità emotive” crea immagini che sono delle vere e proprie metafore visive, intime, poetiche, dai colori tenui e dai simboli ricorrenti: case, libri, nuvole. Infine SeaCreative,street artist che da sempre trova nelle sue opere un modo per riqualificare spazi e luoghi, con “Arabeschi fitomorfi” rappresenta un microcosmo di personaggi i cui volti, dalle espressioni stupite, assenti e attonite, ci rimandano a un universo fantastico e visionario.

Ma anche “Passaggio in Ossola. Appunti di viaggio su carta di Gianluca Folì”, un’esclusiva per il festival, un vero e proprio diario di viaggio che mette su carta le impressioni dell’artista nel corso del suo soggiorno ossolano.Folì torna in mostra anche nella serra della Casa del Profumo di Santa Maria Maggiore (VB), in Valle Vigezzo, con le 12 tavole del calendario Epson 2021, “Colorseeker. L’origine dei colori”, a partire dal 23 lugliofino alla fine di agosto, in collaborazione con Fondazione Scuola di Belle Arti Rossetti Valentini.

I laboratori (alcuni per tutti, altri pensati in particolare per i bambini) saranno quelli di Cecilia Campironi che in Segno dopo segno guiderà i partecipanti in un racconto del territorio attraverso l’uso sperimentale di forme e segni; Giulia Neri in Disegnare una copertina spiegherà come nasce “la faccia” di un libro, dall’idea alla realizzazione; SeaCreative in Gli spiriti della montagna creerà mostri ispirati al mondo alpino con rulli e pennelli e, ancora, Massimo Caccia con Gruppo di animali in un esterno giocherà con animali, oggetti e colori in una sessione di live painting. Anche i laboratori sono gratuiti ma è richiesta la prenotazione all’indirizzo email museiossola@libero.it o al numero 3478510850. Lo stesso è richiesto per le cene con gli artisti (a pagamento), tenute in diversi ristoranti della città.

Durante le giornate di festival sarà possibile trovare il portfolio “Castelli del feudo borromaico”, cinque tavole (più una) in tiratura limitata di 50 copie con firma originale degli artisti ospiti che hanno illustrato, ognuno a modo suo, i castelli di Arona, Angera, Cannero e Vogogna. Si tratta di un cofanetto creato in esclusiva per questa prima edizione e realizzato da Opificio Arte Stampata su carta certificata Hahnemühle. Ancora, Opificio Arte Stampata sarà presente con una postazione di stampa on demand delle opere esposte e ci sarà anche una mostra mercato di libri legati al tema dell’illustrazione e del disegno a cura di Libreria Grossi di Domodossola.

Così Paolo Lampugnani, Presidente di Associazione Musei Ossola: “Il festival nasce sull’onda del ritrovato interesse nei confronti dell’illustrazione, una spinta che è il motore di tutto il progetto Di-Se. Quello del disegno è un linguaggio che arriva e colpisce in modo diretto le persone e che interessa un po’ tutti, anche i più giovani. Ce lo dimostrano le felici esperienze della collettiva “Herbarium vagans” e della personale “Ostinato sguardo” di Gianluca Folì. Il festival va in questa direzione: avvicinare il pubblico all’illustrazione e ai grandi illustratori del panorama nazionale, uno sforzo e una sfida che parte da questa prima edizione e che vuole proseguire oltre i tre anni del progetto Interreg all’interno del quale è nato. Crediamo fermamente di essere sulla buona strada”.

Il Festival dell’illustrazione è organizzato in collaborazione con Associazione Culturale Art Company e si inserisce nel grande progetto Interreg Italia-Svizzera “Di-Se – DiSegnare il territorio”, tre anni all’insegna del disegno e dell’arte che vede coinvolti Associazione Musei d’Ossola, Museumzentrum La Caverna di Naters e Associazione Asilo Bianco.

Dal 1 al 29 agosto il festival si sposta sul territorio con la mostra itinerante open air “Difendersi dall’alto”, una grande collettiva a cielo aperto che porta avanti il lavoro iniziato nell’estate 2020 con “Herbarium vagans”. Quest’anno gli artisti sono stati invitati a lavorare su castelli, fortificazioni e strutture difensive presenti in Ossola, Cusio e Canton Vallese. La sezione che comprende 27 artisti e illustratori contemporanei è allestita nel centro storico di Vogogna, mentre nella Torre di Battiggio di Vanzone con San Carlo e nelle vie di Ceppo Morelli sono in mostra le riproduzioni delle opere realizzate negli anni ’50 dal padre rosminiano Luigi Arioli, grande studioso di fortificazioni locali.

Espongono le loro opere: ATEZ, Enzo Bersezio, BR1, Vittorio Bustaffa, Riccardo Corciolani, Sylvie Durouvenoz, Lisa Gelli, Riccardo Guasco, Marco Latagliata, Lufo, Marina Marcolin, Antonio Marinoni, Virginia Mori, Erjon Nazeraj, Andrea Oberosler, Mikayel Ohanjanyan, Eleonora Perretta, Carlo Più, Alannah Robins, Antonello Ruggieri, Rustlehare, Lucio Schiavon, Flavia Sorrentino, Karl Walden, Secil Yaylali, Metin Yergin, Loic Zanfagna. La mostra arriverà sul lago d’Orta a partire dall’11 settembre, e successivamente, in Canton Vallese in Svizzera.

Il programma completo della prima edizione di DISEGNARE IL TERRITORIO – FESTIVAL DELL’ILLUSTRAZIONE può essere scaricato qui:

https://bit.ly/programmafestivaldise

MOSTRE

Artoteca Di-Se, sala “Il Refettorio” | Collegio Mellerio Rosmini, via Rosmini 24, Domodossola (VB)

Orari | martedì-venerdì 16-19 | sabato-domenica 10-12 e 15-19

Ingresso libero


Per informazioni e per seguire tutte le attività, gli eventi e le iniziative di Di-Se:

www.amossola.it | www.asilobianco.it | www.artotecadise.it
IG Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco
FB Di-Se | Associazione Musei d’Ossola | Asilo Bianco

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Limited Edition Pittura

POP AQUARIUM di Luca Bertasso apre all’Acquario Civico di Milano

POP AQUARIUM
Luca Bertasso

Acquario Civico di Milano
Viale G. Gadio 2, Milano

Dal 4 giugno al 4 luglio 2021
Da martedì a domenica, ore 10 – 17.30 (ultimo ingresso ore 17, chiusura biglietteria ore 16.30)
Informazioni modalità d’accesso http://www.acquariodimilano.it
Biglietti acquistabili su: http://www.museicivicimilano.vivaticket.it

All’Acquario Civico di Milano apre il progetto espositivo dell’artista Luca Bertasso, intitolato Pop Aquarium, a cura di Chiara Canali e Antonella Mazza, organizzato da Art Company.
La mostra, promossa da Comune di Milano – Cultura e Acquario Civico, presenta una serie inedita di 100 tempere su carta dedicate al tema dell’acquario e allestite all’Acquario Civico di Milano, splendido edificio liberty situato all’entrata di Parco Sempione, tra il Castello Sforzesco e l’Arena, terzo Acquario più antico d’Europa.

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Gli “Acquari”, realizzati a partire dal 2012, costituiscono un vero e proprio repertorio visivo enciclopedico, che parte dalla lettera A e arriva alla Z per ricominciare dal numero 1 ed arrivare attualmente al 60. Pur essendo densi di numerosi riferimenti letterari e storici, dai fregi dell’antica Mesopotamia ai bestiari della letteratura medievale, dalle decorazioni scultoree di mostri scolpiti nelle cattedrali alle ibridazioni fantastiche dei fumetti, gli “Acquari” ci parlano del nostro presente, denunciano la nostra frenetica condizione, la profonda crisi di valori cui assistiamo indifferenti.

Luca Bertasso è un pittore che fonde il classico col contemporaneo, un moderno amanuense, immerso nello sfrenato consumismo di questi nostri tempi.
Gli “Acquari” di Luca Bertasso sono schermi di TV Pop che mettono in onda mondi fantastici popolati da pesci antropomorfi su fondi blu mare. Variopinti e grotteschi caleidoscopi, magici giochi alchemici, compilazioni enciclopediche barocche dipinte con maestria e coraggiosi accostamenti di colore. Uno stile bizantino, per la grande precisione formale, fondata sull’uso di ripetute stesure di colore e meticolose dorature e argentature dei contorni.

Un universo liquido, scandito da atmosfere noir o surreali, brulicante di creature ibride, con sembianze greche ed egiziane, che ricordano le fantasie fiamminghe di Hieronymus Bosch e gli incubi innocui di Heinrich Füssli, e che dichiarano il loro debito con gli studi di Jurgis Baltrušaitis e con le fantasie di Jorge Luis Borges.

La dichiarazione best before o expiry date, ci ricorda che tutto è vacuità e dimostra quanto sia necessaria e urgente una presa di coscienza sul modo in cui operiamo nel nostro ambiente di vita e nella nostra folle corsa metropolitana quotidiana.
Pesci surreali con tratti molto umani, stracarichi di elementi e di particolari, in un horror vacui che riflette i meccanismi di accumulo e straniamento della nostra società contemporanea e ci suggerisce profonde riflessioni sull’arte del vivere.

Così dichiara Chiara Canali nel suo testo critico: “Come Warhol, con la sua ottica fredda e distaccata, assume il modulo non solo a livello compositivo ma anche antropologico, così Bertasso utilizza l’elemento del modulo e lo rende un elemento multiplo e infinito, per descrivere una variegata fauna antropomorfa dove l’individuo si trasforma in uomo-massa, in uomo moltiplicato, intrappolato dal sistema produttivo all’interno di una condizione ormai stereotipata”.

Continua Antonella Mazza: “Gli Acquari sono radiografie della nostra interiorità, della nostra mente, della nostra anima, con tutti i vari personaggi che la popolano. Ed anche foto istantanee della nostra quotidianità, che denunciano il nostro vivere sfrenato e ci portano a riflettere sul futuro del nostro pianeta. L’allestimento con gli Acquari sottovuoto vuole lanciare un messaggio di difesa dell’ambiente e denunciare l’uso indiscriminato della plastica: lasciamola all’arte e togliamola dalla Natura.”

Energie rinnovabili e riduzione delle emissioni sono temi che condividiamo con passione con Fondazione SOS Planet di Amedeo Clavarino, impegnata al risveglio delle coscienze sulla necessità di diventare net CO2 neutrali entro il 2030 per salvare l’umanità dal surriscaldamento climatico.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo edito da EMMEGI Contemporary, con prefazione di Filippo Del Corno, assessore alla cultura, Domenico Piraina, direttore dei musei scientifici di Milano e testi critici di Chiara Canali e Antonella Mazza.

Tutti i dettagli sul programma, le informazioni, i giorni e gli orari di apertura e le modalità d’accesso per i visitatori sono pubblicati sul sito web istituzionale: http://www.acquariodimilano.it

BIOGRAFIA
Luca Bertasso è nato a Torino nel 1968. Trasferitosi a Milano studia prima al Liceo Classico e poi all’Accademia di Belle Arti di Brera.
Ha esordito giovanissimo a Milano nel 1989 con una Personale presso la prestigiosa Compagnia del Disegno (Galleria dove terrà altre tre Personali con relativi cataloghi nel 1993, 2005 e 2010) presentato in catalogo da Giovanni Testori e Chiara Canali.
Nel 1995 vince il concorso che gli consente di realizzare un’importante personale con monogra-fia presso il Musée Municipal de Saint Paul de Vence. In seguito prende parte a diverse esposi-zioni personali e collettive e si trasferisce a New York. Dove, a fine anni Novanta, nasce l’idea dell’opera con data di scadenza a vista (“Expiry date” o “Best before” e successivamente una data collocata in un futuro del tutto casuale) come spiega anche Marco Meneguzzo in un brillan-te articolo pubblicato nel 2002 su “Abitare”. Idea che il pittore continua a portare avanti come personale e inossidabile “marchio di fabbrica”.
Finalista del Premio Celeste 2005, tra le numerose mostre personali si ricordano: Metrosexual, 2007, con introduzione in catalogo di Marco Meneguzzo presso la Galleria delle Battaglie di Bre-scia, Full Optional, 2008, nella Galleria milanese Bianca Maria Rizzi con prefazione in catalogo di Stefano Castelli e nel 2012, con catalogo a cura di Mauro Corradini, L’Acquario e gli archetipi di Luca Bertasso, presso la Galleria bresciana I Monaci sotto le stelle Arte Contemporanea.
Tra le numerosissime mostre collettive: nel 1997 presso la Casa dei Carraresi di Treviso Ritratti a Testori con catalogo a cura di Marco Goldin, nel 2008 al Liu Haisu Art Museum di Shanghai Masters of Brera con ampio catalogo a cura di Rolando Bellini, in collaborazione con la Galleria Bianca Maria Rizzi di Milano, le due collettive Senza mani! (2001) e Christmas Rodeo (2010) presso Antonio Colombo Arte Contemporanea di Milano. Nel 2012, infine Artquake – l’Arte della solidarietà, mostra collettiva a scopo benefico svoltasi a Reggio Emilia in favore delle popolazio-ni terremotate.
Artista ormai riconosciuto e affermato sulla scena artistica italiana, viene considerato come una delle promesse dell’ultima generazione di pittori usciti negli anni Novanta. Colto, raffinato ed elegante, ma schivo e lontano dai clamori dei vernissage, lavora con coerenza nel suo studio per produrre complesse serie di lavori che utilizzano un linguaggio Pop riconoscibile per caratteri tecnici e tematici, dai colori acidi alle stesure uniformi, dalle relazioni cromatiche a contrasto ai profili netti, fino alla disseminazione di elementi numerici e di forme poetiche ibride.
I suoi soggetti sono delineati con pochi tratti decisi ed essenziali, con campiture accese e bidi-mensionali, secondo un predominante utilizzo del colore molto caratteristico del suo lavoro. Il disegno delle silhouette si affida a una linea di contorno importante, che ha origine formale nelle trame di Fernand Leger, portata ai suoi massimi risultati espressivi da Keith Haring e declinata qui in maniera molto originale grazie all’intervento, oltre al nero, di tinte squillanti, che diventa-no il profilo portante dell’opera.
Nella ricerca artistica di Luca Bertasso sono riscontrabili due linee espressive: da un lato la tipiz-zazione del soggetto, secondo i canoni espressamente Pop, dall’altra il gioco surreale magrittia-no della sovrapposizione di diversi elementi, scritte, oggetti, numeri. Personaggi totalmente re-inventati, connotati dall’apparire di strani e sorprendenti elementi, dove l’umano si coniuga all’animale e l’inanimato assume aspetto antropomorfo in una continua metamorfosi surreale di forme e fisionomie, come nella serie “Acquari” che l’artista ha realizzato dal 2009 ad oggi.
Hanno scritto su di lui, tra gli altri:
Emilio Tadini, Flavio Arensi, Marco Meneguzzo, Mimmo Di Marzio, Gianluca Marziani, Chiara Ca-nali, Francesca Baboni, Viviana Siviero, Alessandro Riva, Simona, Bartolena, Marina Mojana.
Vive tra Milano e New York.

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Coordinate mostra:
Titolo POP AQUARIUM
Artista LUCA BERTASSO
a cura di Chiara Canali e Antonella Mazza
Sede Acquario Civico di Milano – Viale G. Gadio 2, Milano – M2 Lanza
tel 02 88 46 57 50
Apertura dal 4 giugno al 4 luglio 2021

Biglietti d’ingresso 5.00 euro intero, 3.00 euro ridotto, la visita alla mostra è compresa nel biglietto d’ingresso all’Acquario.
Orari martedì – domenica ore 10 – 17.30 (ultimo ingresso ore 17, con bigliet-to). Chiusura biglietteria ore 16:30. Lunedì chiuso

La prenotazione non è obbligatoria, ma fortemente consigliata per evi-tare attese. A causa dei limiti di capienza e del maggiore afflusso, il sabato, la domenica e nei giorni festivi, l’ingresso ai visitatori non preno-tati non può essere garantito.

Informazioni Acquario giorni e orari di apertura, modalità d’accesso
http://www.acquariodimilano.ithttp://www.instagram.com/acquariocivico.milano/

Prenotazione gratuita e biglietti acquistabili su:
http://www.museicivicimilano.vivaticket.it

Informazioni mostra:
Art Company
http://www.artcompanyitalia.com
artcompanyitalia@gmail.com

Ufficio Stampa – IBC Irma Bianchi Communication
tel. +39 02 8940 4694 – mob. +39 334 3015713
http://www.irmabianchi.itinfo@irmabianchi.it

Ufficio stampa Comune di Milano
Elena Conenna
elenamaria.conenna@comune.milano.it

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Festival VR project

Parma 360 Festival goes virtual

Nella città eletta Capitale italiana della Cultura 2021, ha preso il via la quinta edizione di PARMA 360 Festival della creatività contemporanea, a cura di Chiara Canali e Camilla Mineo, evento dedicato alle massime espressioni delle arti visive contemporanee e alla creatività giovanile.

Il ricco programma di mostre e progetti espositivi è ora fruibile anche online sulla puattaforma Lieu.City, il primo social network VR per eventi d’arte online, che permette di visitare ambienti espositivi in realtà virtuale, senza il bisogno di app o complesse tecnologie.

Tra i progetti di questa edizione del festival, le mostre MAPPING THE STARS di Vincenzo Marsiglia, realizzata in collaborazione con Arteam Cup e con la mediapartnership di Espoarte e LIGHT AND SHADOW di David Cesaria, realizzata in collaborazione con Galleria Area/B di Milano.

Screenshot Marsiglia

La texture stellata, tipica delle opere di Vincenzo Marsiglia, è presente nello spazio virtuale di Lieu.City attraverso l’installazione Wrap #5, una struttura geometrica costituita da nastri in tessuto acrilico illuminati a luce di wood per far esaltarne il colore fluorescente e l’immersione in un ambiente dal riverbero cangiante e dall’atmosfera color blu. La trama luminosa dei fili avvolge l’interlocutore in un reticolo fluorescente, il cui disegno parte dall’essenza della ricerca stilistica che l’artista segue da anni: il segno della stella a quattro punte. Il progetto virtuale è reso possibile grazie alla collaborazione con Xonne Solutions di Parma.

Screenshot Cesaria

A metà strada tra la tradizione del Salento e le atmosfere di Las Vegas, le luminarie per la mostra LIGHT AND SHADOW di David Cesaria approdano a un immaginario fatto di gesti scaramantici, superstizioni popolari e ossessioni contemporanee. In particolare la recente produzione dell’artista ha stigmatizzato con colori sgargianti e atmosfere chiassose le fragilità e le paure generate dal clima di incertezza e sfiducia dovuto all’emergere della pandemia Covid-19.

Screenshot Mezzadri

EXTERNAL LANDSCAPE dell’artista e fotografo Matteo Mezzadri è un progetto realizzato in Islanda nel 2010 durante un viaggio in cui l’artista ha circumnavigato l’intera isola in senso orario. L’obiettivo dell’artista si sofferma sulla pelle esterna del paesaggio, apre l’obiettivo sulle lande sconfinate dell’Islanda o ne cattura dettagli più ravvicinati, restituendone complessivamente una visione d’insieme nella proiezione a due canali che associa le immagini a campo largo alle texture che caratterizzano quell’ecosistema ambientale (roccia, terra, lava, erba e mare).

Screenshot Dinamica

DINAMICA 8 illustratori 8 dinamiche creative è uno spaccato dell’illustrazione italiana contemporanea, è una mostra collettiva che presenta otto tra i migliori e più affermati illustratori italiani a cura del giovane brand torinese Illustation: Davide Bonazzi, Francesco Bongiorni, Federica Bordoni, Fernando Cobelo, Camilla Falsini, Chiara Ghigliazza, Giordano Poloni e Shut Up Claudia.
Ognuno degli otto autori presenta una collezione di dieci tavole, riprodotte in diversi formati, sintesi del loro percorso artistico, cercando di declinare attraverso il loro universo creativo il concetto di “dinamismo” attraverso illustrazioni concettuali, paesaggi, forme geometriche essenziali, bianco e nero.

Screenshot PARMA 360 virtual

PARMA 360 FESTIVAL DELLA CREATIVITÀ CONTEMPORANEA
PARMA 360 Festival della creatività contemporanea è il festival dedicato alla creatività contemporanea italiana e alla scena artistica emergente. Nella città eletta Capitale italiana della Cultura per il 2020, festeggia cinque anni e interpreta, attraverso mostre, eventi e incontri, il nuovo ritmo della città proiettandosi al futuro.
PARMA 360 festival si pone ancora una volta l’obiettivo di promuovere e divulgare l’arte contemporanea e la creatività giovanile con iniziative che favoriscono la partecipazione e il coinvolgimento di un pubblico ampio ed eterogeneo, con particolare attenzione alle nuove generazioni e alle famiglie.
Alla base della progettualità di PARMA 360 ci sono inoltre i concetti di rigenerazione urbana e di rifunzionalizzazione degli spazi cittadini per un coinvolgimento attivo della cittadinanza. Il Festival, infatti, mette in rete e promuove il patrimonio artistico già esistente in un vero e proprio museo diffuso sul territorio, valorizzando attraverso l’arte contemporanea chiese sconsacrate, palazzi storici e spazi di archeologia industriale non sempre conosciuti dagli abitanti della città.
L’iniziativa, che vede la direzione artistica e la curatela di Camilla Mineo e Chiara Canali, è organizzata dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, con il sostegno del Comune di Parma e di un’ampia rete di partner pubblici e privati.

Lieu.City
Lieu.city SRL è una start-up innovativa, con sedi a Cagliari e Milano, specializzata nella realizzazioni di esperienze in realtà virtuale nel campo delle esposizioni d’arte.
Fondata nel 2020 da Deodato Salafia, ha superato la fase di R&D e si trova ora nel primo lancio beta (fase MVP) con un team di sviluppo di 15 persone. Lieu.City, insieme ad Art Rights, è stata inoltre validata come soluzione culturale innovativa all’interno del progetto “Artathlon 2021”, promosso dal MiC (Ministero della Cultura), Ernst&Young e Invitalia.

Info festival:
Parma 360 Festival della creatività contemporanea
Parma, sedi varie
Fino all’8 agosto 2021

On view on:
LIEU.CITY
www.lieu.city

Direzione artistica
Camilla Mineo, Chiara Canali

Informazioni al pubblico:
www.parma360festival.it
info@parma360festival.it

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Festival

Parma 360 Festival della creatività contemporanea (5° ed) nell’ambito di Parma Capitale della Cultura

PARMA 360 Festival della creatività contemporanea
mostre, eventi, incontri
V edizione
Il Tempo muove, altera, trasforma…
a cura di Camilla Mineo e Chiara Canali
8 maggio – 8 agosto 2021
in occasione di Parma Capitale italiana della Cultura 2020+21

Nella città eletta Capitale italiana della Cultura 2021, prende il via la quinta edizione di PARMA 360 Festival della creatività contemporanea, evento dedicato alle massime espressioni delle arti visive contemporanee e alla creatività giovanile.
Se il claim che ha accompagnato fin dall’inizio il programma di Parma2020 è “La cultura batte il tempo”, quello di PARMA 360 festival è “Il Tempo muove, altera, trasforma…
Dall’8 maggio 2021 il festival festeggia cinque anni e interpreta il nuovo ritmo della città proponendo al grande pubblico mostre ed eventi diffusi in città in luoghi istituzionali e privati, all’insegna della rigenerazione e della rifunzionalizzazione degli spazi urbani per un coinvolgimento attivo della cittadinanza e dei visitatori.
Ancora una volta motore del festival è il dialogo tra gli artisti e il contesto storico-artistico della città di Parma che, con i suoi monumenti architettonici, i palazzi storici e le piazze e gli scorci incantevoli ispira le opere e le installazioni dei protagonisti di questa edizione e le ravviva di nuovi significati espressivi.

Tra i progetti del programma ufficiale di Parma Capitale della Cultura 2020+21 prende avvio “LA VIA DELLE FORME. Viaggio tra i mestieri di Parma”, mostra multimediale e interattiva, curata da Giancarlo Gonizzi, Chiara Canali e Camilla Mineo, ideata da Antica Proietteria e promossa da Parma 360 Festival della creatività contemporanea in collaborazione con il Gruppo Imprese Artigiane, allestita nel cuore della città, alla GALLERIA SAN LUDOVICO.
La grande tradizione artigiana di Parma, ereditata dai secoli passati grazie alla presenza della Corte ducale ha favorito nel tempo la nascita di professionalità di alto livello. Oggi l’artigianato e la piccola impresa di Parma si raccontano attraverso i mestieri del presente e del futuro, raccontando la “cultura del fare”, per condividere quel grande patrimonio di saperi che le imprese hanno da sempre.
Sei personaggi della storia di Parma – il pittore manierista Parmigianino, l’architetto di Corte Ennemond Alexandre Petitot, il re dei tipografi Giambattista Bodoni, il compositore Giuseppe Verdi, il regista Bernardo Bertolucci, le stiliste Sorelle Fontana – guidano il visitatore in un viaggio alla scoperta dell’artigianato parmense, che si dipana tra le sezioni dedicate all’enogastronomia, all’architettura, all’editoria, ai trasporti e alla logistica, alle lavorazioni tecnologiche e al mondo della moda. E lo fanno attraverso innovativi sistemi multimediali e interattivi, ideati da Antica Proietteria, in grado di immergere il pubblico in uno storytelling corale.
Sostenuta e messa in opera con il contributo di Unione Europea – Fondo Sociale Europeo e Orientamente “Girls in Steam”, l’esposizione racconterà a ragazze e ragazzi delle scuole di Parma l’evoluzione dei mestieri: da antichi oggetti alle nuove tecnologie per narrare la storia dell’artigianato parmense.

Il percorso dell’edizione 2021 si sviluppa poi in un progetto espositivo di caratura nazionale, dedicato ai temi della bellezza, della rigenerazione e dell’immaterialità del nostro patrimonio storico-artistico e ambientale.
Cracking Art, il movimento artistico conosciuto per la creazione di installazioni urbane caratterizzate da animali giganti in plastica rigenerata, sbarca a Parma prima in PIAZZALE DELLA PACE e poi in STAZIONE, con il progetto TEMPO DI LUPI.
29 Lupi gialli che rimandano al Giallo Parma, lo storico colore che caratterizzava le facciate delle abitazioni della città per rievocare la dimensione domestica e protettiva del luogo, si uniscono a un lupo grigio, simbolico riferimento al lupo grigio appenninico (Canis lupus italicus) che abita i territori montani e collinari dell’Appenino tosco-emiliano e che sempre più spesso si avvicina ai centri abitati.
In occasione di Parma Capitale Italiana della Cultura 2020+21 il movimento artistico Cracking Art intende rilanciare la conoscenza di una tradizione che racchiude in sé la storia culturale e ambientale del nostro paese. Natura e cultura legate assieme in un nuovo equilibrio che tenga conto della reciproca necessità dell’armonia per il bene comune.
Un auspicio di convivenza tra esseri umani e vita selvatica nell’ottica di una più diffusa comprensione dei meccanismi di una natura che ci attrae ma di fronte alla quale siamo spaventati e incerti quando riconosciamo in lei un potenziale pericolo.

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VR project

CHERNOBYL 35 years later in mostra su Lieu.city

DESIDERIO

CHERNOBYL

35 Years Later

a cura di Chiara Canali

Siamo di fronte a qualcosa che non è mai accaduto su questo pianeta prima ad ora.
(“Chernobyl”, serie TV, 2019)

Il 26 Aprile 2021, a 35 anni dall’incidente nucleare avvenuto la notte del 26 Aprile 1986 alle ore 1:23:45, l’Associazione culturale Art Company presenta il VR Project CHERNOBYL 35 Years Later, dell’artista visivo Desiderio, a cura di Chiara Canali.

La mostra sarà online a partire dal 26 Aprile 2021 su Lieu.City, la prima piattaforma social che ti permette di visitare ambienti espositivi in realtà virtuale, senza il bisogno di app o complesse tecnologie.

Chernobyl fu uno dei più gravi disastri umani e ambientali della storia dell’umanità. Oltre 30 mila morti. Cento città e villaggi svuotati. Cinque milioni di persone destinate a controlli medici. Migliaia di neonati malformati in tutta Europa. 2.800 km quadrati d’acque, flora e fauna contaminati per sempre.

Stefano Mancuso, botanico di fama mondiale e docente di Arboricoltura generale dell’Università di Firenze, ha recentemente dichiarato sul Corriere della Sera: “Per 35 anni, l’uomo non è più rientrato a Chernobyl. Le piante, sì. In fondo c’è una morale: la presenza dell’uomo è più pericolosa perfino delle radiazioni”.

Per queste ragioni il nuovo ministro della cultura ucrainoOleksandre Tkatchenko considera il territorio di Chernobyl uno dei più emblematici dell’Ucraina e ha richiesto all’Unesco di dichiararlo Patrimonio dell’Umanità, e di preservarlo come monito per il futuro dell’umanità.

Nato a Milano, DESIDERIO, artista visivo dal nome simbolico e altamente evocativo, avvicenda nella sua ricerca artistica media espressivi differenti per restituire una rappresentazione della modernità in bilico tra surrealismo e realismo magico. Tra i finalisti del 13° Premio Cairo, Desiderio è presente alla 54° Biennale di Venezia nel Padiglione Cuba, alla XI e XII Biennale dell’Avana e alla 4° Bienal Fin del Mundo 2015, allargando la sua esperienza oltre i confini italiani.

Per commemorare i 35 anni dalla tragedia di Chernoby, Desiderio ha ideato questo nuovo VR project intitolato CHERNOBYL 35 Years Later, che raccoglie alcuni cortometraggi e una serie di opere pittoriche realizzate nel 2009 in occasione della mostra Apocalipse Wow! al Macro Testaccio. I quadri simulano, in chiave post-apocalittica, un pianeta appena devastato da una distruzione rovinosa, nel quale si muove lentamente una chiocciola gigante, cavalcata dall’artista che indossa una maschera a gas.

In particolare, le opere della serie Chernobyl materializzano gli effetti generati sull’umanità dalla contaminazione radioattiva attraverso una sequenza pittorica di ritratti di bambini che stringono tra le braccia animali domestici bicefali o affetti da strane affezioni di duplicazione genetica. L’orrore e la devastazione determinata dall’errore e dalla colpa umana si contrappone all’ingenuità infantile di un universo fanciullesco che considera “pets” (animali domestici) gli esseri deformi qui rappresentati.

Lo stesso incanto e la stessa vena nostalgica si percepiscono nelle note del video Bluesky, un cortometraggio suddiviso in quattro atti che parte là dove Chernobylsi è fermato: siamo sempre immersi in un paesaggio post-atomico, post-terremoto, post-nucleare, virato nelle tinte fosche del bianco e del nero, dove appare una donna angelicata, pregna del ricordo degli “angeli vigilanti” del film Il cielo sopra Berlino. L’angelo è inquadrato all’interno di una veduta centrale, tra due tralicci speculari che contengono le effigi burlesche di due scheletri, in una drammatica e assurda parodia che diventa meditazione sulla transitorietà e fugacità della vita.

Quest’angelo rappresenta forse lo stupore di fronte alla catastrofe dell’universo ed è lo stesso stupore-orrore-desiderio dell’artista che guarda questo mondo distrutto attraverso l’occhio di una telecamera.

Al video Bluesky Desiderio affianca una serie di opere pittoriche che completano il progetto e che riprendono alcuni caratteri già evidenti nel suo stile: l’allusione alla maschera e al travestimento, l’intonazione grottesca, l’attenzione per tematiche sociali e politiche che hanno interessato il secolo scorso ma che hanno ancora rilevanza nel dibattito odierno. La pittura e i disegni dell’artista registrano l’esperienza della rivoluzione russa sulla base di immagini familiari prelevate da foto ricordo d’epoca, e la declinano in una pittura monocromatica intensa e vibrante, con l’inserimento di qualche struttura geometrica di colore rosso contenete frasi di propaganda russa, all’interno di un impianto grafico e formale di radice costruttivista.

La pittura di Desiderio è utopica e visionaria e procede tramite flashback e flashforward proprio come avviene nel linguaggio del video; spesso crea degli spazi di composizione che assomigliano a dei veri e propri set cinematografici, dei teatri dell’artificio, che diventano metafore espressive attraverso cui Desiderio critica colpe ed errori del passato, con la speranza che non si perpetuino nel futuro.

Desiderio

Desiderio è nato nel 1978 a Milano. Vive e lavora in provincia di Terni.

Vincitore del Premio Italian Factory 2008 e finalista in diversi premi tra cui Premio Cairo 2012, SESIFF The 3rd Seoul International Extreme-Short Image & Film Festival (KOREA), AZYL film festival One World One Minute (Slovakia, Czech Republic, Hungary) e altri.

Per molti anni viaggia tra l’Italia e Cuba e partecipa alla 54° Biennale di Venezia (2011) nel Padiglione Cuba e due edizioni della Biennale dell’Avana (2012; 2015) e alla 4° Bienal del Fin del Mundo a Valparaiso (Cile) nel 2015. Ha realizzato mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Berlino, Hubei Museum Cina, Hitabashi Art Museum, Tokyo, ecc) e nel 2009 ha partecipato alla mostra collettiva Apocalipse Wow! presso il  Macro Future di Roma. Il suo lavoro interdisciplinare si contamina di molteplici linguaggi, l’interazione performativa e un particolare interesse per il video e la regia, tanto che è stato definito “un regista che dipinge”. Nel 2017 chiude il ciclo Beauty Hazard prima al Museo CAOS (Terni) e lo stesso anno alla Fabbrica del Vapore di Milano, in collaborazione con il Comune di Milano, con la mostra Nirvana, a cura di Chiara Canali. Nel 2019 realizza Malebolge all’interno dell’ex chiesa San Michele Arcangelo ad Amelia, progetto dedicato all’Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri che anticipa il 700°anniversario della sua morte (1321 – 2021). Nel 2021 partecipa alla mostra collettiva The Butterfly Effect, promossa da Art Company nell’ambito del Trento Art Festival.

Lieu.City

Lieu.city SRL è una start-up innovativa, con sedi a Cagliari e Milano, specializzata nella realizzazioni di esperienze in realtà virtuale nel campo delle esposizioni d’arte.

Fondata nel 2020 da Deodato Salafia, ha superato la fase di R&D e si trova ora nel primo lancio beta (fase MVP) con un team di sviluppo di 15 persone. Lieu.City, insieme ad Art Rights, è stata inoltre validata come soluzione culturale innovativa all’interno del progetto “Artathlon 2021”, promosso dal MiC (Ministero della Cultura), Ernst&Young e Invitalia.

Art Company

Art Company, associazione culturale nata a Milano nel 2007, si occupa della ideazione, realizzazione e organizzazione di eventi artistici ed espositivi sul territorio nazionale e internazionale.

Obiettivi sono la promozione e lo sviluppo di iniziative culturali attraverso la valorizzazione del lavoro di artisti contemporanei: dall’organizzazione di mostre personali e collettive, alla creazione di eventi e progetti speciali loro dedicati, alla pubblicazione di monografie, cataloghi, libri d’arte.

A partire dai linguaggi tradizionali – dalla pittura alla scultura – Art Company si è direzionata ai nuovi media e alle nuove tecniche dell’arte, con particolare enfasi sulla Fotografia, sui New Media e sulle nuove Tecnologie Digitali. Focus principale è quello di coinvolgere e sensibilizzare il pubblico con una riflessione sfaccettata sulle problematiche e le “emergenze” della nostra realtà contemporanea attraverso la multimedialità e la multidisciplinarità dei linguaggi dell’arte contemporanea.

DESIDERIO

35 Years Later

a cura di Chiara Canali

Dal 26 Aprile ore 00.00

On view on:

LIEU.CITY

www.lieu.city

Info:

Art Company

www.artcompanyitalia.com

Categorie
Collettiva Digitale New Media

The Butterfly Effect al Trento Art Festival

THE BUTTERFLY EFFECT
Desiderio, Emilia Faro, Lia Pascaniuc
a cura di Chiara Canali

Art Company è lieta di partecipare a Trento Art Festival, in programma dal 24 al 28 febbraio 2021, con il progetto THE BUTTERFLY EFFECT, a cura di Chiara Canali, che riunisce le opere degli artisti Desiderio, Emilia Faro e Lia Pascaniuc.

Trento Art Festival è il primo Festival d’arte contemporanea in Italia nativo digitale.
La mostra sarà ospitata all’interno di uno spazio espositivo virtuale e sarà visibile dai siti www.trentoartfestival.it e www.kunstmatrix.com (fino al 15 marzo 2021).

Butterfly Effect è una locuzione comunemente usata per indicare l’estrema sensibilità alle condizioni iniziali evidenziata dai sistemi dinamici non lineari. Il fondatore di tale teoria è stato il matematico e meteorologo statunitense Edward Lorenz che nel 1963 elaborò un modello matematico dei movimenti dell’aria, in base a cui ricavò quel che è noto come “effetto farfalla”. In altri termini, infinitesime variazioni nelle condizioni iniziali producono variazioni grandi e crescenti nel comportamento successivo dei sistemi, come per esempio di quello atmosferico e climatico.
Ne abbiamo potuto vedere una dimostrazione in quest’ultimo periodo: i dati relativi alla pandemia Covid-19 hanno messo in evidenza questa concatenazione, che dimostra come tra gli esseri umani ci sia un legame impercettibile ma profondo.

La celebre frase “The Butterfly Effect”, secondo cui il minimo battito d’ali di una farfalla sia in grado di provocare un uragano dall’altra parte del mondo”, è quindi fonte di ispirazione per la ideazione di questo progetto curatoriale.
L’idea è che piccole variazioni nelle condizioni iniziali producano grandi variazioni nel comportamento a lungo termine di un sistema, da quello climatico a quello dei comportamenti umani.

Per questo motivo gli artisti coinvolti presentano delle opere nelle quali l’iconografia della farfalla non è solo il pretesto per un racconto visivo di grande bellezza, ma è un’occasione per riflettere sui temi della leggerezza e della fragilità della vita umana e naturale, e sulla conseguente necessità per l’uomo e per gli esseri della natura di un respiro vitale che restituisca loro la libertà e la speranza di progettare il futuro dell’umanità e della natura.
Attraverso l’utilizzo sia dei linguaggi più tradizionali come la pittura e la scultura, che di quelli più tecnologici e attuali, come l’ologramma, gli artisti creano opere fragili e delicate come una farfalla, ma che attraverso il battito delle loro ali sono in grado di generare sensazioni, emozioni e riflessioni sia estetiche che mentali.

La visual artist Lia Pascaniuc esprime, attraverso la sua opera-ologramma “Breath” (2020), la contingente necessità di aria e leggerezza, rappresentata dall’impalpabile battito d’ali delle farfalle. L’artista lo ha catturato e riprodotto in eterno grazie al supporto tecnologico ologrammatico. Un respiro lento e profondo. Un respiro che rigenera il corpo e lo spirito. Leggero, ma vitale, come l’anima, in greco: la psyche.
“Breath” è nato durante il primo lockdown. È frutto delle sensazioni e delle percezioni che la visual artist ha vissuto durante quei lunghi mesi e che hanno influenzato il suo modo di vedere e sentire la mancanza di libertà e di aria.

 

“Pink Flower” di Emilia Faro sono delle sculture, in resina e sabbia vulcanica, che rappresentano piante e fiori della macchia mediterranea. Il progetto è la sintesi di un percorso artistico volto a cristallizzare la poesia e la bellezza della natura, sottraendola alla decadenza inflitta dal ciclo del tempo.
Un giardino mediterraneo plasmato dall’artista, in una combinazione di sculture, alcune delle quali ispirate dalla tecnica della coltivazione idroponica, insieme ad una serie di acquarelli e disegni di innesti su alberi da frutto, cui fanno sfondo tavole botaniche ottocentesche. I colori predominanti hanno tonalità e sfumature d’indaco e rosa, colori simbolo di “forza creativa, fertilità e rinascita”.

L’intreccio di bellezza e fragilità è il vero caposaldo della tensione che guida il linguaggio pittorico e filmico dell’artista Desiderio, come desiderio ideale verso una forma di edonismo che gli consenta di conoscere e indagare a fondo l’umanità mediante la perfezione di uno strumento visivo e pittorico che risulta bello e affascinante ma comunque insufficiente, e dunque fragile.

 

Biografie

Desiderio
Desiderio è nato nel 1978 a Milano. Vive e lavora in provincia di Terni.
Vincitore del Premio Italian Factory 2008 e finalista in diversi premi tra cui Premio Cairo 2012, SESIFF The 3rd Seoul International Extreme-Short Image & Film Festival (KOREA), AZYL film festival One World One Minute (Slovakia, Czech Republic, Hungary) e altri.
Per molti anni viaggia tra l’Italia e Cuba e partecipa alla 54° Biennale di Venezia (2011) nel Padiglione Cuba e due edizioni della Biennale dell’Avana (2012; 2015) e alla 4° Bienal del Fin del Mundo a Valparaiso (Cile) nel 2015. Ha realizzato mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Berlino, Hubei Museum Cina, Hitabashi Art Museum, Tokyo, ecc) e nel 2009 ha partecipato alla mostra collettiva Apocalipse Wow! presso il Macro Future di Roma. Il suo lavoro interdisciplinare si contamina di molteplici linguaggi, l’interazione performativa e un particolare interesse per il video e la regia, tanto che è stato definito “un regista che dipinge”. Nel 2017 chiude il ciclo Beauty Hazard prima al Museo CAOS (Terni) e lo stesso anno alla Fabbrica del Vapore di Milano con Nirvana. Nel 2019 realizza Malebolge all’interno dell’ex chiesa San Michele Arcangelo ad Amelia, progetto dedicato all’Inferno della Divina Commedia di Dante Alighieri che anticipa il 700°anniversario della sua morte (1321 – 2021).

Emilia Faro
Emilia Faro (Catania, 1976) vive e lavora a Torino.
Dopo una laurea in farmacia studia storia dell’arte al Louvre di Parigi dove inizia a frequentare scuole d’arte e studi d’artista. Partecipa a diversi workshop e residenze in giro per il mondo, un percorso formativo che ha educato e liberato il suo segno, in continua evoluzione, prima sotto forma dell’acquerello, poi dell’installazione, del video e della scultura. Nel suo percorso artistico confluiscono tracce di vissuto in merito a salvezza e libertà personale e riflessioni più generali sulla condizione dell’uomo contemporaneo e sul suo rapporto con l’ambiente, la Natura e l’Eterno Ritorno che la governa.

Lia Pascaniuc
Lia Pascaniuc, rumena di origini e torinese di adozione, è una visual artist che utilizza diversi linguaggi contemporanei per indagare tematiche ed emergenze dell’odierna società. Dal 2009 affronta con la sua arte (coadiuvata nelle sue ricerche da professionisti sul tema) il fenomeno del clima e di conseguenza la trasformazione dei paesaggi. Tra le più importanti partecipazioni sono da menzionare: nel 2022 è prevista la partecipazione alla 59 Biennale di Venezia all’interno del European Culture Center, nel 2021 è prevista esposizione galleria ArtEmy-Alassio, nel 2020 con progetto Però a Rovereto, Trento alla Fondazione Campana dei Caduti,  2018-2019 Museo della Shoa – Milano, Vita Liquida – Xerjoff Gallery Torino, Global warming a Casa Olimpia-Sestriere; All’archivio italiano dell’autoritratto fotografico – Senigallia;  Galleria Weber & Weber – Torino; con La complessità dei paesaggi – China Photojournalism (Shandong); Global warming – Parma; nel 2017: La solitudine dell’autoscatto al Palazzo Guidobono-Tortona; nel 2016: Vita Liquida-Acquario Civico di Milano; Istanbul ArtFAir con Galleria Barbara Paci – De Rerum Natura “Infra Terram” a Pietrasanta, al Festival della Scienza, con Galleria AmyD-Genova; nel 2015 : 11° ArtVerona Fair e Liquid Landscape-Galleria RezArte, Circuito Off Fotografia Europea.

Art Company
Art Company, associazione culturale nata a Milano nel 2007, si occupa della ideazione, realizzazione e organizzazione di eventi artistici ed espositivi sul territorio nazionale e internazionale.
Obiettivi sono la promozione e lo sviluppo di iniziative culturali attraverso la valorizzazione del lavoro di artisti contemporanei: dall’organizzazione di mostre personali e collettive, alla creazione di eventi e progetti speciali loro dedicati, alla pubblicazione di monografie, cataloghi, libri d’arte.
A partire dai linguaggi tradizionali – dalla pittura alla scultura – Art Company si è direzionata ai nuovi media e alle nuove tecniche dell’arte, con particolare enfasi sulla Fotografia, sui New Media e sulle nuove Tecnologie Digitali. Focus principale è quello di coinvolgere e sensibilizzare il pubblico con una riflessione sfaccettata sulle problematiche e le “emergenze” della nostra realtà contemporanea attraverso la multimedialità e la multidisciplinarità dei linguaggi dell’arte contemporanea.
www.artcompanyitalia.com

 
THE BUTTERFLY EFFECT
Desiderio, Emilia Faro, Lia Pascaniuc
a cura di Chiara Canali

TRENTO ART FESTIVAL
24 | 28 febbraio 2021

On view on:
www.trentoartfestival.it
www.kunstmatrix.com

Info:
Art Company
www.artcompanyitalia.com
artcompanyitalia@gmail.com

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Street Art

Street ARt Corner: l’appuntamento del giovedì con gli artisti del MAUA in diretta Facebook

 

Partito mentre Milano e Torino erano entrambe in “zona rossa” come alternativa ai tour fisici, il videotalk in diretta Facebook con gli artisti che hanno realizzato il MAUA (Museo di Arte Urbana Aumentata), è diventato un appuntamento fisso.

Street ARt Corner va in onda il giovedì, in diretta dalle 19 alle 20, sulla pagina Facebook di MAUA, con personaggi dal mondo della Street Art che si raccontano in modo diretto e informale. Ad accompagnarli fra parole e immagini il team operativo di MAUA: la critica ed esperta di Street Art, nonché guida dei tour milanesi del museo, Chiara Canali di Art Company Italia, Claudia De Giorgis di Street Art Tourino, partner ufficiale dei tour MAUA a Torino ed Elena Ferrara di Bepart, responsabile dell’organizzazione delle visite guidate e della comunicazione.

Dopo aver ospitato il filosofo, curatore e critico d’arte torinese Roberto Mastroianni, lo street artist Pao reso celebre dai pinguini con cui ha colorato i panettoni stradali e Wally, fondatore degli Orticanoodles (collettivo artistico che deve il proprio nome al quartiere milanese dell’Ortica, in cui ha mosso i primi passi e dove hanno dato origine al museo di arte diffusa Or.Me Ortica Memoria) sono in arrivo altri interventi interessanti.

I PROSSIMI OSPITI
Giovedì 28 gennaio toccherà a Matteo Capobianco in arte Ufocinque raccontare i propri muri, popolati da animali mitologici e paesaggi fiabeschi. Il 4 febbraio sarà poi la volta del duo svizzero Nevercrew, i primi ad aver accettato la sfida di Bepart di applicare la realtà aumentata ai murales. Per la puntata dell’11 febbraio, invece, è atteso l’intervento di Ale Puro e dei suoi personaggi in grado di riportare tutti bambini. Il 18 febbraio, poi, un talk tutto al femminile con la street artist Nais e le sue creature coloratissime. Altri appuntamenti, per le settimane successive, sono già in fase di definizione.

PERCHE’ I TALK: DIVULGAZIONE E CONDIVISIONE DI UN PATRIMONIO CULTURALE CONTEMPORANEO
“Street Art Corner è nato come un esperimento – spiegano le tre conduttrici dei talk. – Mentre si faceva sempre più palese l’impossibilità di poter organizzare visite guidate di gruppo, continuavamo a ricevere richieste di partecipazione. Questo ci ha confermato che il pubblico interessato alla Street Art e ai murales animati del MAUA è sempre più in crescita. E allora perché non trovare una formula alternativa e sicura per tutti per continuare l’opera di divulgazione? La creazione di MAUA fra Milano e Torino è stata possibile grazie alla partecipazione di oltre 500 persone (tra street artist, creativi digitali che hanno animato in realtà aumentata le opere, studenti che le hanno fotografate, ma anche intellettuali e blogger che hanno collaborato alla stesura dei testi critici per i due cataloghi): nei tour on the road non tutto questo patrimonio umano e culturale riesce ad avere la giusta valorizzazione. I videotalk hanno l’obiettivo di puntare le luci su questi protagonisti della scena dell’arte pubblica contemporanea”.
I video delle dirette restano poi pubblicati in maniera permanente sulla pagina Facebook di MAUA, ma non solo. “L’idea è di iniziare, a breve, a caricarli anche sul canale YouTube di Bepart, come dei Podcast – spiegano le ideatrici di Street ARt Corner – per far sì che questi momenti di testimonianza e approfondimento possano essere liberamente fruibili anche per scopi didattici o di ricerca. Dalla sua nascita, infatti, MAUA è stato oggetto di studio da parte di numerosi ricercatori e studenti universitari”.

MAUA Museo di Arte Urbana Aumentata
MAUA è una galleria a cielo aperto, nella periferia di Milano, di Torino e di altre città italiane, che consta di oltre 50 opere di Street Art animate con altrettanti contenuti virtuali fruibili attraverso la Realtà Aumentata.
Le opere del MAUA sono state selezionate dagli abitanti dei quartieri, in un esperimento avanzato di curatela diffusa che ha previsto l’individuazione collettiva e partecipata delle opere e una discussione comune sul loro significato percepito e sul loro valore per le strade della città.
Oggi le opere del MAUA sono liberamente fruibili nella città e i contenuti in Realtà Aumentata tramite l’App Bepart, disponibile gratuitamente su Google Play e Apple Store.

Info:
https://mauamuseum.com/
FB @MAUA.museo.arte.urbana.aumentata