Critica d’arte, giornalista e curatore indipendente.
Ideatrice e promotrice di eventi e iniziative dedicate alle nuove tendenze dell’arte contemporanea, dai New Media alla Street Art.
Dall’inizio della sua attività professionale ad oggi ha ricoperto incarichi di direzione e coordinamento, maturando una notevole esperienza nella ideazione e curatela di mostre e manifestazioni a carattere pubblico e istituzionale, collaborando con Musei, Comuni, Fondazioni, istituzioni pubbliche ed enti privati.
Nel suo percorso critico ha dedicato particolare attenzione ai nuovi linguaggi e ai nuovi media dell’arte, con particolare enfasi sulla fotografia e sulle tecnologie digitali ed interattive. In questi ultimi anni si è occupata di ricerche sulla Street Art, l’Urban Art e l'arte di strada, con l’ideazione di progetti di riqualificazione e rigenerazione urbana.
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Art critic, journalist and independent curator based in Milan.
She is the creator and promoter of events and initiatives dedicated to new trends in contemporary art, from New Media to Street Art.
As an independent curator, she has curated a number of exhibitions with emerging artists and dedicated to new trends in contemporary art for private galleries and public spaces. In her critical path she has paid particular attention to new languages and new media art, with an emphasis on photography, new media and digital technologies. In recent years she has devoted to research on Street Art and Urban Art, with ideation of urban redevelopment and regeneration projects.
Boris Eldagsen | Silvio Giordano |Hariel| Kamilia Kard |
Andrea Meregalli | Eleonora Roaro | Vandalo Ruins | Andrew Wharton
Vernissage 6 ottobre dalle ore 18.00
Dal 6 al 10 ottobre 2026, dalle 10.00 alle 19.00
Spazio The Bridge, Università IULM
via Carlo Bo 7, Milano
Ingresso libero
In occasione della terza edizione di AI.motion, il festival cinematografico italiano dedicato al cinema generato con l’intelligenza artificiale, che si terrà il 9 e l’10 ottobre 2026 presso l’Università IULM di Milano, si inaugura il progetto espositivo «SYNTHETIC BODIES» a cura di Chiara Canali.
Synthetic Bodies riunisce le opere di otto artistiinternazionali che indagano la trasformazione del corpo nell’era dell’intelligenza artificiale, della simulazione e delle identità sintetiche. Il corpo non è più un’entità stabile: è diventato un ecosistema fluido di dati, immagini, algoritmi e proiezioni, un territorio in continua riscrittura in cui memoria, mutazione e rappresentazione si ridefiniscono costantemente.
Attraverso pratiche che spaziano dal video generativo alla scultura stampata in 3D, dal cinema sperimentale ai sistemi conversazionali basati su IA, la mostra esplora come le nuove tecnologie non si limitino a raffigurare il corpo, ma intervengano direttamente sulla sua struttura ontologica: lo ibridano, lo mutano, lo archiviano, lo trasformano in dataset, in mito, in specchio. I corpi che appaiono in tutta la mostra non appartengono più esclusivamente al regno biologico; emergono come organismi ibridi, costruzioni speculative, avatar, simulazioni e identità sintetiche.
Le opere in mostra restituiscono un corpo contemporaneo che è insieme carne e codice, memoria storica e proiezione algoritmica, un corpo sintetico che rivela quanto la nostra stessa idea di identità sia già, da sempre, una costruzione culturale.
ai.motion è il festival cinematografico italiano dedicato al cinema generato con l’intelligenza artificiale. La terza edizione si terrà il 9 e 10 ottobre presso l’Università IULM di Milano. Il festival esplora la nuova estetica della settima arte plasmata dagli algoritmi generativi, concentrandosi sul potenziale creativo dell’IA nella narrazione visiva.
AI.motion include proiezioni gratuite, talk e workshop, promuovendo un dialogo aperto tra artisti, ricercatori e pubblico sul futuro del linguaggio audiovisivo.
Il festival e la mostra sono un progetto dell’Università Iulm, con la direzione artistica dell’associazione Neural Network.
GLI ARTISTI E LE OPERE
Boris Eldagsen — Tiptoeing. Around the void (episodio della serie AI ART RANTS) Un confronto tra la brutalità esistenziale di Francis Bacon e la logica senza attrito dell’immagine generata da IA: quarantadue Bacon contro otto intelligenze artificiali, in un’opera interamente co-prodotta con la macchina che critica se stessa.
Silvio Giordano — The Children of Thulsa Doom Volti che diventano rettiliani, pelle che si ricopre di squame: una nuova stirpe di uomini-serpente, sospesa tra natura e tecnologia. Il mostro non è più ciò che è diverso da noi, ma l’uomo quando perde il calore.
HARIEL (Pietro Lafiandra, Flavio Pizzorno, Andrea Rossini) — THE PØRNØGRAPHƏR Primo cortometraggio generato con IA selezionato in un concorso ufficiale della Mostra del Cinema di Venezia (Settimana Internazionale della Critica, 2025). Una videochiamata tra tre uomini si trasforma in una moderna Torre di Babele, viaggio viscerale nella “carne marcita delle immagini”.
Kamilia Kard — A Rose by Any Other Name Ibridi 3D dalla forma di rosa e dall’epidermide simile a pelle umana, tatuata con motivi girly. Le creature si scambiano gesti affettuosi in una coreografia che spinge l’ibrido in uno spazio liminale, tra carnalità, sessualità e inquietudine.
Andrea Meregalli — Your Body Is Art Il corpo del pubblico diventa input di un sistema generativo alimentato da un archivio di opere d’arte (pittura, scultura, fotografia). L’immagine risultante non restituisce un’identità ma la sua ibridazione: un corpo sintetico e culturalmente addestrato, ricodificato attraverso secoli di rappresentazioni.
Eleonora Roaro — Irma Vep Progetto transmediale in cui l’iconica vamp del cinema muto diventa personaggio collettivo costruito con interviste a dominatrici professioniste. Tra scultura IoT, chatbot su Telegram e video generati con IA, l’opera riflette su sex work, desiderio, potere e circolazione delle immagini nell’era digitale.
Luca Martinelli (Vandalo Ruins) — Dark Tales Progetto di augmented literature che intreccia narrazione gotica, IA e blockchain. Agenti narrativi come Cormac Delaney ed Edmund McAllister — quest’ultimo incarnato in un cabinet ligneo interattivo — trasformano il pubblico in interlocutore e il dialogo in archivio tracciabile.
Andrew Wharton — Chimera Cortometraggio sperimentale che reinterpreta il Frankenstein di Mary Shelley attraverso un modello IA addestrato su filmati infrarossi di cervi notturni e sequenze del Frankenstein di Edison (1910). Ne nascono ibridi uomo-cervo che dissolvono i confini tra predatore e preda, creatore e creazione, in un gotico computazionale.
INFO
Titolo mostra: SYNTHETIC BODIES. Il corpo nell’era dell’intelligenza artificiale
A cura di: Chiara Canali Date: 6 – 10 ottobre 2026
Orari: dalle 10.00 alle 19.00.
Luogo: Università IULM, Milano Nell’ambito di: AI.motion – Festival del cinema generato con intelligenza artificiale Ingresso libero
Per ulteriori informazioni: artcompanyitalia@gmail.com
Dal 6 al 12 luglio 2026, la Casa Museo Hendrik Christian Andersen, diretta da Maria Giuseppina Di Monte, Commissario della mostra, e afferente all’Istituto Pantheon e Castel Sant’Angelo – Direzione Musei nazionali della città di Roma guidata da Luca Mercuri, ospita nelle sale del piano terra, la mostra Synthetic Histories. Artefatti, memorie e narrazioni controfattuali, a cura di Chiara Canali in collaborazione con Rome New Media Week (RNMW).
L’esposizione è coordinata da Veronica Brancati e patrocinata dall’Assessorato alla Cultura di Roma Capitale. Il progetto si inserisce nel programma dell’Edizione Zero della Rome New Media Week (RNMW), rassegna annuale diretta da Luca Martinelli, che coinvolge artisti, gallerie e curatori in un percorso di esplorazione e mappatura dei temi e dei network dei nuovi media artistici.
Synthetic Histories. Artefatti, memorie e narrazioni controfattuali riunisce i lavori di quattro artiste pioniere nell’impiego della digital art, appartenenti a generazioni e contesti geografici differenti: Giuliana Cunéaz propone la scultura Attrazione magneticainsieme a Matter Waves; Chiara Passa dà vita a un ambiente immersivo in realtà virtuale dal titolo Crying at the Gypsotheque; Auriea Harvey espone la serie scultorea The Mystery, mentre Ana Maria Caballero e Alex Estorick firmano il progetto artifacts.
Le opere riflettono su come intelligenza artificiale, realtà virtuale, modellazione tridimensionale e sistemi generativi stiano ridefinendo il nostro rapporto con la storia, la memoria e la costruzione delle immagini.
La scelta della Casa Museo H.C. Andersen ha un forte valore simbolico: il monumentale progetto dello scultore per un “Centro Mondiale di Comunicazione” trovava infatti il suo fulcro nella Torre del Progresso, concepita come una vera e propria antenna globale per irradiare e diffondere la conoscenza in tutto il mondo. Questa utopia di una trasmissione universale anticipa a tutti gli effetti la struttura del World Wide Web e delle reti digitali, offrendo la cornice ideale a Synthetic Histories per indagare le nuove forme di creazione e diffusione delle immagini nell’era dell’IA.
Come afferma la curatrice della mostra, Chiara Canali: “In un momento in cui gli algoritmi partecipano sempre più attivamente alla definizione dell’immaginario collettivo, Synthetic Histories invita il pubblico a riflettere su come le tecnologie contemporanee stiano ridefinendo non solo il futuro, ma anche il modo in cui comprendiamo e raccontiamo il passato”.
LE ARTISTE
Giuliana Cunéaz, tra le principali protagoniste della ricerca digitale italiana, presenta Matter Waves e la scultura Attrazione magnetica, lavori che trasformano le nanostrutture della materia in paesaggi e reperti immaginari, costruendo una visione della storia come flusso continuo tra microcosmo e macrocosmo.
Chiara Passa, artista multimediale che esplora le dimensioni digitali attraverso la realtà aumentata (AR) e virtuale (VR) sin dal 1997, con l’ambiente immersivo in realtà virtuale Crying at the Gypsotheque, sovverte il canone della statuaria classica permettendo al pubblico di manipolare, scomporre e ricombinare digitalmente le sculture, generando nuove configurazioni della memoria monumentale.
Auriea Harvey, pioniera della net art, presenta The Mystery, una serie di sculture ibride che intrecciano iconografie del Memento Mori, autorappresentazione e modellazione tridimensionale, dando forma a reliquie contemporanee sospese tra fisico e virtuale.
Ana Maria Caballero pluripremiata poetessa colombiano-americana e artista multidisciplinare e Alex Estorick, artista, curatore e teorico dei media, con artifacts utilizzano l’intelligenza artificiale generativa per creare manufatti immaginari ispirati a monete antiche e medaglioni storici, proponendo una riscrittura delle genealogie del valore, della memoria e del potere.
Si ringraziano lo Studio Copernico di Milano per il prestito delle opere di Giuliana Cunéaz e la Heft Gallery di New York per le opere di Auriea Harvey.
Cerimonia di Premiazione Sabato 13 Giugno 2026 ore 17:00
Il Premio Nazionale di Arti Visive Giovanarte torna con la sua IX edizione, confermandosi come uno degli appuntamenti più significativi dedicati alla valorizzazione dei giovani artisti emergenti under 35 sul territorio nazionale.
Promosso dall’Associazione Amici dell’Arte Aps, sita nelComplesso Monumentale Ricci Oddi, a Piacenza, Giovanarte ha registrato una partecipazione particolarmente ampia e qualificata: sono state infatti oltre 90 le candidature provenienti da tutta Italia, un dato che testimonia la crescente attenzione e il riconoscimento che il Premio sta progressivamente consolidando a livello nazionale. Tra queste candidature, il comitato interno ha selezionato 20 artisti finalisti, scelti per la qualità della ricerca, l’originalità dei linguaggi e la capacità di interpretare le istanze dell’arte contemporanea.
I finalisti della IX edizione sono:
Giulia Apice, Maila Blasi, Paola Bormioli, Shashe Capra, Paola Cenati, Ivy Chilelli, Jessica Corradini, Eliel David, Marta Farrace, Irene Finocchiaro, Alexandra Fongaro, Hack, Ire Ere, Bruno Salvatore Latella, Manuel Macadamia, Luca Martinelli, Flavio Papa, Gioele Provenzano, Camilla Riscassi, Maria Sky.
Gli artisti selezionati parteciperanno alla mostra collettiva in programma dal 23 maggio al 13 giugno 2026 presso le sale dell’Associazione Amici dell’Arte, situate all’interno del Complesso Architettonico Ricci Oddi di Piacenza. L’esposizione rappresenta un’importante occasione di visibilità e confronto, offrendo uno spaccato articolato delle ricerche artistiche emergenti in Italia, tra pratiche tradizionali e sperimentazioni contemporanee, incluse le opere digitali.
Le opere in mostra saranno valutate da una giuria di esperti, presieduta da Chiara Canali e costituita da Stefano Antonio Marchesi, avvocato e Presidente della Galleria Ricci Oddi; Silvia Bonomini, Presidente dell’Associazione e storica dell’arte; Franco Spaggiari, mecenate e collezionista d’arte; Matteo Pacini, curatore indipendente e critico d’arte.
Nel corso della mostra, il pubblico sarà coinvolto attivamente attraverso la possibilità di votare l’opera preferita tra i 20 finalisti. Il voto contribuirà all’assegnazione della Menzione del Pubblico, che verrà annunciata il 13 giugno 2026 in occasione della cerimonia di premiazione.
La Cerimonia di Premiazione è prevista per il 13 giugno 2026 alle ore 17:00 negli spazi espositivi dell’Associazione Amici dell’Arte in via San Siro, a Piacenza. Il vincitore o la vincitrice riceverà un Premio-acquisto di Euro 2.500,00 e la sua opera rimarrà di proprietà all’Associazione Amici dell’Arte.
Tutti i finalisti avranno inoltre diritto alla pubblicazione delle opere in catalogo, accompagnate da un testo critico a cura di Chiara Canali, curatrice del Premio.
Accanto al riconoscimento principale, il Premio Giovanarte rafforza il proprio ruolo di piattaforma di crescita e di rete con gli enti del territorio grazie a una rete di collaborazioni sempre più ampia, che coinvolge realtà istituzionali e culturali, quali Fondazione di Piacenza e Vigevano, Banca di Piacenza, Terrepadane, Galleria d’Arte Ricci Oddi, MIM – Museum in Motion, Associazione culturale Art Company e Parma 360 Festival, oltre al patrocinio del Comune di Piacenza, della Provincia di Piacenza e della Regione Emilia-Romagna.
In questo contesto, l’Associazione Amici dell’Arte APS assegnerà una menzione speciale a un artista selezionato all’interno della Call For Artists AI HORIZONS, promossa da Parma 360 Festival per Parma European Youth Capital 2027, che si distinguerà per la qualità della ricerca, l’originalità del linguaggio e la coerenza nell’utilizzo dei linguaggi contemporanei. Il vincitore avrà l’opportunità di partecipare alla prossima mostra dei finalisti della X edizione del Premio Giovanarte, prevista per giugno 2027 presso il Complesso Monumentale Ricci Oddi di Piacenza.
Il Premio Giovanarte, nato con la finalità di scoprire e valorizzare nuovi talenti artistici e diffondere le tendenze artistiche contemporanee delle nuove generazioni, si conferma così non solo come occasione espositiva, ma come dispositivo attivo di sostegno e promozione delle nuove generazioni artistiche, capace di intercettare e valorizzare le traiettorie più interessanti della scena contemporanea italiana.
Con il sostegno del MiC e di SIAE, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”.
Parma, CASA DEL SUONO
Piazzale Salvo D’Acquisto 11
18 aprile – 9 MAGGIO 2026
Programma pubblico di workshop
IL PUNTO – Hub creativo
Piazza Garibaldi a Parma
16 – 23 – 30 MAGGIO 2026
Ingresso gratuito previa prenotazione
In occasione della X edizione di PARMA 360 Festival della Creatività Contemporanea, la Casa del Suono di Parma accoglie dal 18 aprile al 9 maggio 2026 la mostra SYNTHETIC HORIZONS.Nuove geografie dell’intelligenza artificiale, un’indagine sulle nuove forme dell’immaginazione nell’epoca dell’intelligenza artificiale (IA).
La mostra, a cura di Chiara Canali, riunisce sei artisti under 35 che utilizzano l’IA non come semplice tecnologia generativa, ma come lente cognitiva, poetica e critica attraverso cui interrogare i concetti di autorialità, memoria, corpo e futuro.
Nel pieno della transizione algoritmica, le immagini, i suoni e le narrazioni vengono prodotti da modelli che imitano, distorcono e reinventano il reale. SYNTHETIC HORIZONS esplora questa soglia instabile tra simulazione e creazione, tra controllo e deriva, delineando un nuovo paesaggio sensibile in cui il linguaggio della macchina diventa materia estetica e metafora esistenziale. Le opere in mostra, tra video, installazioni immersive, sculture di dati e narrazioni transmediali, rivelano una generazione che attraversa l’intelligenza artificiale come spazio di possibilità, ma anche come territorio di crisi, dove l’IA è presenza inquieta, specchio e controcampo: capace di generare mondi, ma anche di evocare i loro fantasmi.
Il percorso espositivo presenta le opere di:
HARIEL (Pietro Lafiandra, 1994; Flavio Pizzorno, 1992; Andrea Rossini, 1987) con THE PØRNØGRAPHƏR, film generato con IA che mette in discussione l’immagine cinematografica tradizionale e segna una soglia storica tra cinema e codice.
Andrea Crespi (1992) con The Artist, una riflessione sull’identità nell’era post-digitale e sul rapporto non neutro tra essere umano e intelligenza artificiale. L’opera unisce diversi livelli di mediazione, dal digitale all’analogico, fino all’animazione AI della versione virtuale, componendo un autoritratto fluido, che si muove tra presenza e assenza, tra umano e artificiale.
Ex.favilla (1995) con Figure del ricordo indaga il rapporto tra memoria, corpo e tecnologia attraverso la metafora del vento.
Svccy (1997) con Il cavaliere, elegia algoritmica che evoca il tramonto dell’umano nel linguaggio interattivo della macchina, permette ai visitatori di generare immagini in tempo reale, come se fossero evocate direttamente dal cavaliere.
Vandalo Ruins (1998) con Tutti i Re in Ascolto, una produzione Dark Tales, adatta l’esperienza di letteratura espansa, sviluppata a partire dai propri testi, alla scrittura di Italo Calvino, Un re in ascolto. L’installazione presenta la lettura guidata di segmenti del testo originale da parte dei visitatori, le cui voci vengono registrate, frammentate e orchestrate in un coro polifonico che cresce per tutta la durata della mostra.
SYNTHETIC HORIZONS.Nuove geografie dell’intelligenza artificiale si inserisce nel tema 2026 del festival, LUX, ampliandone il significato: se la luce è linguaggio universale e materia viva, la luce digitale — fatta di pixel, dati e algoritmi — diventa qui un nuovo orizzonte percettivo, un territorio in cui l’umano e l’artificiale si incontrano, si confondono e si ridefiniscono. Un percorso, con il sostegno del MiC e di SIAE, nell’ambito del programma “Per Chi Crea”, che rivela una generazione di artisti per cui l’intelligenza artificiale è insieme possibilità e inquietudine.
SYNTHETIC HORIZONS.Nuove geografie dell’intelligenza artificiale è il progetto pilota che anticipa il lancio, previsto a Maggio 2026, della Call forAI Artists: AI Horizons. Art Beyond Algorithms per Parma European Youth Capital 2027, con il supporto di Polo Parma, COLSER-Auroradomus e Ds Solutions.
Una Call for AI Artists che invita artisti, creators e studenti Under 35 a realizzare opere d’arte, progetti espositivi e contenuti culturali generati con l’ausilio degli strumenti di intelligenza artificiale, includendo una breve descrizione delle tecniche e degli algoritmi utilizzati (ad esempio, AI tools, modelli, flussi di lavoro, ecc.). AI Horizons prevede proiezioni, conferenze e workshop gratuiti, promuovendo un dialogo aperto tra artisti, ricercatori e pubblico sul futuro del linguaggio artistico, visivo e audiovisivo.
In preparazione al percorso della città verso Capitale Europea dei Giovani 2027, IL PUNTO – Hub creativo, in Piazza Garibaldi a Parma, ospiterà un programma pubblico di workshop e talk tenuto dagli artisti della mostra SYNTHETIC HORIZONS e dedicato ai temi della creatività mediata con l’intelligenza artificiale, secondo questo calendario:
16 Maggio h. 17.00:AI Generated Cinema: Laboratorio condotto da HARIEL che esplora la generazione dell’audiovisivo con l’Intelligenza artificiale.
23 Maggio h. 17.00:Dataset driven art: Laboratorio condotto da Vandalo Ruins sull’uso creativo di codice generativo e intelligenza artificiale come nuova tela viva su cui raccontare e distribuire storie.
30 Maggio h. 17.00: AI Storytelling Lab: Laboratorio teorico-pratico condotto da Manuel Macadamia sulla generazione di narrazioni transmediali assistite dall’IA.
GLI ARTISTI
Andrea Crespi
Andrea Crespi (Varese, 1992) è un artista italiano il cui lavoro si sviluppa nella continua indagine di diversi media e temi tra cui l’illusione ottica, la trasformazione sociale e la rivoluzione digitale. La ricerca di Crespi identifica l’arte come uno strumento per percepire e analizzare la verità, spesso manifestandosi in rappresentazioni intime e personali della bellezza.
Le sue opere sono state esposte in prestigiosi musei nazionali e internazionali, tra cui il Triennale di Milano, il CAFA Art Museum di Pechino, Times Square a New York e Art Dubai.
Ex.Favilla
Sara Dresti (Italia, 1995), in arte Ex.Favilla è una visual designer e un’artista multimediale. Cresce in un piccolo paese del Piemonte tra le frequenze FM della radio locale del padre, dove coltiva la fascinazione per tutto ciò che è in grado di mettere in connessione gli spazi e gli esseri umani, di attraversarli come fantasmi e di unirli nell’invisibilità delle frequenze.
Studia Media e Arti multimediali a Milano (NABA) e nel 2019 trova casa e rifugio a Bologna, città in cui la sua ricerca ritorna alle origini esplorate nell’infanzia attraverso quelle tecnologie che ancora nascondono nella loro tecnicità un filo conduttore con l’umano: la mortalità, l’errore, la decadenza del tempo.
HARIEL
HARIEL è il collettivo italiano per un cinema in intelligenza artificiale, fondato da Pietro Lafiandra, Flavio Pizzorno e Andrea Rossini. Il loro lavoro si concentra sull’esplorazione delle nuove estetiche emergenti dall’uso di modelli generativi, sia closed-source che open-source. Il loro Manifesto umanista per un cinema in intelligenza artificiale, pubblicato il 01.04.2025, rappresenta un primo tentativo di formalizzazione di un approccio culturologico alle immagini algoritmiche.
HARIEL è un collettivo cinematografico italiano che sperimenta con algoritmi generativi — sia closed-source che open-source — per (ri)pensare il cinema come campo di conflitto produttivo.
Manuel Macadamia
Manuel Macadamia (1997, Milano) è un artista visivo e narratore transmediale che lavora all’intersezione tra arte contemporanea e nuovi media. Dopo una formazione teatrale presso l’Accademia d’Arte Drammatica Nico Pepe, dal 2015 sviluppa progetti multidisciplinari in dialogo con istituzioni culturali, aziende e maison di moda.
La sua ricerca esplora l’integrazione delle tecnologie emergenti — in particolare l’intelligenza artificiale — nei linguaggi visivi e narrativi, con una particolare attenzione ai temi della sostenibilità e al rapporto tra esseri umani e macchine.
Tra i lavori più recenti, il progetto antologico Sunset AI World è stato presentato in diversi contesti culturali in Italia e all’estero, diventando un osservatorio sperimentale sulle possibilità narrative e visive dell’intelligenza artificiale.
Svccy
Svccy (classe 1997) è un artista visuale italiano. La sua ricerca esplora temi legati all’identità, all’autenticità e alla libertà illusoria nell’epoca dei media e della rivoluzione tecnologica. Le opere di Svccy sono caratterizzate da figure umane simili a statue, spesso senza volto o coperte da oggetti, simboli della perdita dell’identità individuale nella società contemporanea. Le sue opere sono esposte in spazi espositivi internazionali in Australia, Stati Uniti, Inghilterra e Francia. Ha inoltre collaborato a stretto contatto con il mondo musicale, realizzando scenografie teatrali, tra cui quelle per il Maestro Riccardo Muti per le opere Norma e Nabucco, e partecipando alla creazione di AV performance insieme a compositori di musica contemporanea.
Vandalo Ruins
Luca Martinelli, in arte Vandalo Ruins (1998) è un artista concettuale e sperimentale che lavora all’intersezione tra intelligenza artificiale, narrazione immersiva e narrativa filosofica. Il suo lavoro indaga l’autorialità distribuita, la memoria delle macchine e l’identità frammentata attraverso esperienze basate sul web, allucinazioni fotografiche e installazioni interattive.
La sua arte, come la percezione della vita, è di natura partecipativa. Si concentra su una pratica generativa attraverso l’uso dell’intelligenza artificiale e la creazione e gestione ricorsiva di set di dati.
CASA DEL SUONO, PARMA
La Casa del Suono, che ha sede nel suggestivo spazio della ex-chiesa di Santa Elisabetta (metà del sec. XVII), nasce con l’ambizione di riflettere sul nostro modo di ascoltare e intendere la musica, ed è dedicata a un pubblico vastissimo: vale a dire a tutti coloro che oggi ascoltano musica e suoni trasmessi da strumenti tecnologici. Il percorso che la Casa del Suono propone è quello della storia e della evoluzione di tali strumenti per giungere alla situazione di oggi (dal fonografo al grammofono, dalla radio al magnetofono, dal compact disc all’iPod) e gettare uno sguardo verso il futuro. Al suo interno accoglie una preziosa raccolta di fonori-produttori, nonché strutture dotate di innovativi impianti di riproduzione sonora e servizi dedicati alla ricerca scientifica e artistica, alla didattica e alla divulgazione.
Intelligenza artificiale, immagini in movimento e nuove visioni del reale
CODE IN MOTION
Intelligenza artificiale, immagini in movimento e nuove visioni del reale
a cura di Chiara Canali
Roberto Beragnoli – Alessandra Condello – Giuliana Cunéaz – Fabio Giampietro – Kamilia Kard – Manuel Macadamia – Andrea Meregalli – Martin Romeo – Skygolpe – Vandalo Ruins
Vernissage 10 ottobre ore 19.00
Dal 10 al 14 ottobre 2025, dalle 10.00 alle 20.00
Domenica chiuso.
Spazio The Bridge, Università IULM
via Carlo Bo 7, Milano
Ingresso libero
In occasione di AI.motion, il festival cinematografico italiano dedicato al cinema generato con l’intelligenza artificiale, che si terrà il 10 e l’11 ottobre 2025 presso l’Università IULM di Milano, si inaugura il progetto espositivo «CODE IN MOTION.Intelligenza artificiale, immagine in movimento e nuove visioni del reale» a cura di Chiara Canali.
In un’epoca in cui gli algoritmi non solo calcolano, ma creano, CODE IN MOTION propone un’indagine sul confine sfumato tra umano e artificiale attraverso il linguaggio audiovisivo. La mostra riunisce una decina di artisti internazionali che esplorano le potenzialità espressive dell’intelligenza artificiale nel video, nel cinema generativo e nell’immagine in movimento.
Gli artisti invitati sono: Roberto Beragnoli, Alessandra Condello, Giuliana Cunéaz, Fabio Giampietro, Kamilia Kard, Manuel Macadamia, Andrea Meregalli, Martin Romeo, Skygolpe, Vandalo Ruins.
Attraverso video, installazioni, performance e progetti multimediali, gli artisti mettono in dialogo immagini in movimento, algoritmi e nuove forme di narrazione. Le opere, che spaziano dalla sperimentazione testuale alla visualizzazione algoritmica, offrono visioni inedite e perturbanti del reale, interrogando autorialità, memoria, identità e realtà. Come si trasforma il processo creativo quando l’intelligenza è condivisa? Dove inizia e dove finisce l’intento umano?
CODE IN MOTION non si limita a presentare l’uso dell’IA come strumento, ma apre uno spazio critico per riflettere sulle implicazioni estetiche, etiche e politiche che queste nuove tecnologie portano con sé. L’immagine diventa dinamica, fluida, incerta — proprio come i codici che la generano.
Il festival e la mostra sono un progetto dell’Università Iulm, con la direzione artistica dell’associazione Neural Network.
GLI ARTISTI E LE OPERE
Roberto Beragnoli in Viaggio in Italia costruisce un falso archivio televisivo anni ’60 interamente generato da AI. Tra storia, complotti e glitch, l’opera riflette sul rapporto tra memoria collettiva, identità nazionale e finzione algoritmica.
Alessandra Condello presenta una serie di quattro video generati con intelligenza artificiale che reinterpretano il folklore delle aree montane italiane. Maschere, riti e paesaggi emergono in visioni ibride e oniriche, dove tradizione e tecnologia si fondono in una nuova estetica postumana.
Giuliana Cunéaz con La belle au bois dormant invita lo spettatore a sdraiarsi su un letto-scultura e generare immagini personalizzate tramite AI. Ogni esperienza diventa un’opera unica e irripetibile, che fonde segno e sogno.
Fabio Giampietro presenta un flusso video generato da AI a partire dai suoi dipinti urbani, che si dissolvono e rigenerano in un organismo fluido e post-umano. Proiettata all’interno di una storica TV Brionvega, l’opera intreccia pittura, algoritmo e segnale analogico in un cortocircuito visivo in continuo divenire.
Kamilia Kard in HERbarium – Dancing for an AI mette in scena una coreografia condivisa tra performer e piante velenose 3D animate dall’AI. L’opera esplora i legami tra femminilità, stregoneria e intelligenza artificiale, generando una danza perturbante tra umano e artificiale.
Manuel Macadamia ha ideato Sunset AI World un progetto di storytelling immersivo che esplora il rapporto tra umanità, tecnologia e futuro. Attraverso un ciclo narrativo di dodici episodi (2024–2121), racconta l’autogenerazione di un’intelligenza artificiale sincronica }•{ sincronica.
Andrea Meregalli con Effetti AI_ndesiderati trasforma il linguaggio clinico di un foglietto illustrativo di un farmaco antidepressivo in immagini perturbanti. L’AI genera visioni inquietanti che interrogano il rapporto tra follia, dolore e rappresentazione algoritmica.
Martin Romeo con Atmosphere realizza una scultura interattiva in marmo che reagisce in tempo reale ai dati sulle emissioni di CO₂. Neon, video e luce trasformano la materia in un dispositivo sensibile che unisce arte, scienza e sostenibilità.
Skygolpe propone CONTACT, un cortometraggio AI-based che rielabora il gesto iconico della Creazione di Adamo. Mani umane e robotiche si sfiorano senza fondersi, evocando tensione e interrogativi sull’autorialità nell’era postumana.
Vandalo Ruins presenta Dark Tales, un esperimento esistenzialista tra letteratura, fotografia e AI. Un teatro digitale intreccia sentimenti personali espansi in storie surreali, invitando il pubblico a contribuire a una narrazione collettiva in continua ricerca di senso.
INFO
Titolo mostra: CODE IN MOTION. Intelligenza artificiale, immagini in movimento e nuove visioni del reale
A cura di: Chiara Canali Date: 10 – 14 ottobre 2025
Orari: dalle 10.00 alle 20.00. Domenica chiuso.
Luogo: Università IULM, Milano Nell’ambito di: AI.motion – Festival del cinema generato con intelligenza artificiale Ingresso libero
Per ulteriori informazioni: artcompanyitalia@gmail.com
REFORMED A.I. n.15 (Cyber-Oneiric Bioma) di Lino Strangis A cura di Chiara Canali e Rebecca Pedrazzi Presentata da Art Company APS in collaborazione con C.A.R.M.A Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate Dal 5 al 7 Luglio a Videocittà, Roma Performance live: Sabato 6 luglio alle ore 19.30
Roma, 20 giugno 2024 – Dal 5 al 7 Luglio, gli spazi del Gazometro di Roma ospitano Videocittà, il Festival dedicato alle ultime tendenze del mondo dell’arte digitale e all’audiovisivo.
Tra le installazioni principali ospitate a Videocittà 2024 troviamo REFORMED A.I. n.15 (Cyber-Oneiric Bioma) realizzata dall’artista Lino Strangis, a cura di Chiara Canali e Rebecca Pedrazzi presentata da Art Company APS in collaborazione con C.A.R.M.A Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate con una performance live prevista per sabato 6 luglio alle ore 19.30.
CYBER-ONEIRIC BIOMA Questo progetto artistico interattivo presenta al pubblico un ambiente 3D che va a ricreare un ecosistema digitale-naturale realizzato con intelligenze artificiali riformate, un dispositivo scenico con uno strumento musicale che genera randomizzazioni di sequenze sonore inserite dall’artista.
Nel dettaglio CYBER-ONEIRIC BIOMA è un ambiente 3D sensibile e interattivo che intende riflettere sulle complesse relazioni tra uomo e natura. Lo spettatore si troverà a fruire di una dimensione virtuale e digitale in cui osservare figure in movimento che rimandano al mondo animale. Nell’opera di Lino Strangis – attraverso l’impiego di algoritmi di simulazione e intelligenze artificiali riutilizzate e riformate – si generano una serie di movimenti e interazioni che vanno a scandagliare le infinite possibilità d’interazione dell’animazione visiva e del suono.
L’interazione con il pubblico avviene con l’uso di un touch pad wireless – posto al centro dell’installazione, che scansiona l’ambiente 3D a 360° e genera frasi sonore create da un algoritmo di randomizzazione tonale di alcune “frasi musicali” inserite dall’artista con sintetizzatori e chitarra elettrica.
La live-performance tra suono, danza e interattività Sabato 6 luglio alle ore 19.30, il pubblico di Videocittà potrà partecipare alla live-performance realizzata da Lino Strangis con Veronica D’Auria e Giulia Pellini che si propone come un rito di attivazione magico-simbolica per l’interazione con l’ambiente 3D. Tramite segnali sonoro-musicali, strumenti acustici, elettroacustici ed elettronici e danze meditative ispirate a tradizioni sufi-dervishi e Qi Gong, Strangis dialoga con i flussi e i moti dell’ambiente virtuale, testando in tempo reale le relazioni tra attori umani e ambienti virtuali. Questa performance s’inserisce nel percorso di ricerca dell’artista sulla transmedialità e intermedialità dove l’intervento umano diviene l’elemento scatenante di infinite variazioni.
LINO STRANGIS Lino Strangis è un artista multidisciplinare ha sviluppato una ricerca artistica poliedrica che lo ha visto sperimentare l’uso di diverse tecnologie sempre alla ricerca di nuove estetiche (ed etiche) innovative e consapevoli. Dai cortometraggi sperimentali alla videoarte, alle videoinstallazioni, alle installazioni interattive, alla realtà virtuale, alla stampa 3D e molto altro ancora, questo artista ha sempre ricercato le più inedite possibilità di utilizzo delle tecnologie per offrire esperienze dal forte impatto percettivo, intese come occasioni per aprire la mente dei fruitori al confronto con il diverso, l’inatteso, il non conforme, insomma l’altro in tutte le sue forme. Di grande rilevanza nel corso della sua carriera è la produzione musicale/sonora, spesso al centro di molte delle sue installazioni e performance.
“Credo che le esperienze che passano attraverso i sensi abbiano la capacità di avvicinare le menti alla possibilità di un cambiamento spontaneo. Mi interessa contribuire alla loro apertura che non passa attraverso le parole, che può radicarsi in profondità e al di sopra del pensiero razionale. Si tratta quindi di esperienze cariche di valori misteriosi che possono portare gli individui che le vivono a mettere alla prova la loro idea di sé e del mondo che li circonda”. (Lino Strangis)
Per maggiori informazioni: REFORMED A.I. n.15 (Cyber-Oneiric Bioma) di Lino Strangis A cura di Chiara Canali e Rebecca Pedrazzi Presentata da Art Company APS in collaborazione con C.A.R.M.A Centro d’Arti e Ricerche Multimediali Applicate
Dal 5 al 7 Luglio Videocittà, Roma Complesso Eni del Gazometro Ostiense
PIERLUIGI SLIS DADDY SHAKE A cura di Chiara Canali Promossa da CubEArt in collaborazione con Comune di Milano, Viafarini e Papà Separati di Milano
Fabbrica del Vapore 22 maggio dalle ore 18.00
In occasione della mostra “Address Unknown – Città, limiti, confini”, promossa dal Comune di Milano e dall’Archivio Viafarini, in programma alla Fabbrica del Vapore dal 17 maggio al 15 giugno 2024, CubEArt produce per il Piazzale della Fabbrica l’azione performativa e relazionale “Daddy Shake”, a cura di Chiara Canali.
La performance di Pierluigi Slis (Wuppertal, Germania, 1974), prevista per mercoledì 22 maggio dalle ore 18.00, rientra nelle iniziative dell’Associazione CubEArt, fondata da Ana María Pedroso Guerrero, di proporre l’arte come linguaggio capace di suscitare considerazioni profonde sui temi delle pari opportunità e dello scambio interculturale.
Tramite la messa in scena di un gioco di ruolo (simile al calcio), “Daddy Shake” affronta la tematica del bilanciamento dei ruoli genitoriali post-separazione nella famiglia contemporanea (madre-padre, individuo-collettivo, genitore-condividente) e si sofferma a riflettere sulle dinamiche e sui risvolti sociali da esso innescati.
“Daddy Shake” consiste principalmente in un “gioco” di squadra non competitivo, improntato alla collaborazione, ambientato in un contesto informale e non convenzionale, che favorisce l’interazione e la condivisione tra i partecipanti.
Il maschio-padre-separato diventa attore-giocatore-protagonista di un esperimento sociale nato dall’esperienza personale e diretta dell’artista. La vita reale diventa la rappresentazione di sé stessa e, prendendo in prestito alcuni elementi della dinamica calcistica, mira a sollevare attenzione su una problematica maschile (ma che riguarda anche il mondo femminile): la condizione attuale della genitorialità separata.
L’azione si propone di essere un dispositivo sperimentale, un laboratorio partecipativo volto a condensare delle suggestioni, dei nuclei di senso, delle particelle di emozioni e, infine, del materiale utile all’indagine, che verrà poi rielaborato a livello registico da Pierluigi Slis e restituito in un video documentario.
Descrizione della performance
Il progetto, già presentato a Vittorio Veneto e durante la Bolzano Art Week, consiste in un’azione collettiva svolta da genitori separati selezionati mediante una call diretta oppure online.
La partita avrà una durata di 70 minuti e si gioca in abiti civili di lavoro o di vita. Avrà luogo in un playground momentaneo tracciato nel Piazzale della Fabbrica del Vapore di Milano.
Sono previsti un arbitro, due guardialinee, due direttrici di gioco, dei video maker.
L’azione è finalizzata alla produzione di un video e di materiale fotografico volti a cogliere lo stato emotivo, gli interventi e le testimonianze dei giocatori.
In occasione della tappa milanese, è coinvolto anche l’ente Papà Separati di Milano onlus, Associazione nazionale per la tutela dei diritti dei figli nella separazione, da più di 30 anni a fianco dei padri e dei loro figli.
Pierluigi Slis
La ricerca di Slis esplora tematiche connesse ai processi psicologici e sociali che permeano l’esistenza e l’azione umana. Utilizzando strumenti come la pittura, la composizione ambientale, l’azione sociale o il video, dà vita a opere aperte, a volte effimere, caratterizzate da una certa insofferenza verso norme, estetismi e formalismi. Il suo fine è evocare una risonanza emotiva, un punto di domanda che inviti l’individuo a riscoprire la consapevolezza di sé.
Pierluigi Slis, nato nel 1974 a Wuppertal, in Germania, vive e lavora a Revine Lago.
Espone dal 2009 in Italia e all’estero in mostre personali e installazioni Site Specific: Somewhere in Berlin – Teatro Verdi e Teatro Zancanaro, Pordenone – Christine Frechard Gallery, Pittsburgh (USA) – Parlamento Europeo, Bruxelles (B) – Festival Comodamente, Vittorio Veneto – Einfarth freihalten, 16 Alfieri, Torino – Kunstraum B, Kiel (D) – Vergrabene Wünsche, Gängeviertels, Amburgo (D) – Menchen. Baustellen. Vergrabene Wünsche, Quartier 925, Brema (D) – Zoll/1, Verona Reload, Verona -Il gatto e la volpe, Kunstart, Bolzano – Die Babylonischen Horizonte, Stabsgebaude, Cuxhaven (D) – Mostra personale a Montecarlo (MC) – Stabsgebaude, Cuxhaven (D) – All work and no play makes…, Asolo Film Festival, Teatro Duse.
PIERLUIGI SLIS
DADDY SHAKE
A cura di Chiara Canali
Promossa da CubEArt in collaborazione con Comune di Milano, Viafarini e Papà Separati di Milano
Fabbrica del Vapore
22 maggio dalle ore 18.00
(Ritrovo dei partecipanti dalle ore 17.00)
Info:
info@cubeart.org
Siti:
https://pierluigislis.com
www.viafarini.org
Drop settimanali delle opere nella gallery a cura ArtCompany su Ninfa.io da giugno a luglio 2023. www.ninfa.io/gallery/@ArtCompany
NFT MONKY CONTAMINATION è il progetto artistico digitale e collaborativo promosso da Renzo Nucara, a cura di Chiara Canali, con il coinvolgimento di oltre 20 artisti del panorama contemporaneo e NFT italiano.
Gli artisti digitali che hanno aderito al progetto sono: Alessandro Brunello (Loopo.tv), Andrea Crespi, Arianna Bonucci (ManoMorta), Badassdog, Barbara Tosti, Black7even, Bruno Cerboni, Desiderio (Desixart), Edaxer, Federico Bebber, Giò Roman, Insightbart, Luigi Quarta, Matermanto, Niro Perrone, Rebecca Fiaschi (La Visionnaire sur la lune), Reinhard Schmid, SimOndee, Svccy, Undeadlu, Valerie Biet, Yes8Richie.
Quando si parla di Arte Digitale, oggi, si fa riferimento a un insieme di opere e pratiche artistiche che “sfruttano” la tecnologia come parte cardine e indispensabile dell’intero processo creativo ed espositivo. Si usa la definizione di Crypto Art per quella branca di arte digitale intrinsecamente legata al mondo degli NFT e della Blockchain. Negli ultimi anni è emerso in rete un vero e proprio movimento artistico costituito da artisti che realizzano opere digitali valorizzando gli aspetti di collaborazione, scambio, contaminazione e community.
Secondo Jason Bailey (AKA Artnome) la miglior definizione di Crypto Arte è “quello che succede quando tutti possono partecipare”.
Come dichiara Chiara Canali, “il progetto NFT MONKY CONTAMINATION, ideato da Renzo Nucara, parte da questo assunto di ‘partecipazione’ che è anche uno dei pilastri fondamentali della comunità degli NFT artists: la condivisione e la relazionalità tra i membri, che ha permesso la nascita e la diffusione di questo movimento artistico globale, in continua espansione, senza limiti geografici o temporali.
Gli artisti e i creativi di tutto il mondo possono essere collegati fra loro istantaneamente, in maniera fluida e ubiqua, reinventando totalmente l’idea di comunità dell’arte ed espandendo i confini della creatività oltre qualsiasi limite di spazio e tempo”.
Renzo Nucara, cofondatore della Cracking Art nel 1993 e Cryptoartist dal 2018 su SuperRare, racconta che tutto è nato da un messaggio di apprezzamento del suo lavoro inviatogli spontaneamente dall’artista Niro Perrone. All’invito, da parte di Nucara, di realizzare un NFT assieme, Perrone ha risposto positivamente, dunque la proposta è stata estesa ad altri autori e si è allargata a un gruppo di circa trenta artisti.
Nucara ha inviato ai colleghi artisti una sua opera digitale della serie Time Machine (Infinite Monkey) – riconoscibile per la presenza come protagonista della scimmia Monky e di una serie di ingranaggi che girano su sé stessi incessantemente – e ha chiesto loro di intervenire a piacimento, con il proprio stile e la propria tecnica, per contaminare il lavoro iniziale. Una volta ricevuto il contributo personale dei singoli autori, Nucara ha unito in un unico file il lavoro originale con quello contaminato, in modo da ottenere una visione simultanea della variazione subita e dell’integrazione dei linguaggi.
Come Time Machine (Infinite Monkey) è un’opera in divenire, che costituisce la cellula iniziale di un potenziale lavoro infinito costruito in una struttura modulare, così NFT MONKY CONTAMINATION si sviluppa grazie alla collaborazione, alla partecipazione e all’interazione attiva di tutti gli artisti che hanno risposto all’invito e può crescere solo grazie al contributo collettivo della comunità condivisa e allargata della Crypto Art.
Il progetto, presentato attraverso un Panel in occasione del Metaforum di Milano, ha anche preso vita nel virtuale, all’interno di una esposizione digitale (visibile fino al 30 Giugno 2023) realizzata nel Metaverso di The Nemesis, la piattaforma svizzera di intrattenimento che offre esperienze di realtà virtuale e aumentata per mass market, e che è prima nella classifica globale Top 20 Web3 Virtual Worlds.
Infine, il lancio delle opere avverrà attraverso Drop settimanali nella gallery Art Company su Ninfa.io da giugno a luglio 2023.
Scheda tecnica:
Nft Monky CONTAMINATION
Un progetto di Renzo Nucara
A cura di Chiara Canali
Con la partecipazione di:
Alessandro Brunello (Loopo.tv), Andrea Crespi, Arianna Bonucci (ManoMorta), Badassdog, Barbara Tosti, Black7even, Bruno Cerboni, Desiderio (Desixart), Edaxer, Federico Bebber, Giò Roman, Insightbart, Luigi Quarta, Matermanto, Niro Perrone, Rebecca Fiaschi (La Visionnaire sur la lune), Reinhard Schmid, SimOndee, Svccy, Undeadlu, Valerie Biet, Yes8Richie.
15 ANNI DI DIALOGO INTERCULTURALE NEL SEGNO DELL’ARTE, DELLA POESIA E DELLA PASSIONE
L’Associazione culturale CUBEART festeggia 15 anni di scambio culturale e promozione artistica con il progetto “Sesamo e Sale (Poetry is my passion)”
Acquario Civico di Milano
Viale G. Gadio 2
Mercoledì 21 settembre 2022, dalle ore 18
ORE 18 –APERTURA SERATA CON INTERVENTI DI Assessore alla cultura del Comune di Milano; Alejandro Betancourt Peña, Addetto Culturale dell’Ambasciata di Cuba; Bianca Aravecchia, Responsabile Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano; Chiara Canali, Critica d’arte; Teresa Iniesta, Direttrice Instituto Cervantes di Milano; Giovanni Giovannetti, Direttore Effigie Edizioni; Emanuele Patti, Direttore artistico Milano il mondo presso Sinitah.
ORE 19 – INCONTRO CON GLI AUTORI DI “SESAMO E SALE”
Sono trascorsi 15 anni dalla nascita dell’Associazione Cubeart, che da sempre propone l’arte come linguaggio universale, capace di promuovere il dialogo interculturale.
Dalla poesia alla letteratura, dalla danza alle arti visive, dalla cultura alla musica. Cubeart lavora per sviluppare progetti e iniziative volte a fare dell’arte – in ogni sua declinazione – uno strumento privilegiato di dialogo fra culture differenti e di partecipazione alla vita sociale e culturale del territorio.
In quindici anni sono stati molti i riconoscimenti che la città di Milano ha riservato a Cubeart, offrendo ogni volta un sostegno concreto a tutte le iniziative dal forte valore poetico e dal respiro internazionale che ha promosso, incentrate sul dialogo interculturale e sul valore dell’inclusione.
In occasione dei primi 15 anni di attività, Mercoledì 21 settembre 2022 dalle ore 18 presso l’Acquario Civico di Milano verrà presentata l’iniziativa editoriale“SESAMO E SALE” (Effigie Edizioni, 2022), l’evento sarà realizzato con il contributo di Fondazione Cariplo e promosso con il Patrocinio del Comune di Milano, la Oficina Cultural dell’Ambasciata di Cuba in Italia e l’Instituto Cervantes de Milán.
L’opera letteraria “Sesamo e Sale” è il frutto della collaborazione tra artisti e poeti di diversa provenienza residenti a Milano ma interpreti di culture straniereche hanno coniugato la loro creatività, i loro linguaggi e i loro stili.
La giornata di mercoledì 21 si svolgerà in due momenti:
Alle ore 18 una tavola rotonda alla quale parteciperanno importanti personalità dell’arte e della cultura milanese: Assessore alla cultura del Comune di Milano; Alejandro Betancourt Peña, Addetto Culturale dell’Ambasciata di Cuba; Bianca Aravecchia, Responsabile Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano; Chiara Canali, Critica d’arte, presidente di Art Company; Teresa Iniesta, Direttrice Instituto Cervantes di Milano; Giovanni Giovannetti, Direttore Effigie edzioni; Emanuele Patti, Direttore artistico Milano il mondo presso Sinitah.
Moderatore dell’incontro lo scrittore Pap Khouma.
A seguire, dalle ore 19, l’incontro con gli autori del libro “Sesamo e sale” – Betty Gilmore, USA; Rufin Doh, Costa d’Avorio; Ana María Pedroso Guerrero, Cuba; Salih Selimović, Bosnia: Antje Stehn, Germania. Lettura dei testi in in italiano Luigi Cannillo.
La lettura in lingua dei versi del libro sarà accompagnata da interventi performativi e musicali ispirati alle poesie evocate con la direzione artistica della Compagnia Interrogante Spettacolo.
Artisti: Mavis Castellanos, Madeleine Mbitanna, Kalua Rodríguez, Yudel Collazo, oltre a Donat Munzila, Abdoullay Traore, Stefano Corradi (Africa&Jazz Trio).
Moderatore il giornalista Paolo Massari.
Ana María Pedroso Guerrero, Presidente Associazione Cubeart: “Milano è una metropoli contemporanea, internazionale, multiculturale, inclusiva. Con Cubeart cerchiamo di valorizzare al meglio questa peculiarità e lo facciamo attraverso l’arte e la cultura. ‘Sesamo e sale’ sottolinea la forza lirica della poesia, capace di ribadire, partendo proprio dalla lingua, l’identità di un Paese e della sua gente”.
L’iniziativa editoriale “SESAMO E SALE (POETRY IS MY PASSION)” nata nel 2018 intende valorizzare le molteplici culture inserite nel tessuto cosmopolita di Milano, stimolando attraverso la poesia – in relazione con diverse espressioni artistiche e culturali – il dialogo tra le comunità transnazionali presenti sul territorio milanese.
Si ringraziano inoltre per la consulenza Laura Pandolfini e Alma Ramos, Marco Antonio Ribeiro Vieira Lima, per il coordinamento Alejandro Baró Gil e per la grafica Chiara Crosti.
CUBEART 2007-2022
L’Associazione Culturale Cubeart celebra quest’anno 15 anni di promozione e di scambio culturale e artistico. Nata a Innsbruck, (Austria) con sede a Milano, (Italia), è stata creata a Cuba con il sostegno e la collaborazione di artisti e intellettuali dell’isola e le sue istituzioni, grazie allo scambio di esperienze ed alle competenze acquisite durante i lavori realizzati nel corso degli ultimi anni, il progetto dell’Associazione Cubeart è diventato sempre più ampio. Dal 2011 infatti Cubeart si è posta come strumento creatore di reti di interscambio culturali, artistiche e sociali fra Cuba, America Latina, Italia ed Europa, legate allo sviluppo, alla realizzazione e alla produzione di eventi e progetti di cooperazione garantendo la partecipazione degli attori chiave per la formazione radicati nelle diverse regioni e ha promosso lo scambio di informazioni, spazi e individui riguardo i temi dell’arte, cultura e società, che sono rilevanti per il progresso sociale e umano.
La stagione culturale di Parma si prepara a ospitare la sesta edizione di PARMA 360 Festivaldella creatività contemporanea, evento dedicato alle massime espressioni delle arti visive contemporanee e del pensiero creativo, la cui direzione artistica è a cura di Chiara Canali e Camilla Mineo.
Promosso e prodotto dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, PARMA 360 Festival ha ricevuto il patrocinio e il contributo del Comune di Parma, il contributo della Regione Emilia-Romagna e di Fondazione Cariparma ed è sostenuto da un’ampia rete di partner pubblici e privati.
Un’edizione speciale, in programma tra il 10 settembre e il 30 ottobre 2022, che presenta i percorsi di alcuni protagonisti del sistema artistico contemporaneo le cui opere saranno in dialogo con gli spazi espositivi della città, in un percorso multimediale e sinestetico dedicato al tema PASSAGGI / PAESAGGI.
In questo inizio di secolo si parla con sempre maggiore insistenza di “paesaggio”, attribuendo spesso a questo termine significati diversi. Ma il paesaggio è ormai un continuum spazio-temporale che riunisce nella propria compagine caratteri opposti e dicotomici: l’uomo e la natura, lo spazio interno e quello esterno, il confine e l’apertura, l’esistenza concreta e quella immaginaria, il reale e il virtuale. Gli uni e gli altri sono, in realtà, condizioni di passaggio, di transizione, di evoluzione che il variegato programma del festival si proporrà di indagare attraverso i protagonisti coinvolti in questa sesta edizione.
Non solo mostre e progetti espositivi ma anche talk e incontri che confermano la natura partecipativa e relazionale di PARMA 360, nonché la sua vocazione a incoraggiare e diffondere l’arte contemporanea e gli artisti emergenti, attraverso la valorizzazione del patrimonio artistico parmense trasformato in un vero e proprio museo diffuso sul territorio. Anche in questa edizione, infatti, luoghi sia istituzionali che privati come palazzi storici, torri medioevali, spazi di archeologia industriale riconquistano il loro valore aggregativo e si arricchiscono di nuove valenze semantiche.
Ideata appositamente per PARMA 360 Festival e presentata a Palazzo del Governatore è l’opera poli-autoriale ánemos di Edoardo Tresoldi, Studio Azzurro e Max Magaldi. ánemosè un progetto corale che unisce linguaggi espressivi differenti: i tre artisti hanno concepito un organismo unico che si snoda attraverso la dimensione scultorea di Tresoldi, le proiezioni video di Studio Azzurro e la sonorizzazione di Max Magaldi. Insieme narrano un fenomeno semplice come il soffio leggero dell’evolversi di una giornata nel suo passaggio / paesaggio – il suo anemos – sintetizzandolo in un ambiente chiuso in cui agiscono dinamiche antropiche. Nel fare questo l’opera cerca di intercettare la relazione tra uomo e natura, legata fondamentalmente al caso, traslandola in una dimensione in bilico tra reale e virtuale.
Se l’architettura di Tresoldi detta le ritmiche spaziali dell’installazione, il suo contraltare è quello di essere Materia Assente che respira ed è resa mutevole dai racconti visivi di Studio Azzurro e dalle suggestioni sonore di Magaldi. L’opera di Studio Azzurro, nata come Cieli d’Italia, un grande affresco animato che simula ad “occhi in su” un viaggio lungo un’Italia immaginaria, mostra il sospiro di un cielo, il suo svolgersi e il suo mutare nell’arco di una giornata, dall’alba alla notte attraverso il mezzogiorno e il tramonto. A questa narrazione immaginifica si lega l’ecosistema sonoro ideato da Max Magaldi, composto da variazioni di suoni, momenti di climax e di pausa. Ogni visitatore, attraverso il proprio device, è in grado di aggiungere e amplificare gli elementi sonori nello spazio. ánemossi configura come un ambiente contemplativo, un percorso di ascolto e di scoperta in cui la percezione temporale è sospesa.
L’installazione sarà accompagnata da due percorsi paralleli che ne permetteranno un’ulteriore lettura: la mostra fotografica di Vito Frangione, un’esplorazione autoriale del lavoro di Tresoldi con un testo critico di Bianca Felicori, e i block notes di Studio Azzurro, un racconto dei loro processi e delle loro visioni artistiche.
Nell’ambito della macro-opera realizzata dall’autore israeliano Yuval Avital con il titolo Bestiario della Terra, progetto dell’anno di Reggio Parma Festival 2022, che si snoda nel corso dei mesi con un palinsesto composto da esposizioni monografiche, installazioni e grandi eventi, Persona è la terza mostra e rappresenta l’indagine sulla maturità, dopo le due precedenti svolte sull’infanzia, con Anatomie squisite (Musei Civici di Reggio Emilia), e sull’adolescenza, con Lessico Animale. Prologo (APE Museo di Parma).
In questa tappa, che si svolge nel settecentesco edificio di Palazzo Marchi, sono in mostra le celebri maschere sonore di Yuval Avital. Persona in passato significava maschera in quanto il termine italiano proviene dal verbo latino personare, formato da per = attraverso + sonare = risuonare, con riferimento agli attori del teatro classico che “parlavano attraverso” la maschera lignea che indossavano in scena.
La maschera permette a ciascuno, nascondendolo, di esprimere le verità più profonde, il vero proprio “io” e di conseguenza l’anima primordiale, ancestrale, istintiva, ovvero animalesca, racchiusa in ciascuno di noi e che finalmente può aprirsi una strada di comunicazione verso il mondo. Realizzate dall’artista in collaborazione con eccellenze artigianali toscane (nel 2019 in occasione della mostra monografica Nephilìm, al Museo Marino Marini di Firenze, e presentate nel 2021 a Milano nell’installazione site-specific Mikvé, ai Bagni Misteriosi di Milano), le maschere sonore di Avital racchiudono un forte significato simbolico sotteso da cui trapelano mistero, artificio e rito. Assieme alle maschere sonore sarà presente la video installazione Firedance, una riflessione nata davanti ai tradizionali fuochi di San Giuseppe di Matera, in cui l’ombra di un bambino che alimenta il fuoco va inteso come messaggio spirituale e purificatore. Infine, River Icons un lavoro iconografico in cui il fiume allude al flusso dei migranti che abbandonano le loro terre e in cui i partecipanti, composti da rifugiati e richiedenti asilo, diventano co-creatori dell’opera, innestando un processo di ri-umanizzazione dell’individuo de-umanizzato.
Il Torrione Visconteo, Torre medievale che sorge in via dei Farnese, di fronte al palazzo della Pilotta, ospita il progetto site-specific Camminando contaminandodell’artista Francesca Pasquali, autrice riconosciuta nel campo dell’arte contemporanea nazionale e internazionale per la sua ricerca legata alle materie plastiche. A partire dall’osservazione delle trame compositive con cui la natura crea le sue forme, l’artista cerca di riprodurne le strutture e i pattern attraverso la materia del proprio tempo. Pasquali trasforma e riconnota i materiali plastici e industriali, spesso di riuso, in ambienti di grande complessità e lenta elaborazione; seppur si tratti di materie proprie della quotidianità (plastica, polistirolo, ragnatori, setole) l’artista utilizza tecniche antiche quanto l’uomo, quali la tessitura, l’accumulo, l’intreccio.
Partendo dalla fascinazione che questi materiali esercitano nella sua prassi creatrice, stimolata dalla peculiare tipologia degli ambienti propri del Torrione Visconteo e sollecitata dalla volontà di interagire con il pubblico, l’artista realizza un articolato allestimento che si dipana per i vari piani della torre, lavorando sul dialogo tra ambiente e materia, pubblico e opera d’arte. Al pian terreno l’omonima installazione Camminando contaminando, realizzata in collaborazione con Termoblok, prevede la creazione di uno spazio immersivo, costituito da truciolato di polistirolo – lo stesso usato nel packaging – che verrà interamente percorso dallo spettatore.
L’armonia è uno degli elementi peculiari della sua ricerca, intesa quale pratica processuale e manuale che dà vita a opere di grande visionarietà, mutevoli, policrome e sensualmente attraenti per lo spettatore. L’ambiente accoglie la materia sintetica e instaura un rapporto simbiotico con essa, creando un dialogo rispettoso tra contenitore e contenuto in completo equilibrio. La materia plastica rivaluta così la sua essenza stimolando un rapporto interattivo e ammaliante con essa.
Lo Spazio Vetreria di Italia Veloce, sede e laboratorio di “Italia Veloce”, storica officina di Parma all’avanguardia nella realizzazione di biciclette di lusso e design, a partire dal 30 settembre 2022, ospita CINEMATICA illustrazione in movimento, mostra curata dalla galleria torinese Caracol e Camilla Mineo, dedicata a quattro grandi illustratori e illustratrici tra i più affermati del panorama italiano: Riccardo Guasco, Fabio Consoli, Marina Marcolin, Ilaria Urbinati.
Le due realtà, quella della bicicletta e dell’illustrazione si incontrano e dialogano fra loro grazie alle linee semplici e ai colori di Riccardo Guasco, la bicicletta è forse il luogo dove nascono le idee di questo geniale illustratore, che espone in Via Dalmazia una selezione dei suoi lavori più dinamici e scattanti; Fabio Consoli, illustratore di Acitrezza di fama internazionale, grande viaggiatore, utilizza la bici per i suoi viaggi in giro per il mondo tenendo un diario illustrato che è poi diventato un blog.Le sue illustrazioni, concettuali e poetiche sembrano sospese nel tempo e nello spazio. Gli acquerelli di Marina Marcolin, sprigionano mistero, sogno e raccontano del dialogo fra uomo e natura e mescolano presente, passato, la realtà e profonde sensazioni. Ilaria Urbinati, illustratrice torinese, mette al centro dei suoi lavori la figura femminile, le sue protagoniste sono donne, ragazze che esplorano e sperimentano il paesaggio e il mondo naturale intorno a loro.
Come ogni anno, anche in questa sesta edizione del festival, l’Edicola liberty di Piazza della Steccata viene rivestita con un progetto dedicato all’illustrazione contemporanea, realizzato in collaborazione con illustation.it e con il supporto di Servizievole.
Questa edizione di PARMA 360 Festival prevede anche una serie di talk, incontri e workshop con gli autori protagonisti delle mostre e alcuni relatori, critici d’arte, curatori, giornalisti, operatori culturali in dialogo con loro, in un programma moderato da Andrea Dusio, curatore, giornalista e saggista che si occupa di temi legati all’arte antica e contemporanea per le pagine culturali di quotidiani, periodici e testate web.
Il Festival abbraccia attivamente tutta la città e si arricchisce del CIRCUITO OFF realizzato grazie al supporto de La Galleria per coinvolgere il pubblico in un percorso nei negozi con l’obiettivo di rilanciare e promuovere la fervida cultura artistica già presente sul territorio e supportare le attività commerciali. All’appello sono chiamati gli spazi creativi della città: ristoranti, negozi, esercizi vari. Cuore del Circuito off sarà quest’anno La Galleria, con i suoi negozi, ristoranti, librerie, che saranno protagonisti di una mostra diffusa nelle vetrine degli esercizi commerciali in collaborazione con Illustation.it che proporrà mostre di illustratori di fama nazionale e internazionale, per una ricca e curiosa offerta espositiva. Un grande evento sarà ospitato negli spazi de La Galleria, con mostre, performance, live painting, talk presentazioni di libri, musica per una serata artistica 360 gradi.
Lorenzo Lavagetto, Assessore alla Cultura del Comune di Parma: “La sesta edizione del Festival porta a Parma opere di grandi artisti contemporanei capaci di reinterpretare, con originalità, alcuni dei più suggestivi spazi culturali e luoghi del patrimonio artistico cittadino offrendo occasioni di scoperta e arricchimento, non solo per appassionati d’arte e intenditori, ma anche per tutti coloro, adulti e bambini, che con curiosità si avvicinano all’arte contemporanea per la prima volta. Con piacere apriamo le porte di Palazzo del Governatore a Edoardo Tresoldi che, insieme alle proiezioni video di Studio Azzurro e grazie alla sonorizzazione di Max Magaldi, coinvolgerà il pubblico in una narrazione immaginifica in cui la percezione temporale è sospesa”.
PARMA 360 Festival della creatività contemporanea, che vede la direzione artistica e la curatela di Chiara Canali, Camilla Mineo e di Silvano Orlandini come Direttore di produzione, è organizzato dalle associazioni 360° Creativity Events ed Art Company, con il contributo del Comune di Parma, della Regione Emilia-Romagna, di Fondazione Cariparma e un’ampia rete di partner pubblici e privati, tra cui Termoblok, Gruppo Zatti, Studio Livatino, Studio Athena, Eulip, Bruno Casoli Trasporti, Gruppo INCHotels di Parma, Servizievole, De Simoni.
Info festival:
Parma 360 Festival della creatività contemporanea
VI Edizione
PASSAGGI / PAESAGGI
Spazio e Tempo nel contemporaneo
Direzione artistica
Chiara Canali, Camilla Mineo
Parma, sedi varie
Dal 10 settembre al 30 Ottobre 2022
